Descripción enviada por el equipo del proyecto. El estudio de Balkrishna Doshi, Sangath, se compone de una serie de bóvedas, revestidas en mosaicos de porcelana, así como un pequeño anfiteatro cubierto de vegetación y detalles de agua en movimiento. Sangath es una combinación integral de las inquietudes arquitectónicas, desarrolladas por Doshi en sus trabajos anteriores, incluyendo desarrollo de interiores y estructuras complejas, bordes ambiguos, bóvedas y terrazas. Más sobre Sangath después del salto.
Al entrar en el complejo, uno ve inmediatamente la silueta de una bóveda deteniéndose detrás de una pared exterior, además de una pequeña vista del interior, presente a través de un pequeño corte en la superficie.
El camino gira y obliga al ocupante a alejarse del eje norte-sur y junto a las paredes elevadas del jardín. Ahora visibles en perspectiva, las bóvedas comienzan a retroceder en el fondo por encima del anfiteatro cubierto de vegetación, dejando los canales de agua y jardines en primer plano. Al pasar por los estanques reflectantes que capturan las bóvedas en aguas tranquilas, la entrada se hace evidente. Se encuentra al final de una vista en ángulo hacia las bóvedas.
La entrada principal lleva al visitante unos pocos pasos dentro de la bóveda y propone la opción de subir un tramo de escaleras en una altura de tres pisos, o pasar por un pequeño pasillo junto a la oficina de Doshi y entrar al salón principal de dibujo. Aquí el plano del techo se eleva a medida que el habitante experimenta cómo se entrelazan los espacios de altura múltiple, creándose compresión y liberación entre ellos.
La parte inferior de la bóveda en la sala de dibujo principal está terminada con un concreto texturizado que dispersó la luz natural en el espacio. Al final del pasillo se encuentra la abertura vista desde la entrada del sitio y uno recupera su sentido de lugar a lo largo del eje principal.
Sangath también expresa el deseo del arqitecto, de lograr una conexión entre la naturaleza y el usuario. La forma general exagera los detalles de la naturaleza con sus montículos rodantes, espacios en forma de cueva, terrazas, canales de agua lúdicos y superficies reflectantes. El agua de las lluvias, se canaliza a través del sitio por las resbaladizas bóvedas redondas y los abrevaderos.
Los espacios interiores hundidos están aislados por arcilla dentro de la estructura. El calor del sol se reduce por los montículos de hierba y el mosaico blanco reflectante de porcelana que cubre cada bóveda. La luz natural también se filtra en los espacios interiores durante el día, mientras que la luna se refleja en los estanques y en los mosaicos de porcelana de la noche.
Junto con las conexiones naturales, Sangath mantiene conexiones con la cultura de la India. El diseño se asemeja a la forma en que un templo desarrolla una serie de etapas en una plataforma final, mientras que la forma imita vagamente la audacia de una estupa.
Otras referencias a estilos modernos también son evidentes, por ejemplo en la piscina con forma de oreja a lo Le Corbusier; el anfiteatro que se parece a los de Aalto y Wright; Mosaicos de porcelana rota, tipo Gaudi; y una fuente de agua similar a la del Instituto Salk de Kahn.
Ubicación: Rio Panuco 166, Cuauhtémoc, 06500 Ciudad de México, CDMX, México
Arquitecta Autora: Regina Galvanduque
Arquitectos Colaboradores: Elvia del Rio, Andres Mier y Teran
Equipo De Diseño: Arturo Osorio, Alberto Paulin, Javier Nunez, Aliare
Área: 530.0 m2
Año Proyecto: 2018
Diseno Industrial: MYT Diseno
Pailerias: Luis Pedroza
Carpinterias: Juan Carlos Perez
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ryo kan MX nace del análisis contextual del barrio Cuauhtémoc que hizo GLVDK, al darse cuenta de la densidad de la comunidad Asiática en CDMX y la necesidad de crear una nueva experiencia que celebre la cultura Japonesa, la cultura Mexicana y sus tradiciones.
Ryo kan MX es un urban lodge japamex innovadora que hace énfasis en los paralelismos culturales de ambos países y que complementa la experiencia de Japón en México debido a la gentrificación de las culturas Japonesas y Mexicana que viene en auge en la escena global con mucha fuerza desde los años ochenta.
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
En el diseño se tomaron en cuenta varios factores:
A. Elementos importantes de la arquitectura japonesa y mexicana (Paralelismos). Ryo kan MX cuenta con 10 habitaciones diseñadas con técnicas vernáculas Japonesas y Mexicanas para crear un balance entre ambas culturas.
• Puertas corredizas: En Japón: Shoji / def. (Sho - Separar , ji - una parte), son puertas corredizas de madera con papel de arroz, que generan las transiciones entre los espacios dentro de los ryokanes y acentúan el respeto cultural que tienen los Japoneses entre el interior y el exterior. Esto se expresa, por ejemplo, en el acto de venir de la calle con zapato y desnudar el pie para entrar al área de tatamis. En paralelo, en México, en la casa Maya se utiliza huano o zacate, que en algunos casos llega a cubrir la entrada principal de la vivienda, que según dicen algunos obligan a los visitantes a inclinar su cabeza en señal de respeto para quienes habitan la vivienda.
• Tatamis - Petates (Dormir en el piso)
Planta Baja
• Las camas occidentales se diseñaron tomando como base la configuración de acomodo de los tatamis, con una volumetría de madera con bejuco, inspirada en el “halabche" o trenzado de bejucos típicos de la construcción de las viviendas mayas, que junto con los coloches o varas verticales forman un emparrillado anudado con fibras vegetales que al ser posteriormente cubierto con zacate dan forma a los muros o pak lum. Esto permite crear una barrera térmica conservando la frescura al interior de la viviendas mayas.
• Onsen - Aguas termales; aquí el paralelismo celebra la riqueza de dos países ricos en biodiversidad con culturas que respetan la naturaleza.
• Arte - Reutilizar material (mármol, piedras) y transformarlo en volumetrías simples con inspiración japonesa.
• Paneles Japoneses - Mantas jaspeadas con impresos de fotografías de paisajes japoneses para crear una sensación visual de estar en un osen en cada habitación.
• Cuerdas náuticas: En la triple altura que tiene el área central del edificio, se aprovechó para generar una instalación de cuerdas con una repetición que da la sensación del infinito, inspirada en los bosques de bambú de KYOTO.
Sección áreas comunes
B. Selección de Materiales-acabados: Paralelismos Japamex en acabados arquitectónicos con una sobriedad característica de los materiales en crudo y handmade, con la idea de generar un espacio muy neutro que se convirtiera en un oasis en medio del caos de la CDMX, un espacio que alberga todos los elementos zen, que despierta todos los sentidos del huésped y lo invita a desconectarse de la vida exterior.
• Travertinos-crudo • Concretos-handmade • Cerámicas- handmade • Terrazos- custom handmade • Textiles (Cuerdas, mantas, lanas, tatamis)- handmade • Maderas naturales-handmade mano de obra mexicana custom design • Bejucos-handmade
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
C. Branding: Inspirado en la experiencia de los paisajes y la naturaleza japonesa donde se encuentran los RYOKANES.
• Señaletica – flow • Imágenes de naturaleza en aplicaciones: postales, paneles japoneses, animaciones proyectadas en muros.
D. Tableware: • Con la inspiración de los paisajes monocromáticos se diseño toda la vajilla Con Anfora en Puebla, MX
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
E. Yukatas: • Se elaboraron jukatas japonesas con mantas mexicanas hechas a mano.
F. Mobiliario: • Andrés Mier y Terán- MYT Diseno en colaboración con GLVDK diseñaron una serie de mobiliario inspirada en Japón con materiales mexicanos.
Cortesía de GLVDK & Javier Nunez
G. Accesorizacion: • Escogimos piezas de artesanos mexicanos con ayuda de Onora casa, disenamos los graficos para la vajilla producida por ANFORA en Puebla, utilizamos cobijas de lana de Tlaxcala. • Macetas de concreto con bonsai de Studio Floga • Las amenidades las hicimos en colaboracion con Yucatan Senses.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Se trata de una casa que se reconoce en la genética Miesiana, en la fascinación por la Casa Kauffmann de Richard Neutra, y en las tipologías de las casas de campo tanto peruanas como de la pampa argentina: una galería, un patio, los salones y los dormitorios, con espacios contiguos y francos sin interconexiones.
La casa está hecha de acero y cristal, acompañada de unos muros anchos de concreto tipo tapiales, que juegan al contrapunto sin tocarla. Sus techos, ligeros, enmarcan el paisaje lejano de árboles y montañas.
El trazado de esta casa, de líneas hechas como surcos de siembra, le genera diferentes vistas, direcciones y paisajes a cada espacio interior.
Elevación principal
Se forman 3 vagones que se intersectan: el primer volumen contiene el área social, con vistas hacia el jardín principal; el segundo volumen contiene el dormitorio principal con vistas a un jardín japonés, ya que el dueño de esta casa vivió mucho tiempo en Japón; y el tercer volumen contiene los dormitorios secundarios y área de servicio, que miran a un jardín posterior.
Sección 4-4
Se tiene una edificación en forma de media luna adicional a los volúmenes de la casa. En ella se desarrolla la vivienda del guardián y su fachada oeste está compuesta por gaviones para permitir la visual protegiéndola del poniente.
Mediante el paisajismo se trabajó la protección visual y térmica en el ingreso a la casa, pues se plantaron árboles mediano-grandes hacia el lado sur, de modo que se generan sombras y filtros naturales hacia el estacionamiento.
