Con la ceremonia formal de inaguración la semana pasada, Frank Gehry estrenó su primer obra construida en Australia, el edificio Dr. Chau Chak Wing de la University of Technology en Sydney (UTS). Por ser el primero en el país, el edificio le ofrece una oportunidad a toda una nueva esquina del globo de ponderar el  estilo polarizante del arquitecto más odiado y amado del mundo. 

La ráfaga mediática resultante tras el estreno de la obra nos ha dejado diversas opiniones, tanto negativas como positivas. Luego del salto, una selección de las más entretenidas.

4. "Parece una bolsa de papel" - Todos

Mejor que empecemos con este. Si, parece una bolsa de papel. En un análisis del edificio publicado en el Sydney Morning Herald por Elizabeth Farrelly, la crítica de arquitectura asegura que "Cuando comparé al UTS Business School con una bolsa de papel golpeada por un karateka, no tenía idea de que se convertiría en un meme".

Aunque puede haber ayudado a popularizarlo, Farrelly no fue la creadora del meme. En internet, apareció por primera vez el 17 de diciembre del 2010, justo un día después que su diseño fuese revelado, tanto en un comentario publicado en los foros de Skyscraper City como en el título de un video posteado en el diario de Farrely, el Sydney Morning Herald, aunque el video ya fue sacado de circulación.

Independientemente de su origen, pareciera que el apodo de "Bolsa de papel" ha llegado para quedarse. El mismo Gehry dice que "Quizás es una bolsa de papel, pero es flexible en su interior. Tiene mucho espacio para el movimiento y los cambios que creo son esenciales en el mundo de hoy". En la ceremonia de inaguración, el gobernador general Sir Peter Cosgrove, declaró que era "la bolsa de papel arrugada más bella que jamás había visto"

Pero para Farrely, esta similitud con la bolsa de papel es una cosa negativa: "esta semana, un amigo la diseñó como una bolsa de mareos golpeada por un karateka, lo cual es entretenido, pero triste". Pareciera que, más allá del hecho de parecer, definitivamente, una bolsa de papel, nadie puede concordar con que si esto es bueno o malo.Tal vez ArchDaily pueda sugerir, humildemente, que afirmar que un edificio parece algo que no es un edificio no es una forma particularmente útil de hacer crítica.

3. "Una obra maestra que competirá con la Sydney Opera House en singularidad" - un escritor anónimo en la Australian Associated Press

Si es que alguna vez hay que hacer una advertencia respecto de los peligros del anonimato en internet, puede que sea esta. 

Apareciendo en The Guardian y en varios otros sitios más, la frase completa del autor desconocido dice: "El edificio Dr Chau Chak Wing, que albergará una nueva escuela de negocios en el céntrico  campus, está siendo calificada como una obra maestra que rivalizará con la Sydney Opera House en singularidad"

Esto podría estar haciendo alusión a este artículo publicado en el Epoch Times, en donde Ross Milbourne dice "Tenemos el Opera House, y es difícil decir que es posible competir con él, pero por lo que he visto tenemos un ícono igualmente espectacular a este lado de Sydney". Aún así, probablemente deberíamos señalar que Milbourne es el Vice Canciller de la UTS, que el artículo fue escrito en el año 2010, es decir, antes que el diseño estuviese completo, y que Frank Gehry rápidamente salió al paso de estas declaraciones diciendo "No queremos competir con el Opera House"

Desde que el edificio fue terminado, nadie lo ha calificado como "una obra maestra que compite en singularidad con el Sydney Opera House". O al menos, no en público.

Lección: no creas todo lo que lees en internet.

2. Tiene "un rostro, posiblemente también una axila, y pareciera que podría darte un agradable y cálido abrazo si se lo permites" - Jackson Stiles, The New Daily

Esta frase de Stiles, creativamente inspirada en la impresión de Gehry respecto de la mayoría de los edificios modernos ("no tienen rostro, son fríos y poco amigables") no cobra demasiado sentido al ser puesta en contexto. Pero al menos se abstiene de llamar "bolsa de papel" al edificio: En cambio, aparentemente, sería  una "bolsa de piel".

1. "Frank Gehry es la Kim Kardashian de la arquitectura contemporánea: Muchas curvas, pero nada de contenido" - Elizabeth Farrelly, Sydney Morning Herald

Y así volvemos a Farrelly, quien, siempre situada en la vanguardia de la crítica arquitectónica, ha descartado la etiqueta de bolsa de papel en favor de una comparación más sustancial. "La pompa, el mercado, el amor infantil de una textura curvilínea y cómoda: Todos quieren complacer al público, al voluptuoso modo de Kardashian", escribe. "De hecho, el magnífico trasero, pulido para "romper internet", representa la ortodoxia reinante de nuestros tiempos".

"Pero si como yo sospechas que hay más en la vida que las desenfrenadas fuerzas del mercado, más que la literatura de Fifty Shades, más que la arquitectura de extravagantes curvas que tu software puede escupir, más que la belleza que dos aceitosos y opulentos globos, ciertamente este es el "más" que nuestras instituciones de educación superior deberían perseguir".

Con aquella comparación firmemente establecida, ella pregunta: "Si eso es un trasero, es un buen trasero?"

Alerta de spoil: Según ella no, no lo es.

Bonus: " El edificio es un mapa de la jerarquía presupuestaria de Gehry, experimentación programática y proezas estructurales avanzadas, priorizando las características antes que los acabados" - Nicola Balch, ArchitectureAU

Puede no ser particularmente divertido, pero para aquellos que prefieren evaluaciones más balanceadas a aquellas que buscan sumar puntos, como las de Farrely y otros, la evaluación general del proyecto hecha por Balch para ArchitectureAU sirve. Confesando que "se aproximó con esceptisismo, y llegó esperando que le disgustase", terminó por encontrar cosas buenas y malas.

Principalmente, entre las cosas malas se encuentra la fachada de ladrillos, que supuestamente fue diseñada para "ayudar a formar una relación urbana con otras estructuras grandes de ladrillo que salpican el paisaje del suburbio", explica. "Aún así con el vecindario desarrollándose rápidamente, esto puede terminar siendo más un reconocimiento hacia la condiciones materiales del pasado que una manera estética de integración urbana. El edificio es un mapa de la jerarquía presupuestaria de Gehry, experimentación programática y proezas estructurales avanzadas, priorizando las características antes que los acabados."

Pero el diseño también cuenta con cosas buenas: "Mientras la analogía de la casa en el árbol que Gehry originalmente propuso al UTS ahora parece un poco vaga, la idea de la arquitectura hecha en pos de la facilitación del roce social nace en el edificio. En planta, el programa forma un radio amplio de formas apiladas, permitiendo el movimiento fluido entre y alrededor de las habitaciones, las cuales están envueltas externamente en la infame bolsa de papel hecha de ladrillos. Los espacios intersticiales resultantes, bordes y vacíos derivan en una red fracturada de espacios sociales y colaborativos".

"Toda obra arquitectónica procede de un programa que la condiciona y que debe ser minuciosamente analizado y correctamente interpretado para poder abordar con éxito la solución”.
                           - Enrique del Moral 

Enrique del Moral cumpliría hoy 110 años de vida, con una trayectoria de mas de 100 obras construidas públicas y privadas, el renombrado arquitecto mexicano llegó a ser uno de los mayores exponentes de la arquitectura moderna del país y del movimiento funcionalista. Nacido en Irapuato, Guanajuato cursó sus estudios de arquitectura en la Escuela Nacional de Arquitectura ubicada en la ex Academia de San Carlos donde se formó bajo la tutela de José Villagrán García.

Siendo estudiante formó parte activa del movimiento funcionalista y también mostró gran interés por el dibujo. Bajo la tutela de Carlos Obregón Santacilia participó en proyectos como los edificios del Banco de México (1925) y la Secretaría de Salubridad (1928). Luego de egresar comenzó a impartir clases de dibujo en la misma universidad y se asoció con el arquitecto Gutiérrez Camarena para comenzar su propia producción arquitectónica. 

