Descripción de los arquitectos. The Stellar Group es una empresa multinacional de representación de deportistas que quería una sede emblema de la marca a su llegada a la capital española, donde todo girase en torno a los futbolistas, que son los verdaderos protagonistas de su negocio local.
El espacio original propuesto estaba muy compartimentado y en mal estado, incompatibles con las necesidades e imagen de “marca” que requería Stellar Group. Es así como nace la idea de esta “oficina boutique” con un único gesto que la organiza, centrando la atención en la sala de firmas/reuniones/celebraciones, a partir de la cual se articula la propuesta arquitectónica, así como su imagen corporativa.
El elemento central es una curva de vidrio y madera, que es la gran protagonista del espacio, ya que acoge en su interior la sala principal: la sala donde se firman los contratos, el verdadero corazón de la agencia. Alrededor de ella, se organizan el resto de espacios necesarios para su funcionamiento: una sala de espera, un pequeño aseo, una cocina, una zona de ocio y relax para los representados y el despacho principal.
Los jugadores de fútbol tienen un papel primordial en el espacio, que se enfatiza y ensalza creando unas hornacinas de madera donde se colocan unos vinilos de gran tamaño con la imagen de los más importantes y de los últimos fichajes representados por la empresa.
Proyecto Y Dirección: Juan Pedro Rubio, Agustín Cubero
Colaboradores: Juan Pablo Castellano, Martín Rabbordi, Andrea Anselmo, Fabián Dejtiar. Federico Saraceno, Romina Garino, Gabriel Schesak, Brian Gorban, Maia Lax, Ayelén García Palma, Leonardo Trabattoni, Mailen Pellegrino.
Descripción de los arquitectos. Emplazado en el barrio de Belgrano R y rodeado de un paisaje urbano heterogéneo —producto de la diversidad de densidades, épocas y normativas— la obra se adapta al entorno completando el frente de un lote de 12,5 metros de ancho por 50 metros de fondo. La relación con la ciudad se fortalece al liberar la planta baja, dando continuidad a la vegetación por debajo del edificio e incorporando a la atmósfera característica del barrio el verde del patio central y el centro libre de la manzana.
El proyecto se trata de un edificio de viviendas de densidad media. Combina el habitar colectivo contemporáneo con la individualidad y libertad propias de la escala barrial. Se compone de dos volúmenes de cuatro niveles despegados del nivel cero, enfrentados y comunicados entre sí a través de pasarelas y escaleras semicubiertas.
Su implantación permite no sólo aprovechar las virtudes propuestas por la normativa y el terreno, sino también generar una mayor superficie disponible para iluminación y ventilación de los ambientes principales.
Cada uno de los bloques está compuesto por: una planta baja libre, que permite alojar en su totalidad los accesos peatonales, vehiculares y de locales de servicio, así como espacios de guardado de coches y bicicletas; cuatro plantas que albergan el programa de viviendas con un total de 21 unidades de 1, 2, 3 y 4 ambientes; y dos terrazas, una de uso común y otra privada.
Todo el conjunto se organiza a partir de un gran patio central que es atravesado y recorrido por el sistema circulatorio de pasarelas peatonales y escaleras. De este modo se lo vivencia casi de manera permanente, generando un estrecho diálogo entre interior y exterior. El espectador deja de serlo para convertirse en protagonista y así apropiarse de los espacios, transitándolos y observándolos desde las distintas perspectivas propuestas. Este espacio descomprime la separación entre los bloques a la vez que organiza el sistema de acceso a las viviendas.
Los balcones y terrazas son un valor agregado en todas las unidades. De proporciones generosas y materiales contemporáneos, sirven de espacio intermedio y permiten que las funciones del interior se extiendan hacia el exterior. Se trabaja con el balcón en voladizo como expansión de la vivienda, elemento característico de la ciudad de Buenos Aires. La relación entre sus componentes —estructura resistente, losa en voladizo, baranda, revestimiento, sistema de filtros—servirá como material de proyecto y permitirá apreciar resoluciones en función de los problemas constructivos y de la búsqueda del compromiso estético deseado.
Hacia la fachada principal del conjunto y en el sistema circulatorio central, se dispone una trama de filtros metálicos que determinan no sólo una especial característica formal y visual, sino también una herramienta eficaz para el control de la relación de la expansión interior con el complejo espacio urbano y del sistema de circulación con el interior de las unidades. Estos elementos, que conformarán la materialización del primer límite de la vivienda con el exterior, fueron utilizados como un recurso expresivo que permitió potenciar las cualidades espaciales.
Sin exaltaciones simbólicas ni excesos retóricos, el uso de los elementos de arquitectura pretende ser tanto discreto como eficaz: se trabaja con hormigón armado, ladrillo cerámico —revocado o revestido—, acero, aluminio, madera y vidrio; materiales nobles que garantizan una permanente vigencia y durabilidad.
Las lógicas conceptuales a partir de las cuales cristalizó el esquema final del proyecto forman parte de un trabajo material y profesional que tuvo como objetivo organizar tanto la forma como el espacio. Como resultado de este proceso, se logró establecer un orden rector entre las distintas partes del edificio, totalizando una síntesis arquitectónica entre imagen, esfuerzos, resoluciones a los requerimientos humanos y aporte al entorno urbano construido.
La consultora europea IDOM ha revelado nuevas imágenes del futuro centro de eventos histórico y cultural de la música vallenata localizado en la ciudad de Valledupar, Colombia. El proyecto ha sido concebido bajo la iniciativa de la Gobernación del Cesar, con el propósito de entregar a la ciudad 'un espacio turístico inédito que albergará la tradición musical e histórica del vallenato'.
Influenciados por la fuerte estructura vegetal y las altas temperaturas de la ciudad, la propuesta se erige como “un gigantesco palo que protegerá y cobijara bajo su sombra el legado pasado, presente y el desarrollo del futuro de la cultura vallenata” según reseña IDOM, rescatando la importancia de la memoria cultural y su relación con las condiciones geográficas del lugar.
Memoria oficial: cuando se recorre Valledupar, cuando se sobrevuela, los árboles, los palos, parecen ocuparlo casi todo. Con las altas temperaturas de Valledupar los palos, los árboles, son fuente de sombra, de vida, y se convierten en generadores de espacios de estancia, conversaderos y parrandas. El árbol es un elemento totémico en la cultura vallenata, cuántos palos en los patios, cuántas parrandas bajo los palos, en los patios, en las veredas, en los caminos. Es por ello que el diseño que la firma internacional IDOM ha desarrollado del nuevo Centro de eventos encontró la inspiración en un palo, un árbol, un gigantesco palo que protegerá y cobijara bajo su sombra el legado pasado, presente y el desarrollo del futuro de la cultura vallenata.
Como un gran árbol, un palo, el edificio se plantea sobre elevado, generando una gran área de sombra bajo el mismo, mayor que la de cualquiera de los grandes cauchos y mangos que presiden las 2 plazas más importantes de la ciudad. Un espacio cubierto, protegido del sol y de la lluvia, susceptible de ser usado para parrandas, mercadillos y otros eventos populares complementarios a los que se desarrollarán en el interior.
El edificio contará con dos sótanos para un total de 243 celdas de parqueo, almacenamiento e instalaciones que suman 11.500 metros cuadrados construidos; y 5 pisos sobre el suelo, que suman 8.000 metros cuadrados construidos, con una altura total de 26 metros.