Se contemplan distintos tipos de vegetación que refrescan térmicamente los jardines y espacios de estadía de la casa, como el jacarandá, los olivos y los molles serranos.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La nueva instalación de estudio de escultura para el Departamento de Arte de la Universidad de Arkansas es el primer edificio definitorio de un nuevo distrito remoto del campus ubicado en un bloque industrial en bruto de 1.5 hectáreas en el sur de Fayetteville. En una asociación de diseño entre modus studio y el dorado inc, una estructura de almacén existente se transforma y se expande en una forma descarnada y simple, pero que alberga una programación compleja y técnica para el departamento de arte. El marco existente se hace eficiente al introducir un segundo piso dentro del volumen. La paleta brillante, el uso resuelto de la luz natural y los espacios altamente sofisticados para la elaboración de diversos medios se subrayan mediante el uso simple de la planta y el corte para interconectar a los estudiantes, la facultad y el público entre los estudios, las galerías y los porches exteriores.
El programa de 3,000 metros cuadrados alberga un espacio de estudio abierto y bien iluminado, pasillos generosos que brindan un amplio espacio de exhibición y crítica, y paredes diseñadas para ser duraderas en el alojamiento de la presentación del trabajo de los estudiantes. La iluminación es eficiente y flexible. Los entornos están diseñados a propósito para ser neutrales y servir de telón de fondo para el trabajo que se realiza. El proyecto reside en el sendero Tsa La Gi, parte de la red verde recientemente ampliada de la ciudad, que une las comunidades del noroeste de Arkansas. Estar en el camino ofrece la oportunidad de conectar el Departamento de Arte, y eventualmente otros departamentos en el Distrito, con la comunidad más amplia de Fayetteville en formas no tradicionales.
Como el proyecto pionero en el nuevo distrito, el diseño del edificio y el sitio trabajan en colaboración para permitir el acceso adecuado para la manipulación de materiales, gestionar la hidrología, superar las condiciones de potencial de desarrollo, y celebrar la comunidad emergente de arte y diseño. El proyecto es una oportunidad de conectarse con actividades culturales que tienen lugar fuera de la universidad, exponiendo a los estudiantes y profesores a un conjunto único de oportunidades de aprendizaje. A través de un proceso de renovación selectiva y una cuidadosa adición, el resultado es una arquitectura que trasciende sus humildes orígenes, marcando el tono para un nuevo y ambicioso distrito académico más allá del campus tradicional.
Balkrishna Doshi, también conocido como B. V. Doshi, a pesar de tener una extensa producción, es un nombre poco conocido en el mundo occidental. Dirigido por Premjit Ramachandran, el documental "Doshi" permite que el espectador se aproxime al punto de vista de este importante arquitecto indio, a través de sus pensamientos, conociendo parte de su conjunto de obras.
La película, en inglés, fue filmada en un estilo franco de conversación, revelando un ser humano original y creativo que, incluso con edad avanzada, sigue apasionado tanto por la arquitectura, como por la vida y el aprendizaje.
La película se convierte en una mesa redonda con Doshi, sus exalumnos, sus contemporáneos y hasta con miembros de su familia, todo en el contexto de su arquitectura. La cámara sigue a su protagonista a través de espacios diseñados por él, mientras narra, recuerda y explica sus procesos de creación. También revela como hace de su filosofía una parte intrínseca de su propia vida.
A continuación, puedes ver todos los capítulos del filme y ver un breve resumo de cada uno de ellos.
Ocho meses con aceitunas y queso Capítulo 1
El filme comienza abordando la influencia de Doshi en la creación de la Escuela de Arquitectura, una de las mejores en la India, llamado Centro de Planeamiento y Tecnología Ambiental (CEPT, por su sigla en inglés). Muestra además el proyecto del Instituto de Indología (1961) en Ahmedabad. En ese proyecto en particular, Doshi comienza a explorar estrategias bioclimáticas, trabajando con el clima indio a su favor. Tiempo atrás, Doshi recuerda los tiempos difíciles en la inicio de su trayectoria, tanto en India, con poco dinero, y en Francia cuando trabajó con Le Corbusier, donde dijo que comí pan con queso y aceitunas por ocho meses.
No soy arquitecto... para mí es una búsqueda Capítulo 2
Doshi explica que su trabajo se centra en la humildad de observar, en una eterna búsqueda y aprendizaje de situaciones y memorias, que está claramente reflejada en sus obras.
El plano indio no está centrado Capítulo 3
En este capítulo, Doshi retrata al indio como alguien que posee una mente ingeniosa que siempre busca por más. Es una cultura que tiene muchas formas de usar lo mismo, ya sea vestidos, música o arquitectura.
Tú estás representando a Dios Capítulo 4
Doshi pide que los arquitectos consideren que todos los edificios sean un templo para Dios, incluso sea una casa pequeña. De esta forma, no es posible pensar en la arquitectura como una realización miserable. Después de este discurso, es posible conocer algunos proyectos habitacionales realizados por el arquitecto.
El resultado final no es tan emocionante como el proceso Capítulo 5
De acuerdo con la filosofía india, el proceso viene en primer lugar y no es el resultado final, que jamás será tan emocionante como aquel. En este capítulo la habilidad de inventar es retratada como un desafío y se demuestra como un diseño final surge de un largo proceso que, al ser una búsqueda de un lenguaje distinto, resultará de una intensa investigación —ya sea algo nuevo o tradicional— con tal de revelar nuevas inspiraciones.
La arquitectura es una cuestión de transformación Capítulo 6
Aquí Doshi nos demuestra cómo la arquitectura es una cuestión de transformación de situaciones y condiciones efímeras. No se trata de una decisión en el papel, o en el programa, o en materiales o en el confort climático, sino en el comportamiento y actitudes de las personas y cómo esto se une. "La arquitectura sirve para abrir puertas, no solo una, sino varias", dice Doshi.
El ser humano, por naturaleza, es un animal cálido y compasivo Capítulo 7
Las raíces son fundamentales. En este capítulo es posible ver un lado más personal de Doshi a través de su visita a la Casa Kamala, donde los detalles arquitectónicos se confunden con los detalles familiares, una vez que ambos se adaptan al tiempo y crean una consistencia.
Al final, ¿cuál es nuestra herencia? Capítulo 8
La Humanidad tiene mucho que perder sin inspiración social ni cultural en lo público y lo comunitario. En este capítulo Doshi apunta que reconocer nuestras herencias —de lo que ya se nos ha dado a través de los patrimonios construidos—, pensar en el futuro a través del pasado, nuevas ideas de escala y diferentes elaboraciones son grandes responsabilidades de los arquitectos.
B.V. Doshi ha sido nombrado ganador del Premio Pritzker 2018, el galardón más importante de nuestra profesión. Durante los últimos 70 años, Doshi ha moldeado su discurso de la arquitectura y el diseño urbano con una fuerte influencia de su India natal, a través de proyectos que incluyen residencias privadas, escuelas, bancos, teatros y viviendas para personas de bajos ingresos. Presentamos siete ejemplos de este trabajo, que ejemplifican el respeto de Doshi por la cultura oriental y su deseo de contribuir a su país a través de diseños auténticos, que mejoran la calidad de vida de las personas.
Sangath es el propio estudio de arquitectura de Doshi, y ha sido considerado el edificio que encapsula por completo su enfoque. Cuenta con una serie de bóvedas revestidas de mosaicos de porcelana y un anfiteatro en terrazas con detalles de agua en movimiento. Sangath representa la conexión entre la naturaleza y el individuo.
Vivienda Colectiva para Life Insurance Corporation
Life Insurance Corporation Housing. Image Courtesy of VSF
Este proyecto de vivienda para Life Insurance Corporation, en Ahmedabad, fue diseñado en 1973 y se compone de 324 unidades en un esquema de terrazas dúplex. Fue diseñado para presentar un sentido claro del orden y combinar alta densidad y baja altura: el resultado es una tradicional fila de casas con diferentes unidades mezcladas.
Explorando su interés por el brutalismo, Tagore Memorial Hall es uno de los diseños más notables de Doshi. Completado en 1966, este anfiteatro de 700 asientos se compone de muros de hormigón armado que se rompen mediante placas plegadas, creando planos contrastantes de luz y sombra.
Uno de los diseños más experimentales de Doshi, esta galería de arte en forma de cueva exhibe el trabajo del artista Maqbool Fida Husain. Al igual que su estudio Sangath, las estructuras abovedadas están cubiertas de mosaicos. Las obras de arte se han puesto directamente sobre las paredes en el interior y las esculturas de metal descansan contra las columnas de forma irregular.
Ganador del Premio Aga Khan de Arquitectura en 1996, el conjunto de viviendas Aranya fue diseñado para establecer una "sociedad sostenible", permitiendo la convivencia de personas y familias de diferentes clases económicas. Situado en un sitio rectilíneo de 86 hectáreas, este complejo de viviendas tiene capacidad para más de 80,000 personas en 6.500 viviendas.
Completado en 1966, el Centro para la Planificación y Tecnología Ambiental está diseñado para experimentar el equilibrio entre los humanos y la naturaleza, con una serie de edificios unidos por patios ajardinados. Utiliza un plan libre, planificado cuidadosamente para dirigir la luz solar hacia los recintos interiores. Los estudiantes participaron activamente en el diseño, con el objetivo de continuar promoviendo el aprendizaje colaborativo en todas las disciplinas.
Finalizado en 1983, el Instituto Indio de Administración en Bangalore explora el concepto de diseño de aulas interiores y exteriores. El campus IIMB fue concebido como un lugar para ser habitado, como un lugar para facilitar el curso de la interacción humana y refleja el sentido perfecto de la escala, la proporción y la luz. En relación a este proyecto, Doshi dijo que "un campus debería estar siempre serpenteando y conectando".
Le Corbusier y Balkrishna Doshi. Fotografía cortesía de Balkrishna Doshi.
B.V. Doshi, uno de los practicantes más famosos de la arquitectura india moderna, nació en Pune, India, en 1927. Casi 90 años después, el jurado eligió a Doshi como el Premio Pritzker 2018. Conoce la historia de B.V. Doshi, incluyendo su estrecha relación con el legendario arquitecto Le Corbusier, en esta lista de datos relevantes.
Sheth Hutheesinh Temple por Kalyan Shah usada bajo CC BY-SA 3.0
1) La oficina de Doshi, Vastu Shilpa, se dio el trabajo de hacer una lista de sitios de arquitectura "imprescindibles" en la ciudad de Ahmedabad, para que los visitantes de la oficina pudieran conocer la ciudad y comprender el contexto en el que Doshi diseña sus edificios.