Su labor académica fue reconocida cuando en 1946 fue nombrado director de la Escuela Nacional de Arquitectura, donde trabajó intensamente para elevar la calidad de la enseñanza. Viajando a Estados Unidos donde estrechó grandes lazos con Walter Gropius y Mies Van der Rohe. 

Con este cargo estuvo a la cabeza de la mayor obra de arquitectura moderna mexicana: La Ciudad Universitaria (1947-1954), donde tuvo que coordinar a más de 70 arquitectos para los distintos edificios y encargarse, junto con Mario Pani, de la Torre de Rectoría. Este edificio expresa los ideales arquitectónicos de del Moral que eran la expresión nacional a través de la arquitectura, dándole gran importancia a las artes plásticas en murales y el diseño de la fachada busca lograr una arquitectura mexicana autóctona. 

• Arquitectos: Ateliers O-S architectes
  
• Ubicación: Isla de Francia, Francia
  
• Arquitecto A Cargo: Vincent Baur, Guillaume Colboc, Gaël Le Nouëne
  
• Equipo De Diseño: Vincent Baur, Guillaume Colboc, Gaël Le Nouëne, Aurelie Louesdon (phase étude )
  
• Área: 4300.0 m2
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Vincent Baur
  

• Consultor: BETOM (BET TCE)
  
• Constructora: CANARD (Clot couvert),
  
• Electricidad: MISSENARD QUINT ( CVC Plomberie), COLAS (VRD).
  
• Cliente: Région ile-de-france
  
• Presupuesto: 5 171 500 € HT
  

Descripción de los arquitectos. La operación de reestructuración de la escuela, una de las más grandes de la región Ile-de-France (Isla de Francia), está programada en varias fases de intervención en un sitio ocupado. Se llevarán a cabo obras de renovación del sistema de calefacción ya obsoleto y se implementará una sustitución de la carpintería. También se creará una nueva pista de maniobra de entrenamiento para el peso pesado, un nuevo aparcamiento, nuevos talleres y aulas de extensión de conducción. Nuestro proyecto tiene como objetivo mejorar la calidad de vida cotidiana de los usuarios y mejorar el patrimonio de la escuela. El lenguaje arquitectónico de la extensión es similar al de los edificios técnicos existentes.

El pabellón que alberga los salones de clase fue inspirado en la imagen de una gasolinera o una estación de peaje de la autopista. Está cubierta por un toldo que permite a los estudiantes a tomar refugio cuando el tiempo empeora y permite la transición entre el área de maniobras y la sala de clases. Las grandes dimensiones de este volumen hacen que sea un edificio emblemático, dimensiones necesarias con el fin de dar una cierta escala al edificio, permitiéndole competir con los camiones pesados que viajan diariamente frente a él.

La ampliación del edificio que aloja la maquinaria agrícola se ha diseñado como una nueva fachada que realza el edificio existente, un filtro, que le da un sentido de unidad. Esta es una fachada revestida de aluminio perforado, es a la vez la parte frontal de extensión y una reja para los espacios al aire libre.

• Arquitectos: Bogdan & Van Broeck Architects
  
• Ubicación: Borreweg 2, 9400 Ninove, Bélgica
  
• Área: 6133.0 m2
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Frederik Vercruysse
  

• Ingeniero Estructural: STABO
  
• Ingeniero Técnico: STABO
  
• Contratista: Groep Van Roey
  
• Presupuesto: 6.500.000,00 euro excl. impuesto y honorarios
  
• Año De Proyecto: Concurso de diseño 2010 - Construcción 2014
  
• Awards: Nomination for the European Union Prize for Contemporary Architecture – Mies van der Rohe Award 2015 Special mention in the category Collective Housing, ArchiZinc Trophy 2014
  

Descripción de los arquitectos. La arquitectura existente, heterogénea en estilo y tipologías, ha interrumpido parcialmente la identidad histórica de la aldea. El perímetro incompleto y la falta de estructura en el interior del bloque urbano participan de la apariencia pobre del sitio. En comparación con el resto de Flandes, el tejido urbano actual de Hoeilaart muestra una baja densidad.

Por tanto, el objetivo del proyecto es densificar el bloque construido, respetando la identidad original de la aldea. A través de esta densificación, el espacio fragmentado existente se convertirá en en un todo cualitativo y coherente. Cerrar y redefinir el perímetro del bloque ayudará a reforzar esta área central del pueblo.

Una amplia variedad de tipologías ofrece una gama cualitativa de viviendas. El espacio exterior está diseñado como una extensión de la red de ciclistas y peatones, mientras que el área verde interior está diseñada como un jardín de agua que se refiere a una corriente histórica.

La volumetría del proyecto se relaciona de una manera contemporánea a ambas cualidades urbanas históricas y locales. Los volúmenes, articulados con techos a dos aguas, se refieren a los invernaderos históricos de Hoeilaart, la plaza de la ciudad flamenca así como el arquetipo de vivienda. El impacto de la densificación es limitado: los volúmenes se mantienen bajos y compactos, y no perturban las vistas de los residentes locales.

En la edición número 22 de la revista argentina PLOT, y a modo de cierre anual, se concluyen las líneas de contenido desarrolladas durante el transcurso del año 2014, en donde el foco estuvo puesto sobre distintas temáticas proyectadas en el tiempo a modo de investigación editorial: El redescubrimiento de países que están produciendo una arquitectura relevante, la profundización en el trabajo llevado a cabo por oficinas latinoamericanas, las obras de estudios consagrados, la crítica y teoría contemporáneas, y el descubrimiento de prácticas experimentales y no tradicionales.

En la sección “Revista” del presente número se hace un revisión a la IX Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo realizada en Rosario, situando el énfasis en la instalación diseñada por Pablo Oriol y Fernando Rodríguez para albergar el evento, al que asistieron más de dos mil personas y en donde fue reconocida la trayectoria del arquitecto venezolano Fruto Vivas con el Premio Iberoamericano. Además, el Serpentine Pavillion de Smiljan Radic, el gimnasio Megatlon del estudio Gagliardi Spagnolo, y la trascripción del debate organizado por PLOT y Hunter Douglas, llamado “Arquitectura (re) activa”, en la que se conversa en torno a los conceptos de límite, programa y tecnología.

Lee la reseña completa después del salto.

La sección de “Práctica” comienza con una entrevista al multifacético arquitecto Wiel Arets, en la cual explica su proyecto académico, algunos detalles detrás de sus obras, sus reflexiones sobre repensar la metrópolis y las motivaciones que lo llevaron a gestionar el premio América Mies Crown Hall en el marco del College of Architecture del Illinois Institute of Technology, un reconocimiento bianual para las obras más destacadas de América y en cuya primera edición se premió a la Fundación Ibere Camargo de Álvaro Siza. Esta conversación sirve de introducción a tres proyectos realizados por Wiel Arets architetcts, la Oficina central de Allianz, La Torre A y B y la oficina central de control de tráfico marino Regiocentrale ZUID.

Continuando con el formato entrevista-obras, se exponen cuatro proyectos de METRO arquitetos, una oficina basada en Sao Paulo marcada en sus comienzos por una estrecha colaboración con el arquitecto Paulo Mendes da Rocha, y que forma parte de una extensa tradición hormigonera paulista. La entrevista introductoria finaliza con la presentación de la propuesta territorial para Sao Paulo y da paso a la exposición de otros tres proyectos. Nos referimos a La Bienal de Sao Paulo del año 2012, desarrollada en el pabellón del Cecilio Matarazzo, un edificio de 25.000 metros cuadrados diseñado por Oscar Niemeyer y Hélio Uchoa; la Nueva Galería Leme, una reconstrucción de un edificio proyectado por Mendes da Rocha y Metro arquitectos en el 2004 y demolido a finales del 2011; El museo del chocolate Nestlé, que corresponde a una intevención de una fábrica existente y cuyo objetivo fue solucionar la precaria organización del flujo de visitantes con las áreas productivas de la fábrica y la creación de un hito dentro del paisaje genérico industrial en donde se emplaza.

Finalizando la sección se presenta el edificio Casa Scout, una obra de Buenos Aires Arquitectura Grupal arquitectos (BAAG) situada en Argentina que fue ampliamente publicada por sus medios locales debido a la sorpresa que su diseño (y en particular su propuesta respecto del manejo del espacio interior) produjo en los círculos profesionales. Con el fin de complementar su análisis, la revista provee documentación, fotos y comentarios.