En el piso 1 el edificio es casi todo espacio público, abierto, gran parte cobijado bajo su sombra. En este piso primero, auténtica plaza cubierta, se ubicarán tres locales comerciales, destinados al arriendo para cafetería, local bancario y tienda. También se ubican los tres accesos: público y visitantes; personal e investigadores; auxiliar al parqueadero de los sótanos. Los locales de acceso se diseñan como “troncos” por los que se asciende hasta el piso 2, el piso donde se ubican los espacios principales del edificio. Estos son: un gran Hall con la recepción del centro, el Museo del Vallenato y una gran y versátil sala de eventos con capacidad para 1.200 espectadores. Ubicando ambos espacios en el mismo piso se garantiza al Museo un continuo flujo de visitantes nuevos durante todo el año pues es de prever que todos los asistentes a los eventos que se desarrollen en la sala visitarán el Museo.
La sala de eventos contará con 8 metros de altura y se dotará de los más modernos sistemas de audio y video; un espacio diseñado con una magnífica acústica para la música vallenata, de configuración híbrida entre un centro de convenciones y microferias y una sala de eventos musicales; una sala reconfigurable y subdivisible en 3, con posibilidad de desarrollar 2 eventos simultáneamente.
Utilizando las más modernas tecnologías, en el museo el visitante disfrutará de una experiencia audiovisual e interactiva divida en dos bloques. El proyecto museográfico se ha desarrollado en continuidad al Plan Especial de Salvaguarda del Vallenato, documento que Colombia presentó a la UNESCO para el reconocimiento del Vallenato como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
En el primer bloque, a través de 4 salas, un conjunto de audiovisuales, narraciones y proyecciones relatarán los orígenes, historia, desarrollo y evolución hasta la actualidad de la música vallenata. El segundo bloque será más interactivo, donde en 3 salas se animará al visitante a aprender a través de juegos y pantallas táctiles las claves de la música vallenata: la caracterización literaria, los temas clásicos y nuevos de las composiciones; caracterización musical, verseando, la estructura de los versos; los 4 aires, el ritmo, la caja; y una experiencia en 3D con gafas Óculus que permitirán al visitante la visualización de la música, de la armonía, la estructura musical, del Vallenato.
En el Piso 3 se ubicarán locales de espacios auxiliares de la sala de eventos, sala de control, y camerinos. En el Piso 4 se ubicarán las oficinas de gestión del centro así como los locales para investigadores del vallenato: sala de organología, salas de grabación y centro de documentación. En el Piso 5 se ubicará un local destinado al arriendo para un restaurante y una amplia terraza – mirador desde la que se podrá disfrutar de una magnífica vista de la ciudad y de la Sierra nevada y la Serranía del Perijá.
El edificio se ha diseñado en paralelo al desarrollo de un estudio de eficiencia energética que garantiza un reducido consumo de energía y agua: luminarias LED, sanitarios de bajo consumo, ventilación natural del Hall, y un largo etcétera en el que la pieza más visual de la estrategia la constituye la malla de camuflaje que envolverá toda la volumetría del edificio, una malla de material sintético, permeable al aire y a las visuales, que como un gran cortina protegerá el edificio de las elevadas temperaturas de Valledupar, reduciendo el consumo energético del edificio y definiendo la imagen del mismo como palo, como gran árbol.
Los trabajos desarrollados incluyen no solo los proyectos, los diseños, también los estudios de Suelo, topografía, estudio de movilidad, estudio acústico de la sala, estudio de eficiencia energética, proyecto museográfico, identidad gráfica, benchmarking y estudio de oferta y demanda.
El estudio de oferta y demanda estima un impacto económico de 34 mil millones de pesos colombianos al año para la ciudad, derivado en su mayor parte del consumo en alojamiento, restauración y compras de los visitantes y turistas foráneos que asistan a los eventos, congresos, convenciones y microferias que organice el centro.
A la fecha no existe ningún edificio en Colombia que recoja y explique a propios y a extraños que es este bien inmaterial que es el Vallenato, la música vallenata. Un patrimonio que no es solo de Valledupar, del Cesar, que es reconocido en todo el mundo como de Colombia, un vacío que el centro viene a llenar cumpliendo un sueño, un anhelo de todos.
Descripción de los arquitectos. El proyecto está situado en el corazón de Burdeos en la orilla izquierda, al noreste del centro de la ciudad, en el distrito de Bacalan. Es la primera tierra que ha sido dada por el Gobierno francés como resultado de la Ley Duflot para construir viviendas sociales en la ciudad. Está situado en la esquina de dos calles, Brunet y Dupleix, adyacente al tranvía.
El edificio consta de 23 apartamentos, T1 y T3 bis en R + 2, además de un ático. Combina un aspecto funcional y el confort del usuario, así como algunas cualidades arquitectónicas, medioambientales y técnicas. La parte negra es la vivienda familiar y la parte blanca es la vivienda social y estudiantil.
Los materiales utilizados, el efecto con espacios llenos y vacíos, el «epannelage» resaltan los volúmenes. Las fachadas policromadas participan en la organización de todos los edificios y las aberturas más grandes están dispuestas para proporcionar un ritmo arquitectónico dinámico y contemporáneo.
El diseño de las partes comunes de los edificios se han inspirado en las orillas del río Garonne en Burdeos, que está muy cerca del sitio. Las paredes están decoradas con dibujos de los distintos puentes de Burdeos.
Diseñar un museo siempre es un reto arquitectónico emocionante. Frecuentemente, los museos vienen con necesidades y restricciones únicas: desde el museo de arte que necesita espacios para especialistas en preservación, hasta la enorme colección que requiere espacio extensivo de archivo, e incluso la gran institución cuyo edificio patrimonial representa un reto para cualquier nueva extensión.
En honor al Día Internacional del Museo, hemos seleccionado 23 museos sobresalientes de nuestra base de datos, y cada editor de ArchDaily nos explica qué es lo que hace de estos edificios los mejores ejemplos de arquitectura de museos que hay.