2) De 1951 a 1955, B.V. Doshi trabajó directamente para Le Corbusier como aprendiz en su taller de París. Hoy en día, en la entrada de su cabaña, Doshi guarda un retrato del arquitecto suizo junto a las representaciones de la diosa Durga y el Señor Ganesha.
Balkrishna Doshi. Cortesía de VSF
3) Le Corbusier se comunicaba con Doshi en un inglés carente. Pero más tarde el arquitecto indio recordó que: "Cuando no conoces el idioma, la conversación se vuelve más visual y espacial".
4) Obtuvo su primer trabajo no remunerado con Le Corbusier basado en una evaluación poco tradicional: su letra. Doshi le dijo al India Times en 2017 que no se le pidió que presentara un portafolio, sino que "apliqué con mi propia letra".
5) Visitó América por primera vez con una beca de la Fundación Graham en 1959.
6) Doshi participó significativamente en el diseño de Chandigarh, la nueva capital del estado de Punjab (Chandigarh ahora funge como capital estatal conjunta para Punjab y Haryana). Le asignaron la tarea de diseñar viviendas para los miles de humildes servidores del gobierno. Esto dio paso a su continuo interés en producir los mejores espacios comunitarios sencillos y de bajo costo.
Balkrishna V. Doshi con estudiantes de la Escuela de Arquitectura, CEPT , Ahmedabad, c . 1970s.. Imagen vía India: Modern Architectures in History de Peter Scriver, Amit Srivastava
7) En la década de 1960, Doshi abrió The School of Architecture en Ahmedabad con un plan de estudios alternativo, que a partir de 1972 se conoció como el Centro de Planificación Ambiental y Tecnología (CEPT). ¡Louis Kahn fue miembro de la facultad desde sus inicios!
8) Una mirada más cercana al aspecto estructural de algunas de las obras de Doshi revelan el uso práctico y generalizado de los muros de carga: estas gruesas paredes sirven como masas térmicas perfectas para el cálido clima de la India.
9) De 1967 a 1971 fue miembro del colectivo internacional Team 10.
10) Doshi colaboró con Moshe Safdie, el arquitecto iraní Nader Ardalan y el profesor de Harvard Josep Lluis Sert para escribir la Declaración de Derechos Sobre el Hábitat, presentada por el Gobierno de Irán en la conferencia ONU Habitat sobre Asentamientos Humanos en Vancouver en 1976.
Estudio Sangath Architects. Cortesía de VSF
11) El estudio que diseñó en 1979 - 81 muestra los esfuerzos de Doshi por combinar las tendencias modernas con los métodos tradicionales de la India. Para Sangath utilizó una tradición local de mosaicos hechos con baldosas de cerámica recicladas.
Scriver, Peter y Amit Srivastava. India. Reaktion Books, 2015.
Doshi, BV. “Ultimate Design Hero: Le Corbusier.” Elle Decor India, Dec. 2017- Jan. 2018.
Steele, James y Balkrishna V. Doshi. The Complete Architecture of Balkrishna Doshi: Rethinking Modernism for the Developing World. Thames and Hudson, 1998.
Steele, James y Balkrishna V. Doshi. The Complete Architecture of Balkrishna Doshi: Rethinking Modernism for the Developing World. Thames and Hudson, 1998.
El jurado del Premio Pritzker ha elegido al arquitecto indio Balkrishna Doshi, también conocido como B.V. Doshi o Doshi, como ganador del Premio Pritzker 2018. Siendo aprendiz y colaborador de Le Corbusier y Louis Kahn, y con una carrera activa de más de 70 años, la arquitectura poética de Doshi se basa en influencias culturales orientales, creando una producción que "abarca todas las clases socioeconómicas, en un amplio espectro de tipologías, desde los años 50", según el acta del jurado. Doshi se convierte así en el primer arquitecto indio en recibir el máximo galardón de la Arquitectura.
Cortesía de VSF
'Mis obras son una extensión de mi vida, mi filosofía y mis sueños, intentando crear el tesoro del espíritu arquitectónico. Le debo este prestigioso premio a mi gurú, Le Corbusier. Sus enseñanzas me llevaron a cuestionar la identidad y me obligaron a descubrir una nueva expresión contemporánea, adoptada regionalmente, para un hábitat holístico sostenible', comenta Doshi.
Nacido en Pune, India en 1927, Doshi comenzó sus estudios de arquitectura en el año de la independencia de su país, en 1947. Después de un período en Londres, se trasladó a Francia para trabajar con Le Corbusier, y de allí regresó a la India con el fin de supervisar el trabajo en los planes de Le Corbusier para Chandigarh, y en los proyectos de Le Corbusier en Ahmedabad, como el 'Edificio de la Asociación de Propietarios de Molinos' (1954) y la 'Casa Shodhan' (1956). Doshi también trabajó más tarde con Louis Kahn en el Indian Institute of Management en Ahmedabad, comenzando en 1962.
Cortesía de VSF
Desde que fundó su estudio Vastushilpa (actualmente conocido como Vastushilpa Consultants) en 1956, Doshi ha combinado las lecciones aprendidas de estos dos maestros modernos con una alta sensibilidad local. Este regionalismo crítico sintetiza las formas escultóricas en hormigón y ladrillo de sus mentores, con morfologías urbanas y diseños arquitectónicos reconocibles de la India. Una de las manifestaciones más claras de este estilo es quizás su propio estudio, conocido como Sangath, donde las bóvedas de cañón en hormigón se combinan con jardines, espacios comunes hundidos y elementos de agua para mitigar el calor. En 1978, Doshi fundó la Fundación Vastushilpa para Estudios e Investigación en Diseño Ambiental, con el fin de desarrollar enfoques de planificación y diseño adecuados al contexto cultural indio. Hoy en día, la fundación sirve como un enlace crucial entre la academia y la profesión de arquitecto.
En más de 100 proyectos completados durante su carrera, Doshi también ha trabajado en una serie de desarrollos de viviendas de bajo costo. Después de completar el primero en la década de 1950, declaró: "debería prestar juramento y recordarlo durante toda mi vida: proporcionar vivienda adecuada a la clase más baja". La apoteosis de este juramento fue tal vez el desarrollo del proyecto de Aranya, en Indore. Completada en 1989, esta red de casas, patios y caminos internos ofrece alojamiento a más de 80.000 personas, desde familias de ingresos bajos a medios, ganando el Premio Aga Khan de Arquitectura de 1993-1995.
Cortesía de VSF
Acta del Jurado
El arquitecto indio Balkrishna Doshi ha exhibido continuamente los objetivos del Premio Pritzker de Arquitectura al más alto nivel. Ha practicado el arte de la arquitectura, contribuyendo sustancialmente a la humanidad, durante más de 60 años. Al otorgarle el galardón de este año, el jurado del Premio Pritzker reconoce su excepcional arquitectura reflejada en más de cien edificios construidos; su compromiso y su dedicación a su país y las comunidades a las que ha servido; su influencia como docente y el ejemplo sobresaliente que ha establecido para profesionales y estudiantes de todo el mundo a lo largo de su carrera.
Doshi, como lo llaman cariñosamente sus más cercanos, trabajó con dos maestros del siglo XX: Le Corbusier y Louis Kahn. Sin duda, las primeras obras de Doshi fueron influenciadas por estos arquitectos, como se puede ver en sus formas robustas en hormigón. Sin embargo, Doshi llevó el lenguaje de sus edificios más allá de estos primeros modelos. Comprendiendo y apreciando las profundas tradiciones de la arquitectura de la India, unió la prefabricación y la artesanía local y desarrolló un vocabulario en armonía con la historia, la cultura, las tradiciones locales y los tiempos cambiantes de su país de origen.
Con los años, Balkrishna Doshi ha creado siempre una arquitectura seria, nunca llamativa o enfocada en las tendencias. Con un profundo sentido de la responsabilidad, y un deseo de contribuir a su país y su gente a través de una arquitectura auténtica y de alta calidad, ha creado proyectos públicos, instituciones educativas y culturales, y viviendas para clientes privados, entre otros.
Realizó su primer proyecto de vivienda para personas de bajos ingresos en la década de 1950. Al respecto, Doshi declaró en 1954: "parece que debería prestar juramento y recordarlo durante toda mi vida: proporcionar vivienda adecuada a la clase más baja". Cumplió con este juramento personal en proyectos como la 'Vivienda de Bajo Costo Aranya' (1989), en Indore, en el centro-oeste de la India, y en la 'Vivienda Cooperativa de Ingresos Medios' (1982), en Ahmedabad, India, entre muchos otros. La vivienda como refugio no es más que un aspecto en estos proyectos. Toda la planificación de la comunidad, la escala, la creación de espacios públicos, semipúblicos y privados, son un testimonio de su comprensión de cómo funcionan las ciudades y la importancia del diseño urbano.
Cortesía de VSF
Doshi es muy consciente del contexto en el que se ubican sus obras. Sus soluciones toman en consideración las dimensiones sociales, ambientales y económicas de manera que su arquitectura está totalmente comprometida con la sustentabilidad. El uso de patios y pasillos cubiertos, como en el caso de la Escuela de Arquitectura (1966, ahora parte del CEPT); la Junta de Electricidad de Madhya Pradesh en Jabalpur (1979) o el Instituto de Administración de India en Bangalore (1992), Doshi ha creado espacios protegidos del sol y que atrapan la brisa, proporcionando una sensación de disfrute y confort dentro de los edificios.
En el propio estudio del arquitecto, llamado Sangath (Ahmedabad, India, 1980), podemos ver las sobresalientes cualidades del enfoque con el que Balkrishna Doshi entiende la arquitectura. La palabra Sangath significa “moverse juntos” o “acompañar” en sánscrito. Como un adjetivo, encarna lo que es apropiado y relevante. Las estructuras son semi enterradas y están totalmente integradas con las características naturales del sitio. Hay fluidez entre las terrazas, espejos de agua, montículos y bóvedas, los cuales son elementos formales distinguidos. Hay variedad y riqueza en los espacios interiores que tienen distintas cualidades lumínicas, distintas formas y usos pero que al mismo tiempo que se unifican mediante el uso de concreto. Doshi ha logrado crear equilibrio y paz entre todos los componentes - materiales e inmateriales- el cual resulta en un total que es mucho más que la suma de las partes.