En la sección “Teoría” se reproduce, como es costumbre, la conversación informal que el colaborador especial Ciro Najle sostiene con destacadas personalidades bajo el cobijo de alguna locación específica. En la estación de trenes Francia, en Barcelona, el diálogo es con Ramón Faura, arquitecto y doctor por la Escola Técnica Superior D´Arquitectura de Barcelona y músico.

Para finalizar la edición, se incluye la segunda parte de la conferencia y simposio “What Criticism?” llevada a cabo en la Graduate School of Design de Harvard, compuesta por los paneles “Forms of the Uncertain”, moderado y presentado por Camilo Restrepo, y “Dissemination v/s Cultivation”, por Florencia Rodríguez. Además, la revista pone a disposición ambas exposiciones en formato audiovisual y en su idioma original en PLOT TV.

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El cine de acción clásico, caracterizado por altas dosis de testosterona fílmica y un estilo gamberro, encontró el final de su época a principios de la década de los noventa. Los gustos del público se enfocaron hacia cintas con efectos especiales revolucionarios, donde fantasías como “Jurasic Park” (1993) se volvían clásicos instantáneos al momento de su estreno. Y justo en dicho año, donde se produce el punto de inflexión, vemos estrenada “Demolition Man”. Pese a lo mencionado anteriormente, su acogida entre el público fue buena, en gran parte por el carácter irreverente y cómico que mostraba, casi auto paródico de la formula clásica del cine de acción, transportándonos a un futuro soso y pacifico donde solo dos hombres traídos del pasado “barbárico” de la humanidad podían corregir el rumbo de la misma a punta de pistola.

La premisa de la cinta, aunque simple, nos permite observar el proceso de evolución de la zona metropolitana de Los Angeles. En el presente (1996) se nos muestra una versión apocalíptica, una ciudad consumida por la violencia y la criminalidad donde solo la brutalidad policial logra mantener el orden al precio de convertir el territorio en un campo de batalla. Dicha situación imaginaria se basó en el alza de criminalidad que la ciudad atravesaba en la realidad y al escepticismo de hallar una solución clara para erradicarla.

Para el año de 2032 la situación es diametralmente opuesta. Al despertar de los protagonistas la ciudad se ha transformado en un territorio ordenado, caracterizado por una estética futurista y de amplios espacios ajardinados que recuerda mucho al estilo de los suburbios burgueses de Beverly Hills dentro del propio estado de California. Resulta una utopia visual en todos los sentidos que recuerda mucho al concepto de ciudad jardín, donde los ciudadanos tienen la oportunidad de disfrutar una vida en convivencia con su entorno natural.

Este futuro puede catalogarse dentro de las utopías postmodernas, ya que debido a un gran terremoto que destruyó la ciudad hasta sus cimientos, se remplazó el antiguo tejido moderno y caótico de la ciudad por uno nuevo, más ordenado y tecnificado que el anterior. Sumado a esto, la expansión demográfica de la ciudad la ha convertido en una ciudad territorio, mega estructura que aglutina el espacio desde San Diego hasta Santa Barbara, renombrándola como San Angeles.

La utopía en “Demolition Man” resulta la visión y obra de un solo hombre, quien para erradicar cualquier la violencia, lograr la paz y detonar el progreso dicta que la población debe hacer un sacrificio en sus libertades personales. Dichas pautas recaen sobre lo que es políticamente correcto y moralmente aceptable, vigiladas en todo momento por sensores y cámaras que detectan cualquier violación dentro del sistema. En referencia al “Gran Hermano” de Orwell, todos los ciudadanos portan un chip en sus cuerpos, que a la vez que les da acceso a la abundancia de su realidad, también les mantiene localizados en todo momento y sujetos al mecanismo social de su líder.

Se trata entonces de un orden fascista que, aunque utópico para algunos, para otros resulta distópico e inaceptable. Como ciudad estratificada, los que se oponen se hallan debajo de la superficie, viviendo en lo que Hakim Bey teoriza como “Utopía Pirata”, una mini sociedad que viviendo fuera de la ley, está determinada en conservar su modo de vida pese a resultar insostenible. La sociedad posee un carácter dualista. Ninguna de dichas visiones puede ser catalogada como negativa o positiva, ya que ambas acontecen al mismo tiempo conforme distintos sectores la interpretan. Su confrontación terminara por generar una tercera sociedad que las aglutina pero que terminara por cobrar personalidad propia.

Perfil del Director

Marco Brambilla es un director de cine y televisión, además de un reconocido artista visual en la búsqueda de nuevas tecnologías en el marco de la pintura digital. Nació en el año de 1960 en la ciudad de Milán en Lombardia, Italia. Se estableció en la ciudad de New York trabajando principalmente como director de comerciales para la televisión.

Su talento dentro del mundo audiovisual y su interés en la cinematografía lo llevo a dirigir en 1993 la cinta “Demolition Man”, película ambiciosa que contando con un reparto de estrellas y con una de las figuras más enigmáticas dentro del cine de acción, buscaba ser todo un éxito de taquillas al tiempo de su estreno. En ella tuvo la misión de reflejar un futuro limpio, tecnológico y libre de violencia donde la humanidad ha entrado en una era de prosperidad mediante la restricción de los placeres terrenales.

Tras haber finalizado la filmación y pese haber logrado un producto de total éxito, Brambilla decidió retirarse del mundo del cine. En declaraciones posteriores aclararía que su verdadero objetivo era el desarrollar nuevas tecnologías en la representación cinematográfica, la fotografía y la pintura digital. Hoy en día es reconocido por sus impresionantes trabajos vanguardistas en cuando a la representación digital, el mundo del videoclip y a sus exposiciones basadas en sofisticadas instalaciones visuales abiertas al público.

ESCENAS CLAVE

1. El Futuro de Ayer

Los Angeles de 1996 enfrentan una apocalíptica ola de violencia, basada en el panorama real de inseguridad y crimen que caracterizó a la ciudad durante el inicio de dicha década.

2. Desaparición de la Vida al Exterior

La Crioprision nace como modelo alternativo a la prisión moderna. El set presenta una arquitectura fría y funcional, inspirada en la obra del Arq. Frank Lloyd Wright.

3. Futuro Resplandeciente y Burgués

Después de un gran terremoto, el tejido urbano caótico de la antigua ciudad ha sido reemplazado por uno nuevo, basado en los suburbios burgueses de Los Angeles en la actualidad.

4. Vehículo Alternativo de un Futuro Alternativo 

La General Motors presto para la cinta su modelo “1992 GM Ultralite”, prototipo de baja emisión de carbono que con un diseño de vanguardia busco reemplazar al automóvil común.

5. Baxter Pharmaceutical / Police Headquartes 

Las locaciones del filme corresponden a construcciones emblemáticas de la arquitectura modernista y futurista de la ciudad de Los Angeles y sus alrededores inmediatos.

6. La Convention Center / Cocteau's Office 

Con pequeños añadidos digitales, las oficinas de gobierno se muestran como el edificio de mayor esplendor, con una arquitectura de estructuras espaciales y superficies cristalinas.

7. La Mega Metrópoli de San Ángeles

Reconstruida desde cero, la ciudad aglutina el territorio que va desde San Diego hasta Santa Barbara. San Angeles se convierte en una ciudad región cuyo desarrollo urbano es horizontal. 

8. Carta Blanca para la Utopía

Con un territorio virgen y un crecimiento poblacional controlado, la ciudad presenta la visión clásica de una ciudad jardín, donde el hombre puede disfrutar de su entorno a pie o en automóvil. 

9. San Diego Convention Center

La ciudad, de imagen burguesa, aun llena de construcciones futuristas posee un aire kitsch, donde los volúmenes geométricos lucen exagerados como si fueran maquetas.

10. Ciudadanos a Semejanza de la Ciudad

De una estructura geométrica clara y limpia, la Trolley Station refleja el canon de la utopía, donde la sociedad debe alienarse dentro de dicha pulcritud de forma sistematizada.