¿Por qué escogimos esta obra? Creo que se inserta perfectamente en un increíble paisaje, actualizando operaciones vernáculas y uniéndolas a decisiones inteligentes de diseño contemporáneo. Además, el diseño incorpora un 'dispositivo pasivo' que mejora la eficiencia y comodidad del edificio a través de un solo elemento, evitando el uso de un gran número de sistemas complejos. - José Tomás Franco, Editor de Materiales
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¿Por qué escogimos esta obra? Este museo combina técnicas tradicionales con materiales reciclados para crear una estructura poderosa pero sutil. La obra de Kengo Kuma sobresale por su cuidadoso trato del paisaje, trabajando con la materialidad y estructura como los principales pilares de diseño. El proyecto celebra la dualidad de la cultura china hoy en día: técnicas constructivas modernas versus la tradición y artesanía. - Fernanda Castro, Editora de Proyectos
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¿Por qué escogimos esta obra? Un museo sobresaliente gracias a su llamativo y tecnológico friso, el Kunstuseum Basel es una obra maestra monocromática – un ejercicio excepcional en la combinación de materiales de matices similares para crear profundidad, sombra y textura. - Becky Quintal, Directora de Contenido
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¿Por qué escogimos esta obra? Para mí, este museo es la obra maestra de I.M. Pei. A través de su inserción en el terreno y del "paseo arquitectónico" a su costado, el museo genera una serie de experiencias y momentos únicos, una síntesis de lo que la arquitectura debería de ser. - David Basulto, Fundador y Jefe de Redacción
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¿Por qué escogimos esta obra? Un edificio que sigue las tradiciones chinas a través del tipo de espacios en lugar del uso de materiales: tres diferentes patios articulan los espacios principales creando una secuencia de exposiciones entre el interior y exterior. - Diego Hernández, Editor de Proyectos
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¿Por qué escogimos esta obra? Los museos deben adaptarse a la nueva generación de visitantes. ¿Qué mejor manera de interpretar estas necesidad que diseñando salones interactivos que ofrecen una experiencia activa de instrumentos de música clásica y su espectro sonoro, rodeado de la comodidad de los patrones y colores cuidadosamente elegidos de los muros acústicos? - Amanda Pimenta, Editora de Redes Sociales
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¿Por qué escogimos esta obra? Un museo interesante se entiende mediante la experiencia que ofrece la ruta y la interacción entre el visitante y la exposición de valor cultural. En el Allmannajuvet Zinc Mine Museum, estos dos componentes son evidentes: una ruta impresionante y natural a través de un sitio con alto valor histórico que no sólo es reflejada en un objeto individual, sino en un contexto entero. - Fabián Dejtiar, Editor, ArchDaily en Español.
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¿Por qué escogimos esta obra? Un museo que transmite la historia de Andalucía como una pantalla monolítica en Granada. El MA crea una tensión espacial con el resto de la ciudad, evidenciado en el patio central donde rampas circulares se levantan hacia una espectacular vista de Granada. - Nicolás Valencia, Editor, ArchDaily en Español.
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¿Por qué escogimos esta obra? Mientras que la luz natural es filtrada a través de las imposiblemente delgadas vigas de concreto estructural, los muros y pisos parecen disolverse, dejando un fondo perfectamente puro para la vibrante y sorprendente colección de obras de arte contemporáneo en vidrio del museo. - Patrick Lynch, Editor de Noticias
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¿Por qué escogimos esta obra? El museo más icónico de Brasil. Una obra maestra de Lina Bo Bardi ubicada en un terreno muy complejo en cuanto a densidad urbana, flujo y topografía. - Romullo Baratto Fontenelle, Editor, ArchDaily Brasil
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¿Por qué escogimos esta obra? Aunque no es un museo particularmente grande, Museo Jumex ofrece tres espacios de exposición únicos que permiten al programa incluir una variedad de tipos de exposiciones. El diseño del edificio es atemporal y lo suficientemente sutil para no competir con el arte contemporáneo que aloja, pero con un carácter definitivo que lo hace sobresalir entre los edificios hipermodernos de Plaza Carso. - Karina Zatarain, Editora, ArchDaily México
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Hotel Museo Xi'an Westin / Neri & Hu Design and Research Office
¿Por qué escogimos esta obra? En este museo, la pesadez aparente de los volúmenes arquitectónicos se yuxtapone a los elementos ligeros para crear espacios sublimes y únicos para la expresión artística. El innovador programa mezclado contrasta con las intenciones materiales, que adoptan el perfil de la arquitectura vernácula china. - María Francisca González, Editora de Proyectos
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¿Por qué escogimos esta obra? Completado en 2006, el Museo de la Literatura Moderna es un ejemplo perfecto de la obra de David Chipperfield y de porqué se ha convertido en una figura tan venerada. La resolución del ligero minimalismo de Chipperfield y las inspiraciones clásicas complementan perfectamente el adyacente Schiller National Museum. - Rory Stott, Managing Editor
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¿Por qué escogimos esta obra? Las estructuras de Gehry (con ayuda del software de su computadora) ofrecen el espacio perfecto para exhibiciones - una gran combinación de material, forma y luz. Al citar la tradición de los edificios de vidrio para jardines del siglo XIX, Gehry seleccionó el vidrio como el material principal, creando un diálogo perfecto con el Jardín. - Diego Hernández, Editor de Proyectos.
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¿Por qué escogimos esta obra?Eduardo Souto de Moura cree que es uno de los mejores edificios modernos diseñados por Siza. Al compararlo con otros museos comunes, este proyecto tiene dos distinciones: se eleva para combatir las inundaciones que ocurren regularmente debido a su proximidad al río Tâmega, y se conecta fuertemente con el paisaje que lo rodea y la historia local. Una vez que estás dentro de sus espacios, puedes ver los campos y los muros viejos y parcialmente demolidos que actúan como recordatorio de la vocación anterior del área. - Victor Delaqua, Editor, ArchDaily Brasil
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¿Por qué escogimos esta obra? Dada su ubicación en el centro comercial nacional de Washington DC, no es difícil argumentar que el NMAAHC es, por lo menos culturalmente hablando, entre los edificios más importantes del siglo XX en Estados Unidos. El diseño de Freelon Adjaye Bond / SmithGroup JJR cumple expectativas, trabajando con los límites impuestos por el contexto que lo rodea mientras usa el contenido del edificio como inspiración para lograr un diseño verdaderamente único y refrescante. - Rory Stott, Managing Editor
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¿Por qué escogimos esta obra?Tanto volumen como materiales parecen sugerir que el edificio integra y enaltece a la naturaleza. Su implantación cuidadosa en la cima de una colina sobre el mar dota al edificio de una sutileza al funcionar él mismo como topografía. Los arquitectos parecen haber aprendido de Tiza cómo abrir dramáticamente hacia las vistas, enmarcando espectacularmente el paisaje. - Eduardo Souza, Editor, ArchDaily Brasil
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¿Por qué escogimos esta obra?Un resultado interesante de la colaboración entre Paulo Mendes da Rocha, Ricardo Bak Gordon y MMBB. La estructura cruda y austera crea un fondo claro para el tema del museo: vagones viejos. En cuanto a volumen y masa, el museo consiste en un pabellón principal y una segunda estructura que alberga la entrada, restaurante y auditorio, todos conectados por un camino elevado que crea un portico sobre la plaza pública. - Romullo Baratto Fontenelle, Editor, ArchDaily Brasil
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¿Por qué escogimos esta obra? MAAT fue diseñado por la arquitecta británica Amanda Levete con las líneas orgánicas y futuristas que la caracterizan. Ubicado en la orilla del río Tejo, el proyecto se desliza por el terreno como una criatura orgánica de escamas de cerámica, aludiendo a la tradición portuguesa y simultáneamente rompiendo con los paradigmas usuales de la escuela portuguesa. La abundancia de tecnologías aplicadas a su construcción crean composiciones versátiles e innovadoras en las áreas expositivas. El proyecto se adapta al ambiente de manera sutil y delicada, recolectando el río con la ciudad. - Joanna Helm, Jefa de Contenidos, ArchDaily Brasil
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¿Por qué escogimos esta obra? A pesar del hecho de que la mayoría de los arquitectos tienden a preferir el Museo Whitney original de Marcel Breuer, el nuevo Whitney es un edificio fantástico para exposiciones - su flexibilidad ofrece a los visitantes una nueva experiencia cada que acuden al museo. Además, la circulación exterior entre terrazas ofrece vistas expansivas de la ciudad y contribuye a un camino de museo que no está confinado al edificio solamente, sino a Nueva York como un todo. - Diego Hernández, Editor de Proyectos
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¿Por qué escogimos esta obra? El diseño de Diller Scofidio + Renfro para el Broad se guió por dos conceptos claves: primero, la idea del "velo y bóveda" que controló la organización y estructura del proyecto; segundo, la idea de la experiencia del visitante, que culminó en la ruta principal del edificio subiendo una escalera mecánica hacia el piso de exposiciones y luego bajando de vuelta por escaleras donde el público puede ver un pedazo del archivo del museo. Este enfoque en una lógica sencilla y la experiencia del visitante ha convertido al Broad en uno de los museos más populares de Los Ángeles. - Rory Stott, Managing Editor
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¿Por qué escogimos esta obra? Creo que un museo se define por cómo enaltece el arte que exhibe. Ya sea utilizando un elemento construido o simplemente posicionando puntos de referencia en un campo abierto, todo se trata de la experiencia de 'vivir' el arte. El experimental Tippet Rise Art Center quizá no mantiene su obra bajo un techo, pero ciertas piezas como las Estructuras de Paisaje diseñadas por ENSAMBLE STUDIO son tanto más poderosas debido a ello; su obra es simplemente poesía, convirtiendo elementos de la tierra misma en arte del paisaje. - Danae Santbáñez, Editora de Proyectos.