Balkrishna Doshi ha demostrado constantemente que toda buena arquitectura y planificación urbana no sólo debe unir propósito y estructura sino que debe tomar en cuenta el clima, el sitio, técnicas y artesanías junto con un profundo entendimiento y apreciación por el contexto en su sentido más amplio. Los proyectos deben ir más allá de lo funcional para conectarse con el espíritu humano mediante fundamentos poéticos y filosóficos. Por sus numerosas contribuciones como arquitecto, urbanista y docente, por su firme ejemplo de integridad y sus incansables contribuciones a la India y más allá, el jurado del Premio de Arquitectura Pritzker elige a Balkrishna Doshi como el ganador del premio Pritzker 2018.
Glenn Murcutt (Chair): Arquitecto y Premio Pritzker 2002. Sydney, Australia.
Stephen Breyer: Corte Suprema de los Estados Unidos. Washington, DC.
André Aranha Corrêa do Lago: Embajador de Brasil en Japón.
Lord Peter Palumbo: Patrón Arquitectónico, Presidente Emérito de los Fideicomisarios, Serpentine Galleries; Ex presidente del Consejo de las Artes de Gran Bretaña. Londres, Inglaterra.
Richard Rogers: Arquitecto y Premio Pritzker 2007. Londres, Inglaterra.
Benedetta Tagliabue: Arquitecta y Educadora. Barcelona, España.
Ratan N. Tata: Presidente Emérito de Tata Sons, Compañía Holding del Grupo Tata. Mumbai, India.
B.V. Doshi, uno de los practicantes más famosos de la arquitectura india moderna, nació en Pune, India, en 1927. Casi 90 años después, el jurado eligió a Doshi como el Premio Pritzker 2018. Conoce la historia de B.V. Doshi, incluyendo su estrecha relación con el legendario arquitecto Le Corbusier, en esta lista de datos relevantes.
B.V. Doshi ha sido nombrado ganador del Premio Pritzker 2018, el galardón más importante de nuestra profesión. Durante los últimos 70 años, Doshi ha moldeado su discurso de la arquitectura y el diseño urbano con una fuerte influencia de su India natal, a través de proyectos que incluyen residencias privadas, escuelas, bancos, teatros y viviendas para personas de bajos ingresos.
Balkrishna Doshi, también conocido como B. V. Doshi, a pesar de tener una extensa producción, es un nombre poco conocido en el mundo occidental. Dirigido por Premjit Ramachandran, el documental "Doshi" permite que el espectador se aproxime al punto de vista de este importante arquitecto indio, a través de sus pensamientos, conociendo parte de su conjunto de obras.
Ubicación: Yuzhnaya Ulitsa, Gaikodzor, Krasnodarskiy kray, Rusia
Arquitectos A Cargo: Nikolai Pereslegin, Sergei Pereslegin, Georgy Trofimov (architects, partners of Kleinewelt Architekten); Maria Zubkova; Oksana Novoskoltseva; Ksenia Vorobyeva
Descripción por los arquitectos. La Bodega Gai-Kodzor ubicada en Krasnodarsky Krai, Rusia, ha sido finalizada. El diseñador general del edificio es la oficina de arquitectura Kleinewelt Architekten. Los 1.500 metros cuadrados del complejo multifuncional se encuentran a medio camino entre Anapa y Novorossiysk, el lugar más soleado de Rusia, a solo 5 kilómetros del mar. Además de ser una instalación de producción, el proyecto combina funciones de museos, educación, hospitalidad y entretenimiento. El proyecto es verdaderamente innovador. Los tradicionales productores de vino en España, Francia e Italia han utilizado la arquitectura moderna como un atractivo.
La construcción de este tipo de edificios atrajo a Frank Gehry. Norman Foster, Santiago Calatrava, Renzo Piano, Richard Rogers, Christian de Portzamparc y los ganadores actuales del premio de arquitectura más prestigioso, el premio Pritzker, RCR Architects.
Cabe señalar que, a excepción de algunos casos excepcionales, la arquitectura de las bodegas "estrella" no tienden a promocionarse, sino que se esfuerza por resaltar el paisaje circundante de los viñedos y las prácticas de producción locales. A medida que la construcción avanza, la bodega se complementará con un museo, mini-hoteles y cubiertas de observación.
El equipo de Kleinewelt Architekten ha decidido adoptar todas las funciones típicas de una instalación pública. "El vino Gai-Kodzor se sirve en cualquier restaurante vecino, por lo que era necesario tener una idea que atrajera a los visitantes", dice Nikolai Pereslegin. "No es solo una bodega, debería ser un centro cultural con una sala de conferencias, cafetería, plataforma de observación y, prospectivamente, un pequeño hotel. Este enfoque versátil es inusual en Europa, por no hablar de Rusia".
Al mismo tiempo, de acuerdo con las mejores tradiciones europeas, la bodega está integrada en el entorno natural. "Por supuesto, una de las principales tareas fue retener el magnífico relieve que geológicamente se había formado aquí", comenta Georgy Trofimov, "El medio ambiente requiere tanta atención como la ciudad. A veces incluso más". Por lo tanto, la bodega proporciona una especie de "marco" para el entorno: las columnas y las estructuras "arreglan" ciertas vistas de aspecto, al igual que el lente de una cámara. Como resultado, los pabellones en la cima inevitablemente llaman la atención, mientras se disuelven suavemente en el aire del paisaje casi toscano, besados por el sol y semitransparentes. Esto es aún más sorprendente si se tiene en cuenta que los autores han realizado su sueño de construir una estructura donde el concreto expuesto se utiliza como material de acabado y de carga. ¡El edificio resultante es "verde" en todos los sentidos!
Además de estar en armonía con el paisaje circundante, el complejo tiene un oasis en su centro, pues se compone de raras especies de flora que han proporcionado la base de las decoraciones ornamentales utilizadas para crear sombra en su interior, según explica Nikolai:
Las uvas disfrutan de favorables condiciones en Gai-Kodzor, pues en la localidad existen plantas plantas de otro tipo pero en menor cantidad (...) Escaneamos las flores del sitio e integramos sus patrones en los revestimientos de acero corten. Los patrones ornamentales se proyectarán a las paredes del pabellón. Según la geografía de nuestro país, Gai-Kodzor es el lugar que tiene la temporada más larga de sol, así que decidimos usar sombras en el interior".
El diseño de la bodega cumple con todos los requisitos actuales de una arquitectura sostenible y respetuosa con el medio ambiente: los generadores eólicos, las baterías solares y otras tecnologías ayudan a ahorrar electricidad. El nuevo edificio es una especie de "museo" de tecnologías innovadoras y tradicionales. Cada habitación está dedicada a un tipo diferente de vino. "Al moverse por la bodega, uno puede ver todo el proceso de producción", promete Sergei Pereslegin. "El edificio ya tiene el equipo de procesamiento instalado y se ve absolutamente fantástico".
Descripción enviada por el equipo del proyecto. En el suburbio de París, ubicado en una zona de riesgo de inundación, este proyecto de 61 unidades de vivienda social aporta al objetivo de la Zona de Desarrollo Urbano (ZAC) de Confluencias Ivry para revitalizar la parte sur de este antiguo distrito industrial.
Fachada
Para garantizar una transición entre las escalas de las diferentes situaciones urbanas, el proyecto forma un entorno construido homogéneo compuesto por una serie de edificios que van de dos a siete pisos de altura. Este plan de altura escalonada va de la mano con una consideración de la gama de usos y tipologías, formas urbanas y modos de vida que forman una ciudad.
Los edificios en la esquina de la calle son viviendas colectivas y tienen una amplia vista sobre el vecindario, pero luego la altura gradualmente se desvía hacia la pequeña plaza en el lado sur, dividiéndose para formar un entorno intermedio de casas superpuestas. Esta tipología combina la necesidad de compacidad con la calidad de los hogares individuales o la vivienda colectiva a pequeña escala que refleja el pasado del barrio y cómo la gente siempre ha vivido aquí.
Las casas y pisos se elevan por encima del nivel del suelo, ya que el sitio está cubierto por las normas de prevención de inundaciones. Se llega a ellos por medio de un camino que pasa a través de las copas de los árboles de un parque al nivel del suelo, ofreciendo a los residentes una transición suave entre espacios privados, colectivos y públicos junto con una vista de todo el sitio.
Artistic add-on, Atelier YokYok pintó una anamorfosis en los porches, estableciendo un diálogo gráfico y lúdico con la arquitectura y el grupo escolar cercano.
Eva Franch participó en la pasada Bienal de Arquitectura de Chile, invitada por la organización con motivo de la versión en Valparaíso de uno de los proyectos más populares de Storefront, "Cartas al Alcalde". En aquella ocasión, Franch entregó 55 cartas escritas por arquitectos chilenos personalmente al alcalde de Valparaíso, Jorge Sharp. En ellas se plasmaban, dibujos, ideas y demandas por mayor participación y mejoras en la ciudad. Además, Franch aprovechó la instancia para compartir con la audiencia los principales hitos de su gestión a la cabeza del principal espacio para el Arte y la Arquitectura en Nueva York:
Una galería de 90 mts2 que busca disolver los limites entre interior y exterior, entre la arquitectura y la política, entre el caminante y el artista, entre el arquitecto y el poeta. Donde las etiquetas que la sociedad nos da, intentan borrarse para producir nuevas formas.