11. Bluewhale / Pacific Design Center

Diseñado como una plaza multifuncional en West Hollywood, es usado en la cinta para reflejar el gran esplendor y lujo en que viven los ciudadanos en la superficie. 

12. The Pyramid / San Diego Design Center

El más emblemático edificio dentro de San Diego tiene bien justificada su presencia, pues muestra los órdenes de la edad antigua construidos con la alta tecnología de la modernidad.

13. Fascinación por una Cultura Pasada

La película es un gran homenaje y parodia al cine de acción clásico de la década de los 80's, que encontró finalizado su aceptación al público a comienzos de la nueva década.

14. La Presencia Tecnológica del Gran Hermano

Basado en la obra de Aldous Huxley, Cocteau controla la ciudad de forma remota. La tecnología se vuelve una herramienta de doble filo que guía al progreso pero también a la sumisión.

15. Fobia hacia el Conflicto y la Violencia

Con un pasado tabú, la población busca alejarse de todo lo relacionado con la violencia, llegando a límites donde la población se ha vuelto cobarde hasta de las malas palabras.  

16. Simulación de Vida Urbana

 Los habitantes de la superficie viven una realidad incompleta. Han cedido sus derechos a cambio de paz y orden. Todas las expresiones culturales han sido recluidas a los museos.

17. La Influencia de la Cultura Japonesa

Hay una clara obsesión por la cultura oriental. Las personas visten occidentalizados kimonos, reflejo del interés por la cultura japonesa en Los Angeles durante la época de la filmación. 

18. La Ciudad debajo de la Superficie

Escapando del sistema rígido y excluyente de la superficie, las personas buscan vivir en libertad lejos de la mirada pública. Escasean los recursos pero la sociedad es multicultural.  

FICHA TÉCNICA

Fecha de Estreno: 8 de Octubre 1993
Duración: 115 min.
Genero: Acción / Ciencia Ficción
Director: Marco Brambilla
Guión: Peter M. Lenkov / Daniel Waters
Fotografía: Alex Thomson

SINOPSIS

En el año de 1996, la ciudad de Los Angeles está sumida en una ola de violencia. El policía John Spartan está en la persecución del psicópata criminal Simon Phoenix, pero tras su captura, ambos son condenados a una prisión criogenética debido a sus conductas altamente destructivas.

Años después, en 2032, Phoenix es despertado para revisión de su condena, escapando ante una sociedad que se ha vuelto altamente pacífica y sosa. Ante la imposibilidad de detener una nueva ola de crimen, la ley recurre a medidas desesperadas: despertar a John Spartan, el conocido “Hombre Demolición”.

• Arquitectos: Petar Miskovic, Vanja Rister
  
• Ubicación: Rijeka, Croacia
  
• Área: 270.0 m2
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Robert Les
  

• Colaboradores: Irena Bakic, Nikola Brlek, Ana Martincic Varesko, Paula Zinic
  
• Consultores: Mateo Bilus
  
• Ingeniería Estructural: Zvonimir Sabljak
  

Descripción de los arquitectos. Esta casa se encuentra en un sitio escarpado, sobre la parte central de la ciudad de Rijeka.

El terreno desciende hacia el sur, ofreciendo una vista panorámica sin obstáculos hacia el puerto, la bahía, las islas, y la montaña.

La planta de la casa es un cuadrado dividido en nueve espacios iguales. El espacio central es un vacío - el jardín. Los espacios periféricos contienen habitaciones, cada una en su propio nivel separado, y descienden en forma de cascada por el jardín central, creando así una espiral.

La casa no se configura en base a dos niveles, sino más bien constituye una topografía continua.

La Municipalidad Provincial de Tacna convocó a participar en un concurso nacional para diseñar una portada que realce la Batalla del Alto de la Alianza este sector y que estará situada en a vía de ingreso que conduce al Escenario de Batalla. La propuesta se ubicará en el ingreso al escenario de la Batalla del Alto de la Alianza, aproximadamente a 8km de la ciudad de Tacna, la cual se situará en el vértice oeste del triángulo conformado por las pistas de desvío desde el norte y sur y la carretera Tacna – Lima.

Conoce esta propuesta ganadora del segundo lugar en la competición peruana después del salto.

Según los arquitectos: la propuesta tiene como tema único, la Batalla del Alto de la Alianza (1880), un episodio amargo en la historia de Perú y Chile.

Con esta propuesta se pretende simbolizar y reconocer el heroísmo de los soldados en dicha batalla, para defender sus ideales, a sus compatriotas, y a su territorio. Concientizando y sensibilizando a las personas que visiten el lugar, convirtiendo el Campo de la Alianza, en un espacio de reflexión y respeto hacia nuestros antepasados.

La ubicación de la propuesta es precisa, y se complementa con el diseño vertical, el cual sirve  como elemento orientador y direccionador hacia el Campo de Batalla del Alto de la Alianza, y hacia el mismo museo que se encuentra a 2.20 km de distancia de la portada.

Cada episodio de la Batalla se representa con un elemento físico dentro de la propuesta, teniendo como base:

1. El escenario: está representada por la plataforma principal donde se ubicará el pórtico, está formada por gravilla, bordeada con la planta Siempreviva, que es característica de la zona.

Dentro de esta plataforma, se encuentran bloques de concreto expuesto en proporción a las tropas aliadas (2) y chilenas (5) de dicha batalla. Siendo reflejado en la propuesta dicho posicionamiento frente a frente.

2. La batalla: representada por un muro ciego, de gran longitud, que transmite misterio para el peatón que accede al recinto, misterio en saber lo que se encuentra más adelante. Dicho muro, a su vez grabado con una frase que describe el éxtasis y la crueldad de la batalla, aumenta en gran medida el sentimiento de respeto y reflexión antes de ingresar al Campo de Batalla.

3. Final de la batalla: es el elemento más importante debido a que resume la batalla. Este episodio es representado por un obelisco de gran altura, el cual tiene un alcance visual muy amplio a distancias considerables y se relaciona con el entorno desértico, respetando el campo de batalla.

El obelisco contiene en su interior una escultura abstracta, representando el heroísmo de los combatientes; y en la parte inferior, presenta un grabado en concreto, representando la batalla.  Complementando de esta manera el lenguaje convencional (altorelieve) y el lenguaje abstracto (escultura).

4. Resolución: Representada por una cobertura virtual que integra todos los elementos (Plataforma, muro ciego y obelisco). Integrando de manera formal, espacial y funcional, toda la propuesta. Considerando que es diseñado con elementos en aparente desorden entrelazados uno contra el otro, simulando el cruce de armas de la época.

Todos los elementos de la propuesta han sido trabajados con materiales naturales (concreto, piedra y metales)  los cuales por si mismos poseen texturas rústicas, de esa manera integrándose con el entorno natural desértico, mimetizándose en su composición, color y texturas.

• Concurso: Portada de Ingreso al escenario de la Batalla del Alto de la Alianza en el Departamento de Tacna
  
• Premio: Segundo Lugar
  
• Arquitectos: 2.0 Arquitectos
  
• Ubicación: Tacna, Peru
  
• Arquitecto A Cargo: Jesús Carbajal Paxi
  
• Equipo De Diseño: Jesús Carbajal Paxi y Pedro Alfaro Calumani
  
• Área: 516.0 m2
  
• Fotografías: Cortesia de 2.0 Arquitectos
  

La oficina es la primera ganadora griega, del primer lugar en un concurso de diseño griego, en Grecia, que desafió a los participantes a rediseñar una estructura existente en un museo arqueológico; esta propuesta de Tsabikos Petras Architectural Studio examina la reintroducción de zonas verdes en la ciudad y la relación entre la ciudad, el mar y la costa. El esquema sigue el ejemplo de un eje norte-sur y uno este-oeste, que presentan una conexión peatonal entre el museo y una plaza pública, y un sitio arqueológico con una segunda plaza, respectivamente.