¿Por qué escogimos esta obra? La renovación del Fogg Museum – vecino del aclamado Carpenter Center de Le Corbusier – tenía todos los ingredientes requeridos para una controversia potencial. Pero el astuto proyecto de Renzo Piano y Payette tomó los mejores aspectos del edificio existente, re-imaginando el patio central como un atrio cívico y lleno de luz, mientras la extensión misma fue lo suficientemente sensible hacia tanto el Fogg Museum como su vecino que pocas personas quedaron descontentos con el resultado. - Rory Stott, Managing Editor
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In honor of International Museum Day we've collected twenty fascinating museums well worth visiting again. In this round up you'll find classics - such as Bernard Tschumi Architects' New Acropolis Museum andZaha Hadid Architects' MAXXI Museum - as well as lesser-known gems - such as Waterford City Council Architects' Medieval Museum , the Natural History Museum of Utah by , and the by.
In honor of International Museum Day we've collected twenty compelling museum projects. In this round up you'll find a truly global selection; from Wang Shu's Ningbo Historic Museum in China and Tod Williams + Billie Tsien's Barnes Foundation in Philadelphia to Monoblock's Contemporary Art Museum in Buenos Aires, see all of our editors' favorites after the break!
Con la construcción casi terminada del Museo Mil en Miami, uno de los proyectos póstumos más grandes de Zaha Hadid, Curbed ha reportado que la torre de 62 pisos será tema en un próximo documental de Discovery/PBS sobre la creación de estructuras complejas alrededor del mundo. Titulado "Construcciones Imposibles," el programa resaltará el exo-esqueleto de concreto reforzado con fibra de vidrio del edificio.
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"Es un honor que el proyecto se muestre en este importante documental," dijo Louis Birdman, uno de los desarrolladores del Museo Mil de Zaha Hadid Architects. "No podemos pensar en una mejor manera de inmortalizar este proyecto para una audiencia global que por medio de este documental."
La serie mostrará cinco diferentes proyectos innovadores alrededor del mundo, incluyendo el hotel "Heart of Europe" en Dubai, y uno de los rascacielos más delgados de Nueva York.
Following the ground breaking last December, construction has begun on Zaha Hadid's One Thousand Museum in Miami, with 9,500 cubic yards of concrete already poured. Designed in association with the local architect of record, O'Donnell Dannwolf Partners Architects, the residential skyscraper will rise 62 stories, comprising half- and full-floor residences, duplex townhomes, and a single duplex penthouse, overlooking Museum Park and Biscayne Bay at 1000 Biscayne Boulevard.
One Thousand Museum, the Zaha Hadid-designed skyscraper in Downtown Miami, has unveiled new interior renderings, including communal spaces designed by the architect. The 62-story tower, which began construction in December of 2014, will contain only 83 residences, consisting of a two-story duplex penthouse, four townhouses, eight full-floor residences, and 70 half-floor units.
Descripción de los arquitectos. Volúmenes explotados crean la distribución de los espacios y el ambiente de Casa Kalyvas en un terreno de 900 m2. Este manejo volumétrico crea 5 fachadas compuestas por elementos de concreto enduelado, piedra de la región, madera de parota y anillos de vigas de acero que rodean la obra uniendo los volúmenes arquitectónicos.
Casa Kalyvas se integra completamente en su entorno que esta localizado en un único condominio que respeta más de 200 árboles de Parota en la ciudad de Colima, contando con un micro clima y un arroyo, quedando completamente envuelta por esta vegetación, aprovechándola en todos los sentidos.
Kalyvas no termina con los límites físicos de su propiedad, sino más bien en el límite exterior del entorno, la mayoría de veces verde, y en algunas temporadas del año de las inmensas ramas de las Parotas que crean un juego de luces y sombras cambiantes dentro de todos los espacios interiores y exteriores. Convirtiéndose en enormes celosías que dan frescura a la vivienda, además de ser el árbol emblemático de Colima.
La geometría en volúmenes de formas muy rectas que se genera entre los elementos arquitetónicos permite dar diferentes vistas y generando ambientes únicos con ayuda de los diferentes jardines interiores, dejándonos espacios abiertos, iluminados pero a la vez muy privados.
La calidez de la madera, del mismo árbol de Parota, tiene como fin una enorme presencia sobre los materiales más sobrios y fríos como lo son el concreto, el acero y la piedra.
La complejidad del correcto manejo del concreto, además de la unión de las lozas con el anillo perimetral de vigas de acero, la inigualable mano de obra artesanal mexicana para el detallado trabajo del concreto natural y el acomodo de la piedra fueron fundamentales para Casa Kalyvas.
Una obra algo compleja por sus acabados, desde los muros colados en terminación concreto aparente enduelado (realizados de forma artesanal), como el uso de la estructura mixta conectando anillos de acero aparente en lozas a muros. Creando firmes y lozas voladas da a esta obra un mayor interés y cuestionamiento constructivo.
El patio central esta destinado a la alberca y área de convivencia, siendo este el corazón de la vivienda. Creando una terraza rodeada por vegetación y una gran ceiba que atraviesa la misma, escuchando el relajante sonido de la fuente en conjunto de todo su entorno.
La planta alta fue destinada a las habitaciones, dejando la recámara principal muy privada al unirla con un puente de madera que cruza la doble altura. Otorgando a cada habitación su propia terraza para disfrutar del entorno del condominio, su micro colima, ecosistema amaneceres y atardeceres. De esta manera logramos separar el área social que se encuentra en la planta baja.
La terraza de la recámara principal cuenta con una colección de diversos tipos de cactáceas y suculentas contrastando de manera muy sobria sobre los elementos de concreto, acero y piedra.
Los volúmenes por los que está compuesta Casa Kalyvas crean canales de viento y frescura, abusando de ellos por la orientación que se le dio y la ubicación de los vanos que permiten la entrada de estos mismos. El concepto principal es el de vivir en el exterior, teniendo un espacio único sin necesidad de divisiones por muros.
Hasta el 09 de junio está abierta la postulación para la II versión del Concurso de Diseño e Innovación Mi Parque Fahneu, titulada 'En la plaza jugamos todos', el concurso de diseño de juegos infantiles inclusivos para espacios públicos en Chile.