Franch es categórica en afirmar que los arquitectos hemos vivido encerrados en un espacio disciplinar, que a la larga, nos ha disciplinado de tal manera que hemos pasado a ser irrelevantes para la sociedad. ¿Cómo cambiamos esa percepción? Franch plantea tres tipos de arquitectos que debieran conjugar sus habilidades en un espacio dialéctico para devolvernos la voz en el debate público:
Cortesía de Bienal de Arquitectura de Chile "Diálogos Impostergables"
1. Arquitecto Facilitador: Individuos que realmente escuchan y que intentan producir colectividades. En ese espacio de facilitar, a veces sólo se perpetúan las condiciones existentes y los problemas, incluso cuando por detrás estén las mejores intenciones.
2. Arquitecto Iconógrafo: Intenta producir nuevas estéticas. Nuevas formas de mirar el mundo y representarlo, pero produciendo al fin y al cabo, formas extremadamente banales.
3. Arquitecto Agitador: Está en contra de todos y siempre esta buscando algo problemático, pero es incapaz de producir una solución de cualquier tipo por sí solo. Es similar al etnógrafo, que desde esa mirada distante es capaz de mostrar evidencias, pero no producir nuevas situaciones.
De esta manera, Storefront for Art and Architecture se presenta como una plataforma propicia para las discusiones y acciones provenientes de arquitectos facilitadores, que a su vez producen nuevas estéticas y denuncian esos espacios problemáticos del presente. Veremos cómo los nuevos curadores de este espacio logran perpetuar esta visión y liderar así proyectos capaces de dar mayor poder a la arquitectura.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. En el 2013, los arquitectos de Smartvoll salieron como ganadores del concurso publicitado internacionalmente para un loft en Panzerhalle. Su diseño cautiva a través de la específica dramaturgia espacial. En 350 metros cuadrados y dos pisos, la idea clásica de un "loft" es perceptible, sin embargo, se está reinterpretando en muchos aspectos. "Nunca juego con la fachada, no vivo allí", dijo Adolf Loos. Tal como Loos se ha preocupado por las definiciones de espacio, Smartvoll hace lo mismo, más de 100 años después. Un especial enfoque se basa en el agotamiento de los materiales y de lo que es tecnológicamente posible. La arquitectura se desarrolla en el interior. El concepto de habitación y material desarrolla lo encontrado y retiene lo establecido. El concreto pulido y encerado es uno de los materiales decisivos para dar forma al interior.
"Queríamos revitalizar el encanto original del espacio. La magnanimidad y la experiencia espacial de ambos pisos fueron las prioridades. En todas las dimensiones."
El espacio no solo se conserva, sino que se enriquece con cualidades completamente nuevas. Para garantizar un brillo constante en todas partes, Smartvoll decidió renunciar a las galerías típicas y, básicamente, dejar libre la ventana superior. El dormitorio, baño y la habitación están distribuidos en todo el espacio, como cuerpos separados. El epicentro de la sala es la cocina, un bloque de siete metros de longitud. Toda la composición se completa con una escultura de hormigón, o una escultura de escalera, que no solo abre todas las habitaciones, sino que también parece soportarlas.
Plantas
"A través de la escultura de la escalera, que se extiende a través de las habitaciones, no se ve el camino entre los niveles como una conexión vertical y funcional, sino más bien como una eléctrica experiencia espacial."
Incidentalmente, la escultura divide la habitación, crea un techo sobre la cocina, huecos y alzados y, por lo tanto, le permite mantenerse en movimiento y ver todo desde cualquier lugar. Lo mismo se aplica a la ducha de vidrio, que sobresale del bloque de baño completamente de vidrio a una altura de cinco metros. La decoración tipo James-Bond se puede encontrar por todas partes. Lo más destacado, aunque un poco escondido, es el área de bienestar. Con chimenea incluida.
Las escaleras son una arquitectura dentro de la arquitectura. Hormigonada dentro de la casa, la ingeniería se explota en todos sus aspectos. Un objeto tierno con dimensiones mínimas, pero con un tremendo impacto espacial. Además del hormigón, solo se utilizan materiales sutiles y semitransparentes para separar el área de invitados, como Profilit. Esto se observa en las cortinas para el dormitorio o en los muebles integrados, que son como una repisa de acero colgante. Todos los demás muebles parecen estar integrados en la construcción. Una imagen inalterable, que celebra solo el espacio libre.
"Las conexiones del espacio y las visuales se mantienen maravillosamente intactas y la sala no se corta en diferentes cuerpos, pero se puede experimentar perfectamente con su impresionante altura de ocho metros".
En el nivel inferior, la sala está conectada a dos balcones. Sin embargo, incluso esta fachada se alinea con la escultura de hormigón en la inclinación; los balcones se ven como nichos adicionales del concepto general. Estos presentan un jardín Zen contemplativo, que incluye una loma cubierta de hierba, un árbol de jazmín y una clásica terraza de relax.
En ArchDaily queremos ver a más mujeres mostrando sus proyectos al mundo y recibiendo el reconocimiento que merecen por su obra. Hoy se celebra el día internacional de la mujer y junto a nuestras lectoras y lectores, queremos seguir dando visibilidad al valioso aporte que día a día millones de compañeras entregan al campo de la arquitectura.
Invitamos a todas las arquitectas que dirigen su propia oficina de arquitectura y que aún no han tenido la oportunidad de ver sus trabajos publicados en ArchDaily, a que participen de esta convocatoria abierta mostrándonos parte de su trabajo. Comparte con nosotros el link a tu portafolio, mostrando al menos 3 proyectos de arquitectura de tu autoría. Pueden ser obras construidas o sin construir, participación en concursos, renders, etc.
De todos los portafolios que recibamos, seleccionaremos una muestra diversa, proveniente de distintas partes del mundo y grupos etarios, de los mejores trabajos de arquitectura realizados por mujeres. Participa completando el formulario con tus datos hasta el jueves 22 de marzo.
Importante: El link debe dirigir a un sitio web, portafolio en PDF o archivo único en google drive. El link NO debe dirigir a una carpeta comprimida (.zip, .rar) ni a una carpeta con archivos sueltos en su interior.
El anhelado Teatro Regional del Bío Bío abrió finalmente sus puertas al público en una inauguración que contó con la presencia de la Presidenta de Chile, Michele Bachelet. Esta apertura era esperada con ansias y Bachelet así lo manifestó en su discurso de bienvenida: "El concurso internacional de arquitectura lo ganó Smiljan Radic en 2011, y recién en 2015 pudimos empezar a construirlo. Hemos querido inaugurarlo varias veces, y por fin está aquí, con su volumen imponente".
El diseño de Smiljan Radic, en el que también participaron los arquitectos Eduardo Castillo y Gabriela Medrano, fue ganador del Concurso Público impulsado por el Área de Arquitectura del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes -actualmente, Ministerio de las Culturas y las Artes- y se potenciará como polo de desarrollo artístico, intercambio y difusión de creadores y cultores de la región y el resto de Chile.
Tuvimos la oportunidad de conversar con Smiljan Radic acerca del término de esta importante obra que se suma a la red de espacios y centros culturales públicos de todo el país:
Es una obra que tiene connotación pública, social y política. En cuanto a la arquitectura tiene mucho de experimentación. Que se haya hecho este edificio es importante. Humildemente, dentro de la arquitectura nacional, creo que es un punto importante, no porque el edificio sea bueno, sino porque el edificio tiene grados de experimentación que normalmente en la arquitectura pública chilena no se consideran.
Radic ha generado vínculos estrechos con Concepción, lugar de nacimiento de su socio Eduardo Castillo. En los últimos años, ambos trabajaron intensamente en la región, desarrollando de manera simultánea el Teatro Regional y el recientemente inaugurado Centro Cívico de Boca Sur en San Pedro de la Paz:
Lamentablemente, Concepción se ha transformado en trabajo para mí. Y el trabajo suena muy creativo pero es un trabajo pesado. Me gustaría venir de vacaciones de vez en cuando (risas). Pero es un vínculo que ya tiene 20 años, es algo importante… Y cuando estábamos haciendo el proyecto, también siempre en la oficina estaba Concepción porque Eduardo era de Florida y ese era el vínculo más físico, más real. Pero siempre Concepción para mí ha significado trabajo y tratar de hacerlo de la mejor forma posible.
Le preguntamos también acerca de su más reciente publicación que recopila la parte más esencial de su obra y que fue lanzado a fines del año pasado. El libro titulado "Obra Gruesa", hace un guiño a una recopilación de la producción poética de Nicanor Parra de 1969. Coincidentemente, esa misma noche, el primer espectáculo que recibiría el Teatro Regional del Bío Bío sería un homenaje a la cantautora chilena Violeta Parra, hermana del anti-poeta:
En el prólogo de mi libro “Obra Gruesa, Arquitectura Ilustrada por Smiljan Radic” aparece una referencia explícita a Nicanor Parra y de la recopilación de sus 7 primeros libros. Nicanor Parra ocupa Obra Gruesa haciéndole un guiño a la Arquitectura y yo ocupo Obra Gruesa haciéndole un guiño a la Poesía. Es un juego… pero es explícitamente copiado.
Ícono La forma debe ser contundente. Si no, no es forma. Un volumen de dos plantas de hormigón visto se enclava en la roca generando un voladizo que ocupa una tercera planta en forma de basamento de madera. Hormigón gris. Madera natural. Metal negro. Agua, roca y vegetación. La pileta de cristal parece flotar en la misma agua que contiene. No hay ventanas. Solo ausencia de muros. La roca y el hormigón. Lo pétreo y lo pétreo.
Contexto Un terreno con una pendiente muy pronunciada en un consolidado barrio residencial con vistas a la bahía de Palma de Mallorca. Maximizar las vistas y protegerse de las miradas de los vecinos. Ver sin ser visto. Investigación El encofrado del hormigón se ha realizado con paneles fenólicos a los que se clavaron tablas de pino de 12.5 cm de alto y de dos espesores variables. Se conformó un módulo de 1 metro de alto formado por 8 tablas de 12,5 cm de alto con espesores alternados. Esta repetición permitió una rápida ejecución y una re utilización de los encofrados. La disposición aleatoria pero repetitiva de los diferentes espesores, crea unas sombras que rompen con la idea del módulo repetitivo. Se ha hormigonado toda la vivienda sin una sola junta de hormigonado vertical. Las juntas horizontales se han hecho coincidir con tablas de diferentes espesores por lo que prácticamente son invisibles.