El museo busca formar una transición sin esfuerzo, de lo urbano a los paisajes naturales. La ciudad choca con el museo y se extiende hacia el mar como un "deck urbano", hablando de forma simultánea a la presencia urbana a través de la proximidad a la ciudad y formando una conexión con lo natural, al revelar vistas de la costa y el mar. Este diseño único que une a la ciudad, la costa y el mar, crea un "acceso urbano" para el museo, fortaleciendo la conexión entre los visitantes y el mar, atrayéndolos hacia el ambiente urbano.

El paisaje del sitio incorpora ambos elementos, artificiales y naturales. La forma de ingeniería es hecha de tierra natural cubierta de plantas, y a medida que interactúa con el paisaje existente, forma una depresión que recoge el agua pluvial. Un segundo "acceso al paisaje" surge de la relación de los dos paisajes y su interacción con el deck urbano, que conecta a los visitantes a un sentido de lugar antes de entrar en el museo.

El museo en sí es informado por el sitio arqueológico, y el carácter histórico de las estructuras de la fortaleza con sus antiguas murallas, como museo in situ. Estas paredes hablan de la frontera entre la tierra y el mar, al igual que el muro de la exposición permanente actúa como frontera entre la propia exposición y la actividad que lo acompaña. De esta manera, el museo transporta la presencia histórica de Peiraeus dentro de sus muros, que actúan como caminos continuos a través del proyecto, liberando en última instancia a los visitantes en alineación con la zona arqueológica. Para enfatizar aún más la educación de la arqueología, una ruta adicional a través del museo destaca el proceso de restauración a los visitantes, dándoles una mirada cercana a la labor que se realiza en el sitio a través de las ventanas de visualización.

• Concurso: Open Architectural Competition
  
• Premio: Primer premio
  
• Arquitectos: Tsabikos Petras Architectural Studio
  
• Arquitecto A Cargo: Tsabikos Petras
  
• Arquitecto Colaborador: Vasiliki Daskalaki, Ioanna Iliadi, Giannis Foulakis
  
• Estudio Museológico: Penelope Kallitsi
  
• Diseño Estructural: Konstantinos Housos
  
• Año Proyecto: 2015
  
• Fotografías: Cortesía deTsabikos Petras Architectural Studio
  

• Arquitectos: Studio27
  
• Ubicación: Washington, DC, USA
  
• Año Proyecto: 2013
  
• Fotografías: Anice Hoachlander
  

Descripción de los arquitectos. En 2012, Union Station se convirtió en la nueva ubicación central para buses interurbanos en Washington DC. El nuevo centro de autobuses se encuentra en un estacionamiento cuyas instalaciones fueron retiradas de la majestuosa obra de Bellas Artes a su lado. Se le pidió a la firma de arquitectura, Studio Twenty Seven Architects, diseñar una solución que ofrezca las comodidades necesarias para un viajero, sin que el tenga que salir de la estación. 

Basándose en la metáfora de un jardín Zen, el nuevo centro de tránsito de autobuses consta de tres pabellones

El primer pabellón funciona como "piedras" en un campo. Esta formado por dos formas ovoides que se fusionaron a partir de geometría de monocasco elipsoide. Este método permitió fabricar en un material rentable, fibra de vidrio fundido, y ser montado por una constructora de buques con sede en Carolina del Norte. El pabellón contiene quioscos y espacios para la venta de pasajes, dos programas que encajan fácilmente en formas no ortogonales.

El segundo pabellón, "Pochi", es una terraza de meditación con vistas a los espacios vecinos. Este pabellón funciona como una sala de espera, es un recinto cerrado por madera y vidrio para días fríos y calurosos, y una terraza al aire libre, rodeada de bambú, para días templados. 

El último pabellón contiene los baños. Debido a que los trenes circulan por debajo, el pabellón debió ubicarse a cierta distancia para dar cabida a la las instalaciones de plomería. Debido a que el pabellón solo cumple esta función, se decidió que debiese hablar por su cuenta. Una serie de contenedores de transporte reciclados sirven como la armadura que guardan el el discreto confort de la estación. 

Los paneles del pabellón uno son código Morse para la popular canción "Soul Meets Body"  de Death Cab for Cutie:

‘Cause in my head there’s a greyhound station
Where I send my thoughts to far off destinations
So they may have a chance of finding a place
where they’re far more suited than here'

'Porque en mi cabeza hay una estación Greyhound
En donde puedo enviar mis pensamientos a lejanos destinos
Para que puedan tener la oportunidad de encontrar un lugar
donde están mejor que aquí '

La letra de la canción fue traspasada a paneles MDF y luego fabricado en fibra de vidrio de color sellada al vacío. 

• Arquitectos: Bovenbouw
  
• Ubicación: Kruisweg 22, 2040 Antwerpen, Bélgica
  
• Arquitectos A Cargo: Dirk Somers, Eline Aerts, Sidse Hald
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Filip Dujardin
  

• Contatista: Brebuild NV.
  
• Energía: K27
  
• Estructura De Hormigón: Betca/ Peikko
  
• Cliente: AG VESPA
  
• Superficie Total Externa Interna: 1126 m2 - 993 m2
  
• Costo: 1.765.323,41 € excl. VAT
  

Descripción de los arquitectos. Una nueva estación de bomberos al norte de Amberes, cerca del puerto. El sitio es triangular y está rodeado de infraestructura en todos los lados. El diseño de la nueva estación de bomberos no quiere tener un parecido formal con los hangares cercanos, sino que es una síntesis de las características generales de la tipología de edificios del puerto.

Sobre los dos pisos utilitarios hay un piso interno con una sala de estar, cocina, gimnasio, habitaciones para dormir y un campo de deportes al aire libre, dispuestos alrededor de un patio. El campo de deportes, ubicado en la esquina del edificio, se cubre con un revestimiento de madera semi-transparente y por lo tanto permanece en contacto con el exterior. Una escalera abierta relaciona el piso interno a las dos plantas inferiores.

Las oficinas se convierten en una transición entre el área de estar y el programa duro; desde las cuales hay una relación visual con los camiones de bomberos y la calle. Dentro de esta zona de transición se ubican las oficinas, vestuarios y duchas. Por debajo se encuentra el garaje y, a lo largo de la entrada de servicio, un área de guardado para las bicicletas y aparcamiento.

El primer informe invernal de G2 Crowd ha sido publicado, situando a DataCAD como el software de CAD que alcanza los índices más altos de satisfacción del usuario.

A partir de más de 180 reseñas hechas por profesionales de la industria, y mediante el sistema Grid℠, el informe compara los niveles de satisfacción de los usuarios con la presencia del producto en el mercado (determinado por el tamaño del vendedor de software, participación en el mercado e impacto social) categorizando a los productos como "Líder", "Eficiente", "Contendiente" o "Nicho". La plataforma de G2 Crowd incluye todo el software CAD usado popularmente en los campos de arquitectura y construcción, desde BIM hasta herramientas y librerías para diseño eléctrico, mecánico, y de plomería.

Los resultados han categorizado a Revit y AutoCad como Líderes, puesto que  proveen altos niveles de satisfacción al usuario  al mismo tiempo que mantienen una destacada presencia en el mercado. Vectorworks Architect, ArchiCAD, y DataCAD mantienen una presencia promedio en el mercado, pero sus características los sitúan en el cuadrante de los productos de alto rendimiento. En cambio, AutoCAD MEP y AutoCAD Architecture disfrutan de una alta presencia en el mercado, pero registran comparativamente bajos niveles de satisfacción del usuario, por lo cual califican como Contendientes.

Más de 15 vendedores de software fueron incluidos en la categoría "Building Design and BIM" del G2 Crowd, con el sistema Grid℠ representando sólo a aquellos que calificaron al recibir 10 reseñas individuales. 

Otros resultados revelan, para el 86% de sus encuestados, el software de diseño y BIM preferido cumple con sus necesidades. Al mismo tiempo, el 85% de ellos se inclinaría a recomendar el producto, y tienden a favorecer características como "facilidad de uso" , "rapidez" y calidad de "dibujos de construcción y presentación", valorando que el software sea capaz de "hacer que un dibujo sea generado de manera rápida y se vea bien".

G2 Crowd es "la plataforma líder de análisis de software a nivel mundial", y busca "traer autenticidad y transparencia a la investigación de tecnología de negocios". Usada por clientes, inversionistas y analistas, el sitio reúne reseñas de profesionales para identificar las mejores opciones de software y mejorar en las decisiones de compra. 