Con la intención de que todos los niños de Chile puedan jugar en las plazas, Fundación Mi Parque y la empresa Fahneu están realizando un concurso para que diseñadores y arquitectos sub-30 que residan en Chile propongan un prototipo equipamiento mobiliario que convoque y potencie la interacción de personas de distintas edades, etapas de desarrollo y con algún tipo de discapacidad.
El concurso “En la Plaza Jugamos Todos” invita a todos los participantes a repensar la discapacidad en nuestras plazas y a brindarles a todos los niños en nuestro país la oportunidad de jugar y desarrollarse sin impedimentos.
La premiación se realizará este año en la Casa de la Cultura Anahuac del Parque Metropolitano en Santiago (Chile), donde se distinguirá al primer, segundo y tercer lugar; se les dará un espacio para presentar sus propuestas; y se les entregará 1 millón de pesos; 400 mil; y 200 mil respectivamente.
Descripción de los arquitectos. El cliente deseaba lanzar la nueva imagen comercial del restaurante con una arquitectura que se adaptara a la misma. Una imagen moderna y fresca fue lo que definió el concepto de diseño en este restaurante. Los colores neutros y sobrios del logo se prestaron para combinarse con colores más atrevidos como el turquesa y el rojo los cuales aportaron un mayor impacto al lugar.
Para brindar un espacio más acogedor, se combinaron estos colores con materiales como madera, lazo, metal y detalles de vegetación. La madera se utilizó en todo el mobiliario en su color natural, con detalles de patrón en el área de la banca corrida y la incorporación de espejos intercalados que le dan más luminosidad al lugar. Este detalle de la banca, así como la utilización del lazo crudo en la parte superior, aportan textura y ayudan a definir mejor los espacios.
El piso con un efecto en “degradé” va desvaneciendo desde el área de la deli hacia el área de mesas, guiando al usuario de un ambiente a otro. El metal se utiliza principalmente en el área de exhibición de productos, logrando un diseño de estanterías muy sobrio y elegante que encaja perfectamente con la imagen comercial y permite que el producto sea el protagonista.
Los detalles de vegetación se pueden apreciar desde el ingreso en el área de la deli, exhibidas en las estanterías. En el área interior de mesas cuelgan a través de los lazos y en el área exterior se integran a las mesas del balcón.
Terminado en 1963, fue uno de los primeros trabajos realizados por el ganador del Premio Pritzker en 1992. Construida sobre las rocas que cuelgan del mar en Leça da Palmeira, la casa de té está muy cerca de otro proyecto emblemático del mismo arquitecto, las Piscinas Leça, ambas clasificadas como Monumentos Nacionales en Portugal.
La Casa de Té Boa Nova fue el resultado de un concurso organizado por la Câmara de Matosinhos en 1958. El arquitecto Fernando Távora ganó el concurso y luego entregó el proyecto a su joven colaborador, Alvaro Siza, quien tenía sólo 25 años en ese momento.
Lejos de la avenida principal, el edificio se puede acceder desde el estacionamiento, que está a unos 300 metros de distancia. A través de un conjunto de losas y escalones integrados en las rocas, el arquitecto construye el camino del visitante revelando y ocultando el paisaje marítimo a través de perspectivas dramáticas cuidadosamente diseñadas. El camino culmina en la entrada de la Casa de té, donde el bajo alero del techo dirige la mirada del visitante hacia el mar.
Dentro del edificio, vale la pena tomar el tiempo para contemplar las aberturas meticulosamente planeadas para enmarcar el paisaje local como grandes cuadros vivos. Esta fuerte relación entre interior y exterior es bastante notable en el diseño, reforzado con grandes paneles de vidrio completamente abiertos, confundiendo los límites entre el edificio y la naturaleza
También podemos ver que, a través de su materialidad, el edificio se mezcla y se eleva entre el paisaje. Mientras que las paredes de hormigón tienen un color muy similar a las rocas, el techo -una losa de hormigón con baldosas rojas romanas- y los volúmenes verticales pintados en blanco se destacan visualmente, pero claramente se conectan a otros edificios portugueses. En el interior, la presencia llamativa de la madera, en los suelos, paredes y techos, da un calor al edificio y muestra la fascinación de Siza con Alvar Aalto, especialmente en los detalles.
El año 2014 el edificio se re inaugura luego de haber estado en ruinas durante varios años debido a la falta de mantenimiento, así como los daños causados por el clima, como fuertes vientos y el aire del océano. La renovación fue realizada por el creador del edificio, mientras que el exterior, los marcos y los detalles de la construcción fueron restaurados. Además, se agregaron los muebles de los dibujos originales y las especificaciones. Actualmente el edificio es un restaurante.
The Boa Nova Tea House, one of Siza's earliest commissions, was awarded to him in 1956. His collaborator, Fernando Tavora, had won the competition for the project and passed it onto Alvaro Siza. Its location close to Siza's home town had its significance, especially due to the architect's intimate familiarity with the landscape.
18 Since its completion in 1966 the Leça Swimming Pool complex, by Portuguese architect Alvaro Siza, has been an internationally recognized building. Still almost half a century later, it has gracefully retained its architectural integrity and remained a popular retreat.
Descripción de los arquitectos. La nueva Arena de Ciclismo y Atletismo está ubicada en una zona diversamente construida en Odense, la tercera ciudad más grande de Dinamarca. El edificio está hundido en la topografía del sitio, manteniendo su impacto visual en el entorno inmediato al mínimo. En este contexto, el nuevo velódromo de 7.200 metros cuadrados afirma su presencia con una forma geométrica clara.
Un deseo inicial de crear una instalación pública para la mayoría, así como la élite, llevó a la creación de pistas de carreras accesibles diseñadas a altos estándares internacionales.
El estadio interpreta la configuración de los anfiteatros romanos, construidos como lugares ovalados al aire libre y utilizados para grandes eventos públicos. Una membrana ligera encabeza el diseño inclusivo abarcando toda su longitud y ancho. Inspirado por la idea del simple refugio como un lugar para reunirse mientras se está protegido del exterior, el techo semitransparente de plumas crea un espacio abierto informal, desdibujando los límites entre el interior y el exterior.
La estructura se hizo posible basando su geometría en la sección de un toro, una superficie tridimensional giratoria en forma de rosquilla. Las vigas de acero situadas a una distancia de hasta 15 metros del largo de esta curvatura permiten un marco uniforme, simplificando así el proceso de construcción. Una pista de 250 mts. de largo de madera se extiende a lo largo del perímetro del edificio, abarcando las pistas de carreras y otros servicios.
La membrana del techo ofrece una solución estética pero asequible. Los sistemas de calefacción radiante instalados directamente encima de la pista ovalada aseguran una distribución uniforme del calor así como un uso eficiente de la energía.
Descripción por los arquitectos. El diseño del centro de ventas Tianjin Luneng considera una actitud tranquila y abierta para crear un espacio expositivo innovador.
Hemos intentado debilitar la forma espacial de la academia, mediante el espacio central del proyecto que consiste en un patio al aire libre.