Materia Hormigón madera metal cristal verde agua luz Sistema Planta acceso: cocheras, hall de entrada, dormitorio principal Planta pública: living, cocina, comedor, terraza cubierta. Planta privada: dormitorios, piscina interior, sauna y dependencias técnicas. Techos altos, grandes ventanales. Espacio fluido y mínimamente delimitado.
Vínculos La vivienda potencia el vínculo del usuario con la naturaleza a partir de su contemplación sin contacto. Grandes espacios y grandes superficies de agua evocan la lejana pero presente bahía. Crear paisaje en un terreno escarpado. La terraza de acceso es una experiencia onírica que busca desconcertar a la vez que evoca una seguridad etérea. Para provocar un efecto de fusión con el paisaje, la pileta es desbordante en tres de sus lados y el último medio metro está formado por dos cristales de 15 mm pegados a una lámina de seguridad.
Humedades por filtración, por condensación, por fugas o roturas de tuberías; fisuras y grietas en tabiques, fachadas, columnas o vigas; corrosión, deformaciones y desprendimientos son algunas de las más comunes patologías que pueden afectar a un edificio a lo largo de su vida útil y que son necesarias detectar para poder subsanarlas y mantener el buen estado del edificio previniendo cualquier tipo de accidente o siniestro.
En este sentido, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) ha presentado su primera campaña de concienciación ciudadana bajo el título ‘Arquitecto de la Casa’, con el objetivo de sensibilizar sobre la necesidad, y las ventajas, de conservar los edificios de forma permanente, siendo los más cualificados para ello los arquitectos especializados.
Según los datos aportados por el COAM, en la ciudad de Madrid cerca del 55% de los edificios fueron construidos antes de 1900 y únicamente un 26% entre 1960 y 2000. Además, según datos del Departamento de ITE del Ayuntamiento de Madrid, el 44% de las ITE presentadas hasta 2011 resultaron desfavorables. La mayoría de las deficiencias se encontraron en fachadas, patios, cubiertas y azoteas. Las ITE desfavorables en fachadas y patios pasaron de ser del 34% en el año 2000 al 55% en el año 2009. Por su parte, las ITE desfavorables en cubiertas y azoteas subieron en cuatro puntos, del 23% en el año 2000 al 27% el año 2009.
Pero hay más, según el estudio “Patología de la Edificación: propedéutica” las lesiones se duplican en el centro de la capital española, siendo los dos principales agentes patógenos el agua y los factores humanos. Así, se estima que cuatro de cada diez edificios presentan lesiones derivadas de fugas en sus zonas húmedas como cuartos de baño y cocina, ascendiendo a ocho edificios de cada diez en el centro de la capital española. Además, el 30% de los edificios presenta lesiones derivadas de un mantenimiento insuficiente o nulo, uso indebido u obras incorrectas, ascendiendo a un 50% en los edificios del centro de Madrid.
Todos estos datos justifican y hacen necesaria la campaña 'Arquitecto de la Casa’ promovida por el COAM, que tiene como objetivo por un lado concienciar a la sociedad de la importancia de mantener en buen estado los edificios y, por otro, poner en valor la figura del arquitecto, sus capacidades y funciones. Según el decano de la institución, José María Ezquiaga, “el Arquitecto de la Casa mantiene el edificio en buen estado anticipando problemas, ahorrando gastos, minimizando daños, aportando soluciones y gestionando el proceso de la ITE para generar seguridad a los vecinos”, y añade, “los edificios no se conservan solos, y el paso del tiempo también les afecta, por eso es necesario un profesional experto, como el Arquitecto de la Casa, para aumentar la calidad de vida de los vecinos y hacer de Madrid una ciudad más habitable”.
La campaña de información tiene su propia página web, y contará con jornadas técnicas y encuentros ciudadanos. Así mismo, el COAM servirá como facilitador de contactos de “Arquitectos de la Casa” a través del teléfono 91 595 15 70 y el correo electrónico arquitectodelacasa@coam.org.
La casa PYE se encuentra implantada en un lote muy angosto y profundo en Escobar, zona norte de la provincia de Buenos Aires, Argentina, el cual cuenta con la presencia de una gran medianera que se ubica en la orientación Norte.
Plantas
El proyecto de esta casa respondió al desafío de atender a las expectativas de una pareja joven, con la necesidad de una vivienda donde formar su familia, como así también de las particularidades del lote.
Como primera decisión se tomó volcarse hacia la medianera, pero manteniendo una distancia de esta mediante un patio en planta alta que genera el ingreso de luz natural desde el centro de la vivienda hacia el resto de sus espacios. Otra de las decisiones fue el abrirse hacia sutilmente al frente, al lateral y hacia arriba, y de una manera más contundente al contrafrente para integrarse de una manera casi imperceptible con la galería, ya así con el jardín. Siempre con la premisa de desdibujar los límites entre interior y exterior
La luz, como uno de los principales materiales de la arquitectura, fue utilizada en este proyecto de una manera indirecta, haciendo que ingrese en mayor medida por el patio y las terrazas ubicadas al sur que de forma directa en todos los espacios, lo que generó una atmosfera única.
El vacío central generado en el corazón de la casa une espacios en altura y transversalmente, permitiendo que la planta baja y la planta alta queden integradas.
Diagrama
Diagrama
La casa se organiza en dos plantas. Una planta baja bien compacta y una planta alta más esparcida con un gran vacío en el centro que, por un lado, vincula ambos niveles desde este vacío, y por otro, llena de luz toda la casa desde el centro. En planta baja se ubican el hall, el estar, el comedor, la cocina y los servicios. En la planta alta se organiza en dos sectores, la de los futuros niños y la de la pareja, generando de esta forma una casa flexible a los cambios de la familia a lo largo del tiempo.
Buscando una casa ventilada e integrada a la naturaleza, utilizamos ventilación e iluminación natural en el 100% de los ambientes, mediante aventanamientos que recortan y encuadran cada fragmento del paisaje, intensificado por un patio interno ubicado en el piso superior y una gran terraza verde.
Corte
La sustentabilidad se trabajó esencialmente desde el diseño bioambiental mediante una implantación teniendo en cuenta las orientaciones y el dinamismo del sol y los vientos, iluminación natural en todos los espacios, ventilación cruzada y fresca mediante espejos de agua, terraza verde para la aislación de la planta baja y la recolección de agua de lluvia para el riego.
El 8 de marzo es una fecha fijada por la ONU en 1975 para recordar la lucha por la igualdad de derechos y el sufragio universal. Esta conmemoración reúne los esfuerzos de mujeres que exigían su derecho al voto, al trabajo, a una formación profesional, a ocupar cargos públicos y a combatir la discriminación laboral.
Esta lucha es el fruto del trabajo que mujeres que se sacrificaron por la causa. Diversos acontecimientos que vivimos día a día evidencian que la situación social ha cambiado. Sin embargo, es fundamental que tanto hombres como mujeres nos comprometamos con el progreso y la justicia para hacer que las cosas sucedan.
La lucha en el ámbito arquitectónico de México ha sido representada por diversas mujeres que han ido en contracorriente dejando una huella significativa en la historia. Tal es el caso de María Luisa Dehesa (1912-2009), quien fue la primera mujer en México que recibió el título de arquitecta o Ruth Rivera Marín (1927-1969), hija de la escritora Guadalupe Marín y del pintor Diego Rivera quien fue la primera mujer en ingresar a la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del Instituto Politécnico Nacional de México.
No obstante, creemos que esta historia se sigue tejiendo entre generaciones. Es por eso que nos dimos a la tarea de recopilar las historias y el trabajo de quince arquitectas que además de contar con reconocimientos y premios a nivel internacional, construyen con sus gestos de hoy, el mañana de la arquitectura y de las mujeres en México.
Ingrid Moye
Cortesía de Ingrid Moye
Ingrid Moye es co-fundadora del estudio de arquitectura Zeller & Moye que opera de forma global y multidisciplinar, con un método de trabajo de experimentación extensiva, y con el objetivo de articular propuestas relevantes para el mundo contemporáneo. Desarrollan proyectos de todas las escalas y de diversos programas que van desde el diseño de objetos, hasta planes maestros urbanos. Su trabajo pivota en la intersección entre arte, diseño y arquitectura, entendiendo a cada proyecto como un concepto único y específico.
Egresadas de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y co-fundadoras de la oficina joven de arquitectura que radica en la Ciudad de México: PALMA.
En la oficina nos preocupa idear soluciones integrales e individuales a cada problema arquitectónico, con base en un detallado análisis del contexto inmediato y a través de un proceso de diseño abierto a la experimentación y exploración, emprendemos la búsqueda hacia una arquitectura de atmósferas con identidad única, que conmuevan y pertenezcan.
Actualmente desarrollamos proyectos en México, Estados Unidos y Noruega. A final del 2016 estuvimos a cargo de la museografía para la exhibición de Archivo “MXCD01-Presente”. Finalistas de los concursos LIGA y Pabellón Arquine, ambos en el 2016.Incluidos en la selección “Young Mexican Firms” del sitio web Divisare.A finales del 2017 obtuvimos el primer lugar en el concurso “Juguetes Urbanos” organizado por Laboratorio para la Ciudad y fuimos seleccionados como 1 de los 5 finalistas en el concurso Feria Internacional de las Culturas Amigas 2018 "FICA".
Regina Galvanduque
Cortesía de Regina Galvanduque
Regina Galvanduque, (México, 1984) es fundadora y directora de GLVDK. Vive y trabaja entre Nueva York y México, Después de graduarse y recibir el Premio de Diseño en Diseño Arquitectónico de Parsons School of Design en 2008, trabajó para Taller de Enrique Norten en la ciudad de Nueva York.