• Arquitectos: RipollTizon
  
• Ubicación: Polígon Industrial de Calvià, Carrer Alacant, 30, 07183 Calvià, Illes Balears, España
  
• Arquitecto A Cargo: Pep Ripoll - Juan Miguel Tizón
  
• Área: 1019.0 sqm
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: José Hevia
  

• Colaboradores: Pablo García (architect)
  
• Aparejador: Antoni Arqué
  
• Ingeniero Estructural: Jorge Martín
  
• Cálculo De Instalaciones: Grupo Tesla Ingeniería
  
• Constructora: Aqualogy S.A.
  
• Cliente: Hidrobal, Gestión de Aguas de Baleares S.A.U.
  

Descripción de los arquitectos. El nuevo edificio de la empresa de gestión de aguas Hidrobal se sitúa en el polígono industrial de Calviá, en un solar en esquina junto a naves industriales y almacenes. La nueva sede albergará las oficinas y los espacios de atención al público de la compañía.

Se pretende que el edificio reconozca el lugar y establezca un diálogo con su entorno pese a que el uso al que se destina tenga poco que ver con los habituales en un polígono industrial.

De partida se piensa en un volumen compacto, ajustado a los límites del solar, hermético y con acabados similares a los utilizados en las naves de alrededor. La siguiente decisión consiste en introducir un vacío, con la intención de liberar un espacio en la esquina del solar desde donde se realizarán los accesos al edificio.

Los espacios de atención al público, la sala de reuniones y los despachos de dirección se organizan en relación directa con la plaza de acceso. Se pretende que las dependencias representativas del edificio gocen de ciertos privilegios en cuanto a disposición, tipo de aberturas y relaciones visuales entre el interior y el exterior. Estas piezas se relacionan expresivamente con el espacio público, construyendo un filtro entre interior y exterior. Esta "membrana" o "fachada gruesa" contrasta con el perímetro del edificio no afectado por la plaza, que ofrece una imagen sólida y hermética.

Nos gusta pensar que el edificio tiene algo que ver con un cofre abierto: un contenedor duro y austero que muestra y ofrece su contenido.

El programa se organiza disponiendo en planta sótano el aparcamiento y zonas de archivo y almacenaje, en planta baja las oficinas técnicas y zona de atención al público y en planta primera las oficinas de gerencia y dirección.

El edificio se construye de un modo pragmático, con la honestidad constructiva y material que se esperaría en un edificio industrial. La necesidad de ceñirse a un presupuesto ajustado hace que se simplifiquen los sistemas constructivos y los materiales utilizados.

En el exterior, unas celosías de hormigón armado de diferentes escalas relacionan las dependencias del edificio con la plaza. La envolvente que no está en contacto directo con el espacio público se resuelve con una superficie continua de chapa ondulada.

Los diferentes espacios interiores se proyectan de forma unitaria: se utiliza un pavimento continuo de terrazo, falsos techos de virutas de madera y carpinterías de madera lacada combinadas con paramentos de vidrio transparente o translúcido. Se pretende que la representatividad requerida para cada espacio se consiga a través de su dimensión y de su relación con el exterior.

El compromiso social del cliente requiere también obtener la clasificación energética A. Ello se ha conseguido controlando la orientación de las diferentes dependencias, utilizando protecciones solares, disponiendo de una envolvente continua de gran capacidad aislante y utilizando sistemas de gran eficacia en las instalaciones ejecutadas.

• Arquitectos: Onion
  
• Ubicación: Phra Nakhon Si Ayutthaya, Phra Nakhon Si Ayutthaya, Tailandia
  
• Arquitectos A Cargo: Siriyot Chaiamnuay & Arisara Chaktranon
  
• Diseño Interior: Onion, Siriyot Chaiamnuay & Arisara Chaktranon
  
• Área: 3500 m2
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Wison Tungthunya
  

Sala Ayutthaya es el vigésimo hotel boutique de seis habitaciones, justo enfrente de un lugar más pintoresco de la antigua capital de Tailandia a lo largo del río Chao Phraya. El Templo Phutthai Sawan fue construido en 1353 dC por el primer monarca del Reino de Ayutthaya. Se convierte en el punto de vista del restaurante y las suites frente al río en la Sala. La principal entrada de la Sala se encuentra al lado de una Sala de árbol en U-Thong Road. Se trata de una sola puerta de hierro sobre una fachada larga de ladrillo, conduciéndonos a la recepción de techo bajo en madera y a un doble volumen de galería de arte. Dentro de este espacio, el rasgo dominante es una antigua puerta de madera que Onion diseña para el encuadre. Se coloca entre los espejos transparentes, abriendo al patio exterior, estrechado por las paredes de ladrillo en paralelo de múltiples geometrías curvas. Estos enmarcan la imagen del cielo. Lo que es único en esta circulación principal son las sombras que cambian constantemente. Las sombras curvas de ambas partes se reúnen normalmente en el suelo alrededor de las once en punto de la mañana. Éstas transforman la atmósfera del espacio en diferentes momentos del día.

La vista panorámica del río Chao Phraya y el Templo Putthai Sawan no puede ser vistas desde el patio de las paredes de ladrillo. Sólo puede ser experimentadas cuando se camina por la Sala del Restaurante hacia la terraza frente al río. En este lugar, vemos otra fachada de la Sala, paredes blancas de viviendas a dos aguas, la disposición de las cubiertas y las terrazas de paso a lo largo de la línea de la costa. La distribución de la Sala es un compuesto de doce residencias privadas, proporcionalmente empaquetadas dentro de un área limitada en forma de L, dejando a los centros de coordinación del proyecto ser los espacios al aire libre. Se exhibe la artesanía local de la fábrica de ladrillos, yuxtapuesta con la sencillez y pulcritud de las paredes blancas y una solución al problema de las inundaciones anuales, inspirado por el Chand Baori en Rajasthan, India.

En la Sala de Ayutthaya, las cubiertas de paso están diseñadas para ser inundadas. Nos llevan hacia abajo desde la alta plataforma de una sola planta al el mismo nivel que el río. Cuatro árboles de flores rojas llamados ji, se plantan junto a la cubierta principal para significar la ubicación del bar al aire libre. A lo largo de la estrechada orilla del río, Onion planta una fila de árboles tropicales llamados krading-nangfa (su traducción literal es el árbol "campana del ángel"). Sus flores de forma de campana tarde o temprano florecerán. Sus ramas se suspenden así mismo hacia el río y forman un largo túnel de árbol fragante. La Sala Ayutthaya será más completa con la edad.

El patrón de peldaños también puede ser explicado como un elemento arquitectónico de la arquitectura Ayutthaya. Los arquitectos han tomado prestado un tamaño reducido de una esquina del Phutthai Sawan Stupa, lo han escalado y diseñado para enmarcar varios objetos en la Sala. Esto incluye el interior y las paredes exteriores, lo vertical y los planos horizontales, los muebles y las fundas de almohada. Tal repetición marca la preocupación de los arquitectos sobre lo que el contemporáneo tailandés se propone, tanto en sentidos funcionales como decorativos.

Onion coloca mucha atención en los detalles de construcción y diseño de interiores. Las lámparas en forma de campana de granito son las principales características de la Sala Restaurant. Están hechos a medida por una fábrica local. El patrón estructural de las perchas se basa en el sistema de rejilla, pero el diseño se ve dinámico debido a las posiciones precisas de los pesos que cambian el patrón de cables eléctricos, desde una recta a un patrón de zig-zag. La imagen de un tigre saltando hacia delante, es decir, la fuerza de la creencia de Tailandia, está grabada en la cabecera de la cama de madera. La sección de ornamiento tailandés llamado luk-Mahuad está rediseñado como partes de contadores de baño y camas. La Sala Ayutthaya proyecta el carácter de los arquitectos que está interesado en la forma y la personalización.