Situado en el Parque educacional Tianjin Haihe, con la Universidad de Nankai y el Colegio Marítimo al norte, el centro de ventas posee recursos educativos y se destaca por ser patrimonio cultural. El arquitecto combina agudamente la cultura de Tianjin con la atmósfera humanística única y con el concepto de diseño de "New Tianjin College Style", tratando de crear un espacio arquitectónico cultural y un alto valor de la marca. S
iguiendo el estilo arquitectónico neo-chino, simple y elegante, creamos un ambiente sencillo a través de la transformación de la luz y un techo de metal con profundos aleros, varias fachadas y un pasillo que otorga iluminación.
El dibujo chino tradicional dispuesto en la academia, forma un concepto espacial pequeño para la comunidad, rodeado con patios de diversas escalas de bloques rectangulares. El diseño de la primaria y la secundaria es claro; el principal centro de ventas en el este declara un enfoque visual.
El edificio, oculto en el paisaje experimenta el cambio a cada paso, sin punto de fuga. El diseño arquitectónico crea un ambiente tranquilo.
Además, la construcción se ha mezclado aún más con la esencia de la arquitectura tradicional, como la puerta, la pantalla, el pabellón, el gran alero, el pasillo, las paredes, etc.
Los corredores entrelazan este pequeño complejo arquitectónico, jugando un papel de intimidad en la circulación de todo el centro de ventas.
Tratamos de crear un efecto de fachada chino ligeramente cambiante y moderno a través de una forma arquitectónica concisa, un techo de gran alcance, efecto de fachada click and mortar, materiales modernos y artesanías.
Los techos de metal con enormes aleros sobresalientes y ladrillos metálicos, se utilizan como dos partes importantes de la fachada. El techo metálico con estructura de acero, que proporciona la distancia de aleros sobresaliente y garantiza la ligereza del techo, ha dotado el estilo tradicional.
Las fachadas exteriores del edificio principal oriental -inspirándose en la pintura de paisajes chinos- constituyen una fachada con estilo paisajístico chino a través de cambios de ladrillos con diferentes módulos. Varias fachadas muestran espléndidos tonos de cambio bajo la luz.
El edificio forma un enfoque visual utilizando aluminio gris cálido y pintura de imitación de color amarillo pálido como materiales principales, y aluminio de imitación como adorno. La combinación de diferentes materiales, fortalecen la naturaleza del espacio de acuerdo con el introvertido y modesto temperamento de la "academia".
La pared horizontal se combina con varios módulos diferentes. El material cóncavo-convexo se utiliza para reforzar la luz y la sombra de la superficie del edificio que hacen la fachada más viva. Por la noche, el pasillo agrega una visión diferente al edificio usando el material translúcido adornado con la hebilla de metal en la superficie del techo.
El espacio interior ha sido consistente con el estilo de la academia. El espacio principal, situado al centro, se compone de escaleras multifuncionales y estanterías, formando un espacio interactivo vinculando dos capas. Mientras tanto, la cara de la etapa al mejor paisaje, conectando la vista de los visitantes de interior al aire libre.
Descripción de los arquitectos. La oficina Adam Knibb Architects fueron contactados para armar una extensión contemporánea para un granero patrimonial de Grado II en Alresford, Hampshire. La Hurdle House tiene una larga historia dentro del pueblo, habiendo sido parte de las ferias de ovejas originales en 1792. Los clientes habían buscado un arquitecto que podría proporcionar una adición contemporánea a la casa, pero aún mantener el respeto por el granero original.
Esta Hurdle House es una supervivencia única de la industria de las ovejas en el condado de Hampshire - una joya de Arqueología Industrial. La Hurdle House de 1835 continuó en uso hasta 1864 cuando una nueva Hurdle House y Campo de Ferias se volvieron necesarios debido a la construcción del ferrocarril de Alton a Winchester.
Hurdle House es un gran granja independiente situada a las afueras del centro de la ciudad de Alresford. La casa, que ocupa la esquina suroeste del sitio, se enfrenta en un eje norte / sur con un jardín delantero / camino de entrada y un extenso jardín trasero con amplias vistas al norte. La casa recibe luz natural durante todo el día y se rodea sólo por los árboles y campos circundantes.
Adam Knibb Architects diseñó el esquema con el objetivo de poner las obras en la naturaleza circundante, proporcionar luz natural, aprovechar las fantásticas vistas y proporcionar un corazón social a la casa y para la familia. Trabajando con el departamento de conservación de Winchester, se acordó que la ventana de la bahía trasera se podría quitar y proporcionar el elemento de enlace a la extensión. Se previó un enlace de vidrio sin marco para tocar ligeramente el edificio existente y conectar lo viejo con lo nuevo.
La extensión se compone de una gran cocina de planta abierta, comedor, asientos informales, y WC y estudio adjunto. Un objetivo principal del proyecto era aumentar la emoción al entrar en la propiedad. El caracter principal del diseño es vincular el movimiento de las áreas públicas a las áreas privadas en forma de elementos diseñados que usan barreras visuales en lugar de bloqueos físicos. La nueva entrada principal conduce directamente a la propuesta, mostrando vistas directamente al jardín. Con grandes aberturas de vidrio, el entorno natural de la propiedad borra los límites en la extensión propuesta.
El revestimiento de madera vertical se ha utilizado para imitar los árboles circundantes y proporcionar un contraste contemporáneo con el edificio existente, esto demuestra claramente que esta obra es "arquitectura de este tiempo".
Como parte de la propuesta de diseño y el encargo, el cliente estaba interesado en minimizar el impacto a la vida familiar con un período de construcción prolongado. Para esto, propusimos el uso de un marco de madera prefabricado fuera de sitio. Nos acercamos a KLH como proveedores de una estructura laminada cruzada (CLT). Tras la coordinación del diseño detallado, los paneles se cortaron con CNC en Austria y se suministraron al sitio en forma de paquete plano. Esto permitió 5 días en el sitio para traer la estructura con una grúa lista para su instalación. Dada la precisión de las máquinas CNC el paquete de acristalamiento podría ser pedidas con anticipación desde los dibujos de computadora para permitir que estos se ajusten la semana siguiente.
Descripción del producto. La madera laminada cruzada formó la base de la estructura para el proyecto. No sólo para hacer más veloz la construcción en el sitio, sino que también se convirtió en rentable y vinculada directamente con la estrategia de concepto de la madera para "imitar los bosques de los alrededores". Permitió que el concepto se ejecutara a través del proyecto. Los paneles planos embalados fueron entregados desde Austria y erigidos en cuestión de días para dar una cáscara súper rápida al proyecto. Con el corte CNC de precisión, las ventanas se pudieron pedir fuera del sitio para ayudar también a reducir el tiempo en el sitio.
'He aquí mi secreto, que no puede ser más simple: sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos'. Antoine de Saint-Exupéry nos recibe en la exposición 'Da Árbore á Cadeira', una exposición del Museo Centro Gaiás (Ciudad de la Cultura de Galicia), que desde el día 7 de Abril nos muestra una selección de sillas de arquitectos gallegos o afincados en Galicia. La muestra parte del tronco, el elemento primigenio del que nacen las sillas, y continúa su recorrido a través de una pequeña selección de arte gallego relacionado con el paisaje gallego. La muestra es imprescindible para todo aquel que tenga la suerte de visitar Santiago de Compostela antes del 5 de Noviembre, fecha en la que finalizará la exposición.