En 2010 dirigió el Departamento de Experiencia y Marca en Grupo MYT y en 2011 fundó GLVDK. Desde 2011, Regina ha enfocado su práctica en la arquitectura, el diseño de interiores, la escultura artística, el diseño, la producción, la curaduría y las instalaciones efímeras. Su principal desafío es entregar proyectos que tengan un enfoque especial en investigación de materiales e integración de contexto.
Jimena Hogrebe
Cortesía de Jimena Hogrebe
Jimena Hogrebe Rodríguez (CDMX, 1982) ve la arquitectura como una mezcla de prácticas reflexivas y creativas que permite exploraciones desde diversas trincheras. Es por eso que ha buscado moverse tanto en el diseño y el desarrollo de proyectos, como en la investigación, la escritura y la enseñanza. Esta combinación, al igual que el trabajo con otras disciplinas como la literatura, le ha permitido construirse su propio camino a veces solitario y otras ricamente acompañado.
Es arquitecta por la UNAM (2001-2007) y estudió un MA in Architectural History en The Bartlett School of Architecture en Londres (2009-2010). De forma independiente y en colaboración se ha dedicado al diseño y desarrollo arquitectónico, a la investigación y a proyectos alternativos. Forma parte de Colectivo de UNO ganadores del concurso público para construir Paseo Parián, el pabellón para la FICA 2017 en el Zócalo de la CDMX. También forma parte de Obra en Obra, proyecto de intervenciones artísticas en espacios arquitectónicos en construcción. Trabajó en NGB Arquitectos y en InSitu desarrollando proyectos públicos y privados.
Obtuvo la beca Marcelo Zambrano de CEMEX en 2009 y la beca Jóvenes Creadores del FONCA 2010-2011 y 2015-2016. Ha expuesto proyectos de investigación y diseño en México, Londres y Roma. También ha sido conferencista en diversas instituciones y jurado en distintos concursos nacionales. Ha publicado en medios como ArchDaily, Arquine, Baumeister, Blog de Crítica, Domus México, La Tempestad, Materia Arquitectura y, hoy en día, escribe una columna mensual de opinión en PortaVOZ. Recientemente participó en el libro Nuño Mac Gregor De Buen publicado por Arquine en 2017. Es profesora de asignatura en la UNAM y en Centro, y profesora de medio tiempo en la Universidad Anáhuac México.
Isabel Martínez Abascal
Cortesía de Isabel Abascal
Isabel Martínez Abascal es arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid, co-fundadora de LANZA-Atelier. Estudió en la Technische Universität de Berlin, y en la Vastu Shilpa Foundation de Ahmedabad (India). Colaboró con los estudios SANAA (Tokyo), Aranguren y Gallegos (Madrid), Anupama Kundoo (Berlin) y Pedro Mendes da Rocha (São Paulo).
Ha sido profesora de proyectos durante seis años en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Escola da Cidade, en São Paulo. Ha participado como profesora en el XXIV Taller Internacional de Cartagena, en la Bienal Iberoamericana de Medellín 2010, en el Seminario Internacional de Curitiba 2012 y en el Workshop Rio Olympics de la California College of the Arts 2012. Participó de la curadoría de la X Bienal de Arquitectura de São Paulo, 2013 y curó la exposición 13 para el ciclo inaugural del Museo La Conservera, Murcia 2014 y la exposición Instrumentos Visionarios de la artista Almudena Lobera para el Museo ECCO, Cádiz 2015.
Dirigió desde Julio de 2015 hasta Agosto de 2017, la plataforma LIGA, espacio para arquitectura DF, dedicada a la exposición, divulgación y discusión de la arquitectura latinoamericana.
vía Comunal Taller de Arquitectura
Mariana Ordóñez Grajales
Chetumal, México 1986. Co-fundadora de Comunal Taller de Arquitectura. Cursó la carrera de Arquitectura en la UADY. Cuenta con Maestría en Arquitectura, Diseño y Construcción Sustentable por la Universidad del Medio Ambiente y cursa la Maestría de Vivienda en Centro. Su práctica profesional se caracteriza por el desarrollo de proyectos comunitarios en zonas rurales. Profesora en la UIA en el taller de Impacto Regenerativo. Becaria del FONCA Jóvenes creadores 2016-2017.
Jesica Amescua Carrera
Ciudad de México, México 1983. Co-fundadora de Comunal Taller de Arquitectura. Arquitecta egresada de la UIA. Cuenta con maestría en Análisis, Teoría e Historia de la Arquitectura por la UNAM y es doctoranda en el Programa de Arquitectura de la misma institución. Fue becaria del FONCA-CONACULTA en el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2010-2012. Es profesora titular en la UIA en el Taller Vertical: Proyectos de Impacto Regenerativo.
Margarita Peredo
vía Un día una arquitecta
Arquitecta por el ITESO (Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente) y Maestra en Teoría e Historia de la Arquitectura por la Universidad Politécnica de Cataluña en Barcelona.
Previo a fundar Macías Peredo, ha colaborado en diversos despachos a nivel nacional e internacional. Ha sido crítica y ponente invitada en diferentes universidades y ha exhibido su tema de investigación en torno a Mathias Goeritz en diversos foros nacionales.
Desde 2010 es profesora en los talleres de proyectos del ITESO en la ciudad de Guadalajara y Co-directora de Estudio Macías Peredo.
Creo que nuestro trabajo es crear espacios con responsabilidad. Responsabilidad hacia el usario y hacia la ciudad. Y a través de ese ejercicio transformar las condiciones aprovechando al mismo tiempo las condiciones y recursos. La Arquiectura es el uso responsable de estos recursos.
La arquitectura es un medio para crear espacios dignos que enriquezcan la experiencia de los usuarios, tanto en lo individual como en lo colectivo. Destacando y dignificando las características especificas de cada sitio y sus materiales. Sumando así pequeñas obras que a su vez vayan tejiendo una mejor y más digna ciudad.
Andrea Soto
Cortesía de CEMEX
Arquitecta egresada del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente [ITESO] en Guadalajara, México y co-fundadora de ATELIER ARS. Andrea Soto posee un MLA en Harvard Graduate School of Design. Fue ganadora de la beca CEMEX Arquitecto Marcelo Zambrano en 2015. Conferenciasta en Harvard GSD como parte del ciclo GSD latino, Boston Architectural College BAC, Taller Max Cetto UNAM y todas las principales universidades de México.
Entre los premios de su oficina destacan: el proyecto de comercio palangrero nominado para el premio Mies Crown Hall Americas. Instituto de Tecnología de Illinois Chicago. 2016, Project Levering Trade finalista en X Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo. São Paulo, Brasil. 2016, Design Vanguard 2015. Architectural Record Magazine, Premio Emerging Voices 2015. The Architectural League of New York, Concurso para el Centro del Departamento de Cultura de la Universidad ITESO. Primer premio. 2015, entre otros.
Alejandra Abreu
vía AS-Arquitectura
Arquitecta. Nace en la Ciudad de Mérida, Yucatán el 8 de junio de 1978. Cursa la carrera de Arquitectura en la Universidad Marista de Mérida a la cual representó en el XVII concurso a la composición arquitectónica Ing. Alberto J. Pani realizado en la Ciudad de México.
En su desarrollo profesional trabajó de 1998 a 2004 en la firma Duarte Aznar Arquitectos en proyectos como la Unidad Deportiva Inalámbrica, el Instituto Regional Oncológico de Yucatán, remodelación del Mercado de Santa Ana, Conjunto Habitacional Kin-Ha, Hospital Regional de Alta Especialidad, entre otros.
De 2002-2004 labora como profesora en la Licenciatura en Arquitectura de la materia de “Computación en Arquitectura” en la Universidad Marista de Mérida.cDe 2003-2004 participa como coordinadora académica de la licenciatura en Arquitectura en la Universidad Marista de Mérida.
En 2004 funda junto con su hermano Xavier Abreu la firma AS Arquitectura + Diseño SCP en la cual labora como socia hasta la fecha y con la cual ha desarrollado diversos proyectos y obtenido varios reconocimientos y publicaciones.
Estudié la carrera de Arquitectura en el Tec de Monterrey campus Guadalajara, hice mis prácticas profesionales en el despacho de Tacher Arquitectos, en donde empecé también mi primer trabajo como directora del proyecto Pabellón Casa Herradura (IX Bienal de Arquitectura Jalisciense). Después de esto me independicé para realizar el proyecto de Restaurante y Jardín de eventos Tierra Adentro (Medalla de Plata en la 2a Bienal de Jóvenes Arquitectos y Medalla de Oro en la IX Bienal Iberoamericana de interiorismo CIDI 2017-2018).
Actualmente estoy trabajando en proyectos de varios giros como hotelero, residencial, oficinas y comercial. No tengo una visión 100% definida, cada año evoluciona mi perspectiva, sin embargo, puedo decir que creo en 4 cosas primordialmente al trabajar en cualquier proyecto o idea: 1) El buen diseño sí puede cambiar el mundo, 2) No hay proyecto pequeño, 3) Siempre se aprende algo nuevo de todos los oficios, 4) Y última pero más importante: “compartir”, compartir ideas, compartir, conocimiento, compartir la información; ya que todo el mundo esta relacionado y debemos ayudarnos a que todo tenga un mejor resultado.
Paola López Carrillo
Egresada de la carrera de arquitectura del Instituto Tecnológico de Tepic, se abrió camino para poder participar en diferentes concursos y eventos a nivel latinoamericano. El arte y la pintura siempre fueron las herramientas básicas para desarrollarse como arquitecta y posteriormente como paisajista. Fue seleccionada como ponente por el Programa Interinstitucional para el Fortalecimiento de la Investigación y el Posgrado del Pacifico, contribuyó con investigación para el Centro Interdisciplinario de Investigación y Estudios sobre Medio Ambiente y Desarrollo del Instituto Politécnico Nacional (CIIEMAD) 2010. Tuvo Mención Honorifica a Nivel Latinoamericano por el proyecto Hábitat 4, en el Taller Social Latinoamericano realizado en Quito, Ecuador en el 2011.