La privacidad de la Sala de huéspedes está asegurada a través de los diseños de circulación. Los arquitectos deciden utilizar un mismo corredor de carga mucho menor que una serie de escaleras que conducen directamente a los clientes a sus propios dormitorios. Cada habitación es siempre diferente a la otra. Hay por lo menos tres habitaciones que tienen acceso directo a la piscina de natación con peldaños hechos de mármol blanco. La más acogedora es una habitación más pequeña que tiene su propia terraza privada y un sofá-cama oculto para los niños. Las habitaciones más amplias no tienen vista al río, pero su pared longitudinal se enfrenta el lado longitudinal de la piscina. En la planta superior, la habitación encima de la galería tiene una vista de "ojo de pájaro" del patio de las paredes de ladrillo. La sala de bridge tiene el vistas a la piscina y el patio del jardín. Estos caracteres especiales de cada habitación hacen que sea emocionante para los huéspedes revisitar la Sala.

“Arquitectura sin orillas. La raíz rioplatense. 20 estudios de Arquitectura”, es la nueva edición que nos trae la editorial 1:100. A través de la obra de 20 oficinas del Río de la Plata se busca entablar una conversación acerca de la arquitectura y su conversación con el lugar en que está emplazada.

“Este libro pretende volver atrás las agujas del reloj… o adelantarlas, según como queramos verlo. Volver atrás porque nos parece que no hace tanto tiempo la arquitectura surgía de una ligazón íntima con la región de emplazamiento, que las tecnologías aplicadas conseguían hacer del sitio una extensión natural hacia la confirmación del lugar a disfrutar, del espacio a habitar… O adelantarse, porque las drásticas nuevas condiciones que la humanidad tecnológica ha impuesto a nuestro Planeta Tierra nos lleva necesariamente a revalorar aquellas practicas sensatas de la transformación de las cosas”. Extracto de la introducción.

 A continuación la reseña del libro y las oficinas en cuestión

Proyectar y diseñar no es una tarea menor. Es pensar, inventar, producir estímulo y opinión. Y pensar también es conocer, teorizar, preguntar. Reflexión que debe hacerse desde acá, desde una perspectiva latinoamericana y rioplatense, pues pensamos es diseño como una practica situada regionalmente, comunitaria e incluyente. Este colectivo de una veintena de estudios de arquitectura rioplatense ha venido sosteniendo una serie de debates o “conversaciones” a modo de reflexión sobre diversos tópicos, tales como identidad, sitio, creatividad, sustentabilidad, materialidad, formación, ciudad rioplatense, rol del arquitecto y diversidad generacional.

De todas estas problemáticas dan cuenta las obras presentadas en este volumen, ubicadas a uno y otro lado de Río de la Plata, en sus diferentes escalas y programas, céntricas o barriales, rurales o urbanas.

Estudios Participantes:
Areitio / Allegro / Macchi
Arquitectonika
BAAG
Bárbara Berson
Diana Cabeza
Francisco Cadau
F / dPS / B
Cristian Carnicer
Francesco Comerci
del Puerto-Sardin
Juan Fontana
Roberto Frangella
Gualano+Gualano
Hampton +Rivoira
Carlos Levinton
Mirabal / Bednarik
Ramos / Mintz
Alejandro Sticotti
Gustavo Scheps
Schimmel / Sorondo

• Arquitectos: Hammer Architects
  
• Ubicación: Truro, MA, Estados Unidos
  
• Año Proyecto: 2014
  
• Fotografías: Hammer Architects
  

Descripción de los arquitectos. Encaramada en un acantilado costero sobre el Océano Atlántico, esta nueva residencia está diseñada para orientar sus vistas hacia el mar, el río Pamet y un estanque de agua dulce. El lado de acceso parece muy sólido, con gruesos muros revestidos de madera y ventanas estrechas que encierran los baños, una ducha al aire libre, la escalera y el lavadero.

Una vez dentro, la sala y el comedor, que ocupan el centro del edificio, se abren a las vistas dramáticas a través de grandes ventanales. Algunos de ellos cuentan con puertas de corredera, conectando al visitante con una terraza al aire libre de varios niveles.

Un ala de la casa incluye las habitaciones de huéspedes, mientras que la otra se gira en cuarenta y cinco grados para contener el dormitorio principal en suite. Un garaje con techo en forma de cometa ocupa la intersección de las dos geometrías, que entregan vistas en todas direcciones. Su diseño solar incorpora paneles fotovoltaicos y aleros profundos, con ventanas tipo triforio para la ventilación y refrigeración natural.

En el contexto de la serie de charlas del IAAC Winter Lecture Series 2015, organizadas por el IaaC, este jueves 26 de febrero Alberto Diaspro presentará la conferencia 'Does the aesthetic sense also exist at the nanoscale?', evento abierto a todo público.

Diaspro es director de Nanofísicas del Instituto Italiano de Tecnología (IIT) en Genova y su experiencia está relacionada con el diseño, la realización y la utilización de la instrumentación biofísico avanzada.

• Título: Lecture's IaaC - Winter Lecture Series 2015 // Alberto Diaspro
  
• Organizadores: IaaC
  
• Desde: 26 de Febrero de 2015 19:30
  
• Hasta: 26 de Febrero de 2015 21:30
  
• Lugar: IAAC Auditorium
  
• Dirección: Carrer de Pujades, 102, 08005 Barcelona, Barcelona, Spain
  

• Arquitectos: 51-1 arquitectos
  
• Ubicación: San Isidro, Peru
  
• Arquitectos A Cargo: César Becerra, Fernando Puente Arnao, Manuel de Rivero
  
• Colaboradores: Carlos Baluarte, Daniel Yep, Militza Carrillo y Genaro Alva
  
• Área: 360.0 m2
  
• Año Proyecto: 2009
  
• Fotografías: Cortesia de 51-1 Arquitectos
  

• Construcción: Ing. Carlos Inurritegui
  
• Estructuras: PRISMA
  
• Superficie De Terreno: 260 m2
  

Descripción de los arquitectos. Nos encargaron remodelar una casa para adaptarla a la nueva familia que la ocuparía. La casa tenía un pequeño jardín posterior, pero con lo que realmente soñaban los clientes, era con una casa EN UN JARDIN. Sería acaso un sueño imposible dada la estructura existente y al tamaño del lote? debiéramos limitarnos solo a remodelar?

Quizás, si pudiésemos albergar todo el programa requerido bajo un jardín que ocupe el máximo del lote, se podría alcanzar la casa soñada. Pero como iluminamos la casa? Y sobre todo, como vemos el jardín desde la casa?

Cortando y doblando, logramos convertir el jardín en una espiral, con esto podemos iluminar la casa, generar vistas al jardín y situar la piscina en una posición ideal: Jardín máximo + casa máxima. La casa existente se aprovecha casi en su totalidad, se le demuele un pequeña parte y se le construye otra para adaptarla a la nueva realidad.

Un jardín espiral continuo permite un recorrido que lleva desde el ingreso hasta la piscina en el tercer nivel. Dos condiciones ambientales específicas de Lima hacen posible esta casa: la primera es el clima benigno, sin lluvia ni temperaturas extremas, lo que permite un cuidado fácil de los jardines a lo largo del año.

El segundo es la luz casi ecuatorial y sin sombras del cielo casi permanentemente nublado que permite iluminar -cenitalmente- los espacios que quedan bajo tierra.

Interiors es una revista online dedicada al cine y a la arquitectura publicada por Mehruss Jon Ahi y Armen Karaoghlanian. Interiors desarrolla una columna exclusiva para ArchDaily en la que analiza y diagrama películas en relación al espacio. En su Tienda Oficial podrás encontrar impresiones exclusivas de este post.

Mucho se ha dicho y escrito sobre el uso de la toma continua del más reciente film de Alejandro González Iñárritu, Birdman (2014), y de cómo sus realizadores entretejen numerosas tomas largas con el propósito de hacer que la mayoría de la película se sienta como una única escena. La película sigue, de manera literal, a su protagonista, Riggan Thomson (Michael Keaton), un actor cuyo mejor momento es parte del pasado y planea el regreso de su carrera con su propia producción teatral.

Emmanuel Lubezki sin duda es el colaborador ideal para la peculiar visión del director. El cineasta, conocido por sus tomas prolongadas en películas como Y Tu Mamá También (2001), Children of Men (2006) y Gravity (2013), ha hecho uso de esta técnica como una forma de acercar al público a la acción. Birdman es la culminación de su experimentación con este formato, logrando su objetivo principal y provocando una experiencia de inmersión con un sentido de urgencia.