¿Qué tienen las sillas para atraer tanto a los arquitectos? Como elemento arquitectónico su incorporación a un espacio le da vida y ambiente, como elemento plástico otorga carácter y personalidad. Pensemos en los grandes maestros de la arquitectura: todos tienen una silla en su portfolio de obras. Mies Van der Rohe, Le Corbusier, Wright, Marcel Breuer,Charles & Ray Eames, Rietveld, Alvar Aalto, Jacobsen, Saarinen... La lista es inacabable, y la calidad y trascendencia de cada una de ellas es incustionable. En cierto modo podríamos decir que parte de la historia de la arquitectura se puede explicar a partir de las sillas de los arquitectos. ¿No son acaso un manifiesto radical y brutal de los conceptos teóricos que cada arquitecto desarrolla?
Además de la silla como manifiesto arquitectónico, vamos a meter en la ecuación las particularidades de Galicia y del bosque gallego. Si tenemos que definir Galicia para alguien que no la conozca nos bastaría con una palabra: verde. Galicia es un territorio muy verde, con una gran cantidad de bosques y una población que en gran medida vive de esos bosques. Los que tenemos la suerte de vivir aquí no lo valoramos, pero con sólo girar la cabeza podemos ver un bosque o el mar. Parece claro que sólo podía haber una conclusión lógica: los arquitectos de Galicia tenían que hacer sillas... Y vaya sillas.
Con esto en mente Carlos Seoane, arquitecto, profesor de Construcción en la ETSA de A Coruña, antigüo colaborador de arquitectos como David Chipperfield, Rafael Viñoly o Álvaro Siza, decide sacar a la luz estas sillas y darles el protagonismo que se merecen.
Con la colaboración de María Montenegro, Raquel Ferreiro y Marta Fernández, Carlos Seoane inició una labor de investigación y puesta en valor de sillas clásicas como las de Xosé Bar Boo o Alejandro de la Sota, encontrando rápidamente grandes ejemplos de arquitectos con una trayectoria considerable a sus espaldas, y arquitectos jóvenes con ideas casi revolucionarias. El resultado es una exposición muy completa y trabajada, con muchísima documentación asociada a ella, con un gran trabajo de puesta en valor del diseño, pero también de la fabricación. Tan importante es el arquitecto como el carpintero que hace la silla, tan importante es la silla del maestro como la del discípulo.
De las más de 40 sillas y objetos que podremos encontrar en la exposición, hemos querido seleccionar cuatro por lo curioso de sus formas, lo llamativo de sus procesos constructivos, o lo representativo de una época o forma de pensar de las mismas. Porque al pensar en Galicia pensamos en tradición, y eso no siempre se cumple. En las siguientes imágenes veremos cinco sillas muy distintas, todas ellas comentadas por sus autores, que representan cinco formas de pensar y de enfrentarse a la arquitectura. Para las otras 35 es imprescindible acercarse a la Ciudad de la Cultura y perderse en la muestra. No lo dudéis.
La silla dibujada en el plano del tablero de madera se recorta con los entrantes precisos para dar paso al volumen. Se concibió por su economía, y de caras blancas que marca su silueta contra los cantos.
M es un mueble de apoyo para el salón. Tiene la capacidad de desplegarse dos veces, ampliando la superficie de apoyo. Ha sido diseñado específicamente para estar al lado de un sofá. Es una superficie auxiliar si está recogido, pero si se despliega se convierte en un asiento largo, que puede complementar el sofá.
Pretendíamos un elemento versátil que acompañase en el tiempo y se adaptase a las actividades de los niños. Un objeto manejable y ligero al tiempo que robusto y seguro, que ellos pudiesen trasladar, girar o invertir en sus juegos diarios sin riesgo de vuelco. Un objeto de asiento en varias alturas, un lugar de apoyo, un peldaño, un soporte, un espacio para esconder, un vacío que llenar, oportunidades y aventuras de juego que ofrecer...
Minia nace con la intención de proponer una pieza de asiento utilizando procesos productivos de baja tecnología que nos permitan su fabricación en pequeñas carpinterías. La estructura se construye a partir de pieza de madera de espesor constante que se van orientando en la dirección de los esfuerzos. Esta forma de concebir la estructura nos permite reducir el material utilizado contribuyendo a una reducción del peso en su conjunto.
Margarita es un híbrido entre el galán de noche y el banco-maletero, una pieza de mobiliario típica de las habitaciones de hotel. El diseño se plantea como una simple estructura de barras resuelta mediante gestos mínimos: las barras se especializan en función de su posición y uso y las uniones protegen las cabezas de las barras cosiendo las piezas mediante pasadores vistos, única decoración de la pieza.
Realizada en celebración por los 30 años del reconocimiento de Brasilia como Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO, la muestra reúne documentos y fotografías que marcaron los hitos de la formación del país, desde el Brasil colonial en el siglo XVI hasta su independencia y traslado de la capital en 1950.
Entre los documentos restaurados para la exhibición, está la memoria descriptiva del Plan Piloto, planimetría de la ciudad desarrollada por Lucio Costa y de la Capilla del Palacio da Alvorada (Oscar Niemeyer), además del primer mapa del Distrito Federal, que data de 1894, y el documento que dictaminó la Ley Áurea, que abolió la esclavitud en 1888.
Dividida en tres ejes temáticos, la exposición establece una narrativa lineal de la historia del gigante sudamericano. En el eje "Formación de la Nación", vemos cartas sobre expediciones científicas y misiones religiosas: "En busca de la libertad" presenta documentos de movimientos separatistas, abolicionistas y republicanos; mientras en "Brasil moderno" están los registros de invenciones industriales, planos de urbanización e industrialización del presidente Juscelino Kubitschek, además de los archivos de construcción de Brasilia.
La exposición cuenta con el apoyo del Archivo Nacional de Río de Janeiro, la Biblioteca del Palacio de Planalto y del Archivo Público del Distrito Federal, quienes cedieron los documentos e ítemes exhibidos.
Project.DWG y LOOS.FM han presentado su pabellón PET, una estructura temporal en un parque comunitario en los Países Bajos que se enfoca en los temas de construcción sustentable, reciclaje y desperdicio, repensando las formas en las que los edificios se piensan, se construyen y se utilizan. Específicamente, el pabellón es un estudio del uso de desechos plásticos como material de construcción.
Utilizando el marco elevado del Farnsworth House de Ludwig Mies van der Rohe, la estructura consiste en dos losas monumentales y una estructura de acero. "Desde el suelo hasta el techo, las hojas corrugadas transparentes de doble pared sostienen más de 40.000 botellas de plástico", con tapones de botellas unidos a los cuellos de botella que soportan el sistema.
En lugar de ser una solución "sustentable", el pabellón PET se centra en explorar nuevas posibilidades constructivas y ser una herramienta educativa. Por ejemplo, la abrumadora cantidad de botellas utilizadas en el proyecto tiene como objetivo resaltar el excesivo consumo de productos que producen desechos, con la esperanza de que los visitantes se cuestionen dónde van sus residuos o cómo podrían ser reutilizados.
Además, el pabellón "demuestra que un edificio temporal puede servir plenamente a su propósito, antes de ser reutilizado o reciclado, sin perder valor material", a diferencia de muchas estructuras permanentes que utilizan materiales como el hormigón.
Los paneles de cristal recuperados forman un jardín de invierno en el lado soleado del pabellón, donde siete grandes puertas pivotantes abren toda la esquina del edificio al parque circundante.