Beatríz García Moreno (izq.), María Paula González Bozzi, Lina Toro, Ana Elvira Vélez, María Cecilia O'Byrne. Image
En el último tiempo el Día Internacional de la Mujer ha recuperado el significado político de sus inicios, aglutinando algunos de las discusiones más recientes en torno a la mujer: la brecha salarial, la denuncia de abusos sexuales a través del movimiento #MeToo y, en el caso particular de nuestra disciplina, la visibilización de la mujer en la arquitectura. Zaha Hadid llegó a decir que se sentía "duramente juzgada por [el hecho de] ser mujer", a pesar de ser ganadora del Premio Pritzker en 2004.
Si le sucedía a ella, imagínense al resto.
En ese sentido, en ArchDaily en Español hemos abierto la discusión y nos sentimos orgullosos de visibilizar el trabajo de mujeres arquitectas en todo el mundo, además de asociarnos con interesantes proyectos latinoamericanos en esa misma línea, tales como Un día, una arquitecta. En esta edición del Día Internacional de la Mujer hemos unido fuerzas con la publicación impresa colombiana de-Arq (Universidad de Los Andes) para conocer el trabajo de cinco arquitectas colombianas contemporáneas, quienes representan distintos enfoques complementarios dentro de nuestra disciplina: diseño, investigación, docencia y experimentación.
A continuación, les invitamos a conocer algunas de las principales reflexiones de las arquitectas elegidas y los invitamos a estar atentos a la publicación semanal de sus entrevistas bajo este tag, a partir del próximo jueves 15 de marzo.
María Cecilia O'byrne: tras el legado de Le Corbusier
Arquitecta de la Universidad de los Andes. Académica, gestora e investigadora con particular interés en el trabajo de Le Corbusier tanto en Colombia como en el resto del mundo. Magíster de Historia, Arte, Arquitectura y Ciudad en la Universidad Politécnica De Cataluña (1992-1993) y Doctorado en Proyectos Arquitectónicos en la misma institución entre 2001 y 2008. Profesora asociada del Departamento de Arquitectura de la Universidad de los Andes y directora de la Revista Dearquitectura entre 2008 y 2010. En categorías relacionadas a teoría e investigaciones, O'byrne ganó la XXlV Bienal Colombiana de Arquitectura; obtuvo segundo premio en Bienal de Quito 2012 y mención en la VIII BIAU de Cádiz.
Nunca soñé con ser otra cosa que arquitecta [...] Sin embargo, a lo que se le da visibilidad hoy en día, en general es tan pobre, que pareciera una ventaja no ser visible en un mundo que peca por la banalidad. Hay que trabajar por el gusto de hacerlo, porque uno se siente mejor ser humano haciendo lo que hace, porque haciéndolo de ese modo, seguro el mundo que se transforma con ese trabajo lo hace para mejor. Pero lo cierto es que estamos en una sociedad (y no me refiero solo a la colombiana) que olvidó que el único objetivo de esta vida es ser felices y el trabajo no está dando esa felicidad.
Ana Elvira Vélez: vivienda social, vivienda de calidad
Ana Elvira Vélez. Image Cortesía de Ana Elvira Vélez
Arquitecta de la Architectural Association School of Architecture. Fue profesora en la Universidad Pontificia Bolivariana hasta 2006. Participó como jurado para la Bienal Boliviana en La Paz en octubre de 2004, y para la VII Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (BIAU) en Madrid en 2010. Vélez fue ganadora del premio “Germán Samper Gnecco” de la XIX Bienal Colombiana de Arquitectura y ha recibido dos menciones de honor en la Bienal Colombiana de Arquitectura (2000 y 2006).
Mi primer encargo fue un proyecto de vivienda colectiva para mi padre y fue en ese encargo que encontré uno de los campos que más me interesan. He diseñado y construido más de 2.000 viviendas colectivas de baja altura en Medellín y la región de Antioquia, de forma privada o pública. Sin importar su escala o ubicación, cada proyectos define un nuevo vecindario a través de una secuencia de umbrales que denomino “espacios intermedios” que reinterpretan las formas de habitar de nuestra región: balcones, terrazas que divisan la ciudad, escaleras, puentecillos que salvan las diferencias de nivel para dar acceso a la vivienda y antejardines.
Lina Toro: pedagogía y diseño
Lina Toro. Image Cortesía de Lina Toro
Graduada con honores por la Universidad Pontificia Bolivariana (UPB) de Medellín, Colombia -acreditada por el RIBA- (2001) y arquitecta española homologada por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, España (2007). Es directora en linatoro.arch y tercera parte de dosmasunoarquitectos.
Yo me acerqué a la arquitectura por pura intuición. Aunque no tuve arquitectos en mi entorno cercano, es verdad que viví en casas muy especiales que me hicieron observar con atención. Mi padre es ingeniero y economista; mi madre publicista y amante de la pintura. Fue ella quien me estimuló de pequeña en el dibujo y la pintura. Mi padre, como buen “paisa”, me empujó a Medellín para hacer la carrera. En la UPB se ha generado el cambio más importante del mundo en materia de urbanismo, eso te hace ver las cosas con mayor ambición y claridad.
Beatríz García Moreno: arquitectura, poesía y psicoanálisis
Beatríz García Moreno. Image vía Youtube / screenshot
Arquitecta de la Universidad Nacional de Colombia (sede Medellín), con estudios de Maestría en Psicoanálisis y Clínica del Sujeto y del lazo social del Instituto de Altos Estudios Universitarios y doctorado en arquitectura del Georgia Institute of Technology. Sus investigaciones se han centrado en la poética, las artes, la arquitectura y la ciudad. Fue Decana de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia entre 1998 y 2002. La misma institución le otorgó la Medalla al Mérito en el Área de las Artes (2010) y desde 2013 es miembro de la Asociación Mundial de Psicoanálisis.
Las mujeres aportan no solo en los temas tradicionales de la arquitectura para los cuales está perfectamente capacitadas, sino también en los temas ancestrales que han constituido su habitar en el mundo, y en los que se derivan de su propia condición femenina. La disposición de muchas mujeres para ser guardianas de la memoria y de la vida hace que en muchas ocasiones se destaque su participación en temas relacionados con la historia y el patrimonio. De igual modo, su vocación milenaria por el desciframiento de códigos, parece ser un antecedente importante para un desempeño notable en los temas de teoría y crítica.
María Paula González Bozzi: diseño participativo y sostenibilidad
María Paula González Bozzi. Image Cortesía de María Paula González Bozzi
Directora Ejecutiva de la Fundación Laboratorio de Arquitectura Juligon, fundación centrada en la realización de proyectos de mejoramiento de vivienda y de diseño participativo, enmarcados en la innovación, sostenibilidad y exploración de materiales. Además de obtener distinción en la convocatoria de Responsabilidad Social de la Arquitectura por el Consejo Profesional Nacional de Arquitectura (CPNAA), la fundación ha ganado la convocatoria Proyecta Colombia (2013) y el Concurso Distrital ‘Haciendo Placemaking’ otorgado durante el III Foro Internacional de Espacio Público de Bogotá.
En nueve años de liderar este fundación hemos beneficiado a más de 9.000 personas que han participado en talleres, construcción colectiva o mejoramiento de espacios y viviendas. La gestión de estos proyectos me ha llevado por el camino del liderazgo y la gerencia, complementando mi formación de arquitecta y mi gusto por el diseño. Tengo la convicción de aportar desde lo que nos apasiona en transformar la realidad de nuestro país, con las herramientas de gestión que harán posible realizar proyectos de mayor escala e impacto. Acompaño todo esto del aprendizaje a través de la experiencia, con cursos y viajes, que me ayudan a conocer el mundo, distintas realidades y aproximaciones.
Liderado por Cazú Zegers y GrupoTalca, AndesWorkshop 2017 se realizó entre mayo y junio pasado en Patachoique, Lonquimay (Chile), junto a la comunidad mapuche de Arenales. Este proyecto tiene como objetivo diseñar junto a estudiantes y comunidades locales el Mirador de la Corona, el cual ha tenido un gran impacto para las comunidades pehuenches, sirviendo como activador del macro proyecto Ruta Pehuenche.
Cortesía de AndesWorkshop
El objetivo de AndesWorkshop es explorar la cordillera de los Andes, analizar su paisaje, compartir con sus habitantes, su pasado y entender sus orígenes. Se busca generar junto a arquitectos, alumnos y sus habitantes un monumento arquitectónico low- tech, utilizando el mínimo de recursos para poder entregar la máxima expresión en el espacio, otorgando así valor al territorio.
Según explican los organizadores, este proyecto fue postergado el 24 de junio del año nuevo mapuche —We Tripantu—, ya que se generaron tormentas de nieve, las cuales cubrieron el lugar del trabajo, por lo que se terminará este mes de marzo junto a los mismos participantes y Pedro, guía del proyecto Pinohuacho de GrupoTalca.
Cortesía de AndesWorkshop
Uno de los estudios que se realizó durante el workshop fue El Escarabajo y el Piñón, ejercicio que analiza cómo el territorio es capaz de transformar un cuerpo, dando a conocer el gran parecido entre estas dos especies. Esto da a entender la importancia del enlace entre el entorno y el cuerpo.
Cortesía de AndesWorkshop
Este año AndesWorkshop 2018 se realizará en Plazoleta Negra (Santiago, Chile) entre el 11 de mayo y el 24 de junio. Este proyecto consistirá en diseñar y construir un punto de descanso y observación, para los visitantes que recorren la ruta de Santiago a la Parva.
Casa Aira, obra de Cazú Zegers, será el taller de estudio. En este lugar se compartirán actividades artísticas, paralelas al estudio arquitectónico, tales como talleres de guión, danza, teatro, escenografía; poesía, carpintería, territorio y grabado, os cuales serán impartidos por Cristian Silva-Avaria, Checoslovaquia, Claudio Valdés, los hermanos Ducci, Sergio Elortegui y Teresa Montero, respectivamente.
Cortesía de AndesWorkshop
Cortesía de AndesWorkshop
Cortesía de AndesWorkshop
© Nicholas Iyadurai
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