La película, por supuesto, utiliza efectos digitales y la edición como una forma de crear ilusiones propias del guión. Los cortes entre las filmaciones de Birdman se ocultan en instancias visuales como la oscuridad. Este trabajo fue posible gracias al trabajo del diseñador de producción Kevin Thompson, quien comenzó su tarea trazando el guión completo de la película sobre un conjunto de planos que representaban los diferentes sets.

El emplazamiento principal en el que se desarrolla el guión de Birdman es el Teatro St. James, ubicado en 246 West 44th Street en Nueva York. El Teatro St. James abrió sus puertas en 1927, durante el nacimiento del cine sonoro y fue diseñado por la firma de arquitectos Warren & Westmore de Nueva York, el mismo equipo responsable de la Grand Central Station. Las especificaciones técnicas del teatro fueron criticadas y su backstage fue considerado demasiado pequeño para los estándares de la industria; como resultado, el teatro fue considerado "insuficiente" durante sus primeros años de funcionamiento.

Los realizadores filmaron la película al interior del Teatro St. James en un lapso de treinta días, entre los meses de abril y mayo de 2013, aprovechando un intervalo de tiempo entre las producciones de teatro, sin embargo la mayor parte de la acción en la película tiene lugar en el backstage. Estas escenas fueron filmadas en los estudios Kaufman Astoria en Queens. Los cineastas empezaron a trabajar en el sonido en un estudio en Los Ángeles, donde las escenas fueron cuidadosamente registradas, coreografiadas y ensayadas por el elenco y el staff técnico, permitiendo que el equipo de producción pudiera tener un completo conocimiento de las dimensiones específicas de cada una de las habitaciones y pasillos. Posteriormente, este trabajo fue traspasado a sets construidos en los estudios de Kaufman Astoria. Birdman es una película que trata de reflejar la realidad haciendo uso de medios artificiales, para lo cual algunas grabaciones en estudio reemplazan las tomas en la ubicación real y numerosas escenas extendidas se entrelazan con el fin de proporcionar esta ilusión.

Existe una sensación de que el mundo oprime a Riggan Thomson, como si su estrés abrumador lo estuviera paralizando mientras se acerca el estreno de su producción. Esta atmósfera es desarrollada de manera perfecta por el equipo de producción, quienes fueron haciendo ajustes en las habitaciones y pasillos, para que en el transcurso de la película fueran haciéndose más estrechos los espacios. De esta manera, logran generar la sensación de que el espacio circundante está literalmente oprimiendo al protagonista.

La película, a pesar de su estructura visual continua, se encuentra filmada en escenas separadas. En nuestra planta, hemos examinado la escena en la que Riggan se entera de la noticias en portada del periódico, en el que Mike (Edward Norton) aparece tomando el crédito de su producción (00:53:37 - 01:04:53). La escena comienza fuera del camerino de Riggan con una toma imposible que se mueve traspasando las barras de acero para hacer ingreso al espacio interior. Además de los dos personajes en escena, Riggan y Laura (Andrea Riseborough), también se oye la voz de Birdman haciendo burla de Riggan.

Riggan enfrenta a Mike y la discusión se traslada hasta la cocina, donde ambos luchan cerca del dispensador de agua. Riggan se dirige nuevamente a su camerino, donde Birdman continua burlándose. Riggan entonces comienza a destruir su habitación con su mente; sin tocar nada, rompe todo. Es interesante notar que una vez que Jake (Zach Galifianakis), su amigo y abogado, interrumpe este momento privado, Riggan ya no destruye su habitación con su mente, sino que el daño lo está provocando él mismo, físicamente. 

La escena continúa mantiene un uso cuidadoso de la mise-en-scène cuando Lesley (Naomi Watts) hace ingreso. En su conversación, la pérdida de la técnica "plano-contraplano", que usualmente se utiliza para los diálogos en las películas, se compensa con el bloqueo de los actores. La cámara enfoca a Lesley, mientras que el reflejo de Riggan se ve a través del espejo. En muchos otros casos, la película hace uso de dos tomas de sus personajes como una forma de compensar la falta de edición entre las escenas. Birdman es una película que mantiene a su audiencia cautiva al interior de su singular locación, a pesar de todas sus limitaciones técnicas. Estas limitantes son usadas en favor de la propia película, entregándonos nuevas formas de explorar el espacio cinematográfico.

Estos diagramas, junto con otros, están disponible para su compra en la tienda oficial.

Interiors es una revista digital, publicada el 15 de cada mes, en la que las películas son analizadas y diagramadas en función del espacio arquitectónico. Es dirigida por Mehruss Jon Ahi y Armen Karaoghlanian. Revisa su sitio web, Issuu y la  tienda oficial, y síguelos en Facebook, Twitter e Instagram. 

• Arquitectos: Cepezed Architects
  
• Ubicación: Helmond, Países Bajos
  
• Área: 1997.0 m2
  
• Año Proyecto: 2013
  
• Fotografías: Cortesía de Jannes Linders, Léon van Woerkom
  

• Construcciones: Ingenieursbureau SmitWesterman
  
• Instalaciones: Ingenieursbureau Linssen
  
• Física De Construcción Y Acústica: Scena adviseurs
  
• Constructora: Hurks Bouw Zuid
  
• Construcción En Acero: Smederij Verbruggen
  
• Consultora Teatro: Theateradvies
  
• Cliente: Helmond Town Council
  
• Usuario: Theater Speelhuis
  

Descripción de los arquitectos. Cuando el Teatro Speelhuis, diseñado por Piet Blom, en Helmond, fue destruido por el incendio en diciembre del año 2011, el Ayuntamiento optó por un reemplazo temporal en una iglesia neo-bizantina, Our Lady of Assumption (Nuestra Señora de la Asunción), que se encuentra cerca del centro y en ese tiempo se encontraba en desuso. La iglesia contaba con importantes pre-condiciones para la instalación de un teatro. La iglesia es un monumento, propiedad de la diócesis de Den Bosch, y las instalaciones son temporales, por lo que las intervenciones deben ser reversibles y dañar en lo mínimo el edificio. El teatro también debía estar en funcionamiento lo antes posible. 

La apariencia física del edificio era fuertemente prescriptiva y su rica ornamentación se ha convertido, en lo posible, en parte del ambiente. El auditorio tiene una buena vista a las pinturas en las paredes y techo, a las varias esculturas, la cúpula, el órgano y los vitrales. Las adiciones, tales como el escenario, el puente de iluminación, los soportes y el balcón son objetos sueltos y removibles. Para crear un ambiente íntimo, el soporte en la complicada e imponente estructura de acero se acerca al escenario sin provisiones estructurales en la parte delantera. El sistema de escaleras está suspendido en la pasarela proyectada desde el balcón. La logística de movimiento en el elemento de soporte es intuitivo y se puede llegar a todos los asientos de forma natural tanto desde la parte delantera como la trasera. Como parte de la amortiguación acústica, la iluminación de las vías de circulación están integradas a la baranda, que también cumplen una función estructural. El hall de entrada está situado bajo la base, con l integrado en la barandilla, que también tienen una función estructural. El foyer está situado debajo del soporte, la barra en rebaje puede cerrarse para crear un área de trabajo sellado acústicamente para el personal.

Los componentes del programa de apoyo están situados en gran medida en las compactas y contratantes extensiones, directamente adyacentes a la iglesia. Un elemento estructural, la zona de entrega de bienes, los vestidores para artistas y la sala de espera ocupan dos plantas en el lado sur-este, cerca del ábside, con un pasaje en la sacristía. La extensión de la entrada, las taquillas, guardarropa, y baños están situados en el lado norte contra un pasillo lateral, tiene una fachada completamente transparente, está equipado con iluminación de techo y se vincula a la iglesia mediante un pasadizo en lugar del antiguo confesionario. 

El nuevo Teatro Speelhuis es un éxito con los artistas y el público, que por ahora se ha tomado la decisión de hacerlo permanente.