Durante el día, la masa translúcida de formas arrugadas ilumina el interior. Por la noche, las enormes "cortinas" se convierten en una linterna abstracta en el paisaje. (Descrito por los arquitectos)
Exposiciones de arte y eventos interactivos ocupan el interior del pabellón, con la intención de hacer el arte accesible sin una visita a un museo. Por otra parte, el espacio se utiliza como lugar de reunión para la comunidad, la celebración de foros para el consejo de barrio, y se ha convertido en un "impacto monumental" en el ámbito social local.
La creación y gestión del pabellón PET ha contribuido a lo que el equipo entiende como "más que la arquitectura" y la comprensión de que "la arquitectura comienza donde termina la construcción".
Diseño:Project.DWG & LOOS.FM Equipo de diseño: Michiel de Wit, Filip Jonker, Martijn Giebels Gestión del Pabellón PET después de su construcción: LOOS.FM Ubicación: Enschede, Países Bajos Área: 227 m2 Año del proyecto: 2014
Descripción de los arquitectos. El proyecto está inspirado en las técnicas de láser de regeneración de la piel y eliminación de tatuajes que se realizan en la clínica. Al eliminar una impureza lo que se hace es redibujarlo con el láser, creando una especie de tatuaje de luz. Esta idea de tatuaje de luz es la que protagoniza el concepto de este proyecto, mediante arterias de luz que se trazan a través de suelo, paredes y techo, representando esa idea de regeneración, y a la vez iluminando todas las estancias y creando una imagen singular e identificativa del negocio. Toda la tabiquería se completa con vidrio a partir de media altura para poder tener una imagen completa del trazado de las líneas de luz desde cualquier punto de la clínica. El lienzo sobre el que se dibuja el tatuaje de luz en techo y paredes es de madera de roble blanqueada, aportando calidez, elegancia y sobriedad al espacio. Y el suelo es un paño sin juntas de microcemento blanco, que recorre todas las estancias sin interrupciones. Las líneas de luz que llegan al hall de entrada escalan y atraviesan el mostrador y las mesas de recepción, integrando los elementos de mobiliario con la arquitectura, y unificando el concepto. Las paredes perimetrales son de estuco blanco, dando una continuidad natural al suelo de microcemento. El interior de las consultas está forrado con un revestimiento textil más oscuro bañado por apliques de pared, aportando un grado extra de intimidad en las zonas más privadas.
Descripción de los arquitectos. Solo House es una residencia rural en un gran bosque virgen, en la región montañosa de Matarraña, ubicada dos horas al sur de Barcelona. La casa enmarca la cima de una meseta, con vistas a los bosques circundantes y al conmovedor paisaje. Dado que el paisaje es tan impresionante, sentimos que la arquitectura debe ser invisible, simplemente haciendo hincapié en las cualidades naturales de los alrededores. Un techo circular simple con un diámetro de 45 metros subraya las cualidades tanto de la meseta como de su borde.
El techo funciona como un refugio, y forma el perímetro de la superficie habitada. Se apoya en cuatro filas rectas de ocho columnas, que cortan los acordes de la forma circular de la base. Sólo estas cuatro áreas están habitadas, con niveles variables de protección. Grandes tramos de fachada cortina se deslizan en el borde exterior del círculo, permitiendo que las áreas de vida se abran completamente, y proporcionando una relación máxima entre el habitante y la naturaleza circundante.
Dado que el terreno no está conectado a ningún servicio, la casa será totalmente auto-dependiente. Los paneles fotovoltaicos suministrarán energía térmica y eléctrica, que será almacenada en tanques de amortiguación. El agua se reclama en el sitio mismo, y se purifica después del uso. Cada uno de los dispositivos se coloca como objetos abstractos en el techo.
El Ayuntamiento de Barcelona destinará entre 45 y 50 millones de euros para la generación de 44 hectáreas de infraestructura verde de aquí a 2019, según anunció en conferencia de prensa la teniente de alcalde de Ecología, Urbanismo y Movilidad, Janet Sanz.
El anuncio se hizo en la presentación del Programa de Impulso a la Infraestructura Verde Urbana, un proyecto apoyado en tres ejes para aumentar 165 hectáreas de espacios verdes naturales al año 2030, aumentando en 1 metro cuadrado de área verde por persona. “Es importante distribuir el verde en el territorio y aproximarlo a toda la ciudadanía”, ha dicho en la ceremonia el comisionado de Ecología, Frederic Ximeno.
Considerando que la trama urbana de Barcelona es densa y consolidada, la construcción de nuevos parques urbanos es poco factible para alcanzar la meta. En ese sentido, el programa reconoce como infraestructura verde al "conjunto de espacios verdes naturales, árboles, huertos -públicos y privados- con vegetación natural, agrícola o ajardinada que ofrece beneficios a la ciudadanía".
La creación de infraestructura verde se centra en los siguientes pilares: incremento al servicio de la salud (nuevos parques, cubiertas verdes, interior de manzanas, etc); mejora para obtener más servicios socio-ambientales (muros verdes, hoteles para insectos, vallas vegetales, etc); y co-responsabilidad por parte de la ciudadanía (huertos y patios comunitarios, mantención de alcorques, apertura de jardines privados, etc).
En esa línea, las autoridades comunicaron que a fines de junio se abrirá un concurso de cubiertas verdes en dos etapas: en la primera se seleccionarán 50 propuestas que contarán con 1.500 € para la elaboración de trabajos técnicos previos. En la etapa final, diez proyectos finalistas recibirán una subvención de hasta el 75% para su ejecución, con un máximo de 100.000 € por proyecto. "Prioritariamente en edificios de viviendas o en otros con un fuerte impacto paisajístico", explicó el concejal de Arquitectura, Paisaje y Patrimonio, Daniel Mòdol.
El Programa de Impulso a la Infraestructura Verde Urbana es la materialización del Plan del Verde y de la Biodiversidad de Barcelona 2020, lanzado en 2012, con la intención de "lograr una infraestructura verde que ofrezca los máximos servicios ecosistémicos en una ciudad donde la naturaleza y lo urbano interactúen y se potencien". El plan proponía, entre otras cosas, crear proyectos de ámbito fronterizo y metropolitano para la conexión del verde y la conservación de la biodiversidad; desarrollar el proyecto Red de Corredores Verdes con énfasis en los espacios fluviales de los ríos Llobregat y Besós e impulsar la agricultura ecológica en espacios urbanos y periurbanos.
Descarga el Plan del Verde y de la Biodiversidad de Barcelona 2020 haciendo click en la siguiente imagen.
En 1990 China tenía una población de 1.100 millones de personas y solo tres de sus ciudades contaban con una red de Metro (Beijing, Hong Kong y Tianjín). 27 años más tarde, y una población de 1.370 millones, el número de redes aumentó diez veces. Y esto no se detiene.
El crecimiento [de la red de Metro] fue modesto por muchos años, pero se ha acelerado exponencialmente y ahora empequeñece el progreso del resto del mundo. En solo 30 años, entre 1990 y 2000, el número de ciudades con un sistema de Metro crecerá de tres a más de cuarenta, y más ciudades quedan por sumarse
Dovak también ha creado ilustraciones que muestran la evolución del sistema de Metro de Beijing y Shanghai, las redes más grandes en kilómetros totales y volumen de pasajeros.
© Sarai Ávila
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Planta
Axonométrica
Axonométrica
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