Descripción enviada por el equipo del proyecto. RoarcRenew renovó el espacio de Carlowitz & Co. (del tercer al quinto piso) en Middle Jiangxi Road en un espacio único para trabajar en equipo. El edificio original, construido con grandes piedras naturales y ladrillos rojos en 1898, fue la arquitectura más grande entre todos los edificios públicos de concesión en Shanghái. La renovación continua durante los últimos años reconstruyó la arquitectura de la estructura de madera original a una estructura de acero. En este proyecto, RoarcRenew mantuvo la estructura original, los muros de hormigón y la textura arquitectónica reparados.
El diseño de RoarcRenew mantuvo el concepto de infundir un aliento histórico y cultural especial en el nuevo espíritu del espacio, haciéndose eco de la imagen de una Iglesia de la Santa Trinidad neo-gótica frente a esta arquitectura ecléctica, Carlowitz & Co. RoarcRenew rediseñó el ático en el piso superior (quinto piso) con la idea de arco y axisimetría, dividiendo el espacio en tres partes: vestíbulo principal en el medio y pasillos a un lado. La profundidad deseada de la forma y la estética geométrica del espacio formaron un diálogo entre lo viejo y lo nuevo. Los arcos en forma de espina de pescado marchaban como un conjunto, conectando el interior y el exterior, el pasado y el futuro. Es un recurso para la Iglesia de la Santísima Trinidad.
Planta
Para la decoración interior, los elementos curvados se aplicaron en gran medida para heredar el estilo ecléctico, ej: la proporción de construcción de tres zonas y ventanas de arco. Los materiales indicaron tres capas: la primera es la aplicación de mármol y terrazo; la segunda son las paredes de madera blanda y ladrillo, y la tercera los cristales extremadamente limpios, que presentaron completamente los componentes y materiales originales del edificio.
RoarcRenew comenzó con respecto a la historia, buscando la posibilidad de mantener el ritual único y el espíritu de campo de cada espacio desde su propia visión, y así liberar la historia en un nuevo contexto.
El emblemático cine Metropol, diseñado por el arquitecto Javier Goerlich en Valencia (España), está siendo protagonista de un nuevo capitulo de peligro de derribo y desaparición del legado patrimonial arquitectónico español del siglo XX. Un nuevo episodio en el que la especulación y la insensibilidad cultural, histórica y patrimonial parece ganar una nueva batalla.
Según el informe hecho público el pasado 22 de marzo de 2018, el cual fue encargado y presentado por la Concejalía de Desarrollo Urbano del Ayuntamiento de Valencia, se concluye que “el edificio no alcanza el interés suficiente como para ser incorporado al Catálogo del Plan, ni en tanto que inmueble representativo de la arquitectura "racionalista" valenciana, ni tampoco en su vertiente "Art-déco"”. De esta manera, el histórico inmueble queda en una situación de desprotección absoluta y se abre la puerta a que pueda ser derribado para en su lugar construir un Hostel.
El cine Metropol fue inaugurado en 1932 y el arquitecto Javier Goerlich Lleó fue el encargado de su diseño. Goerlich, que trabajó primero como arquitecto particular y más tarde como arquitecto municipal, es uno de los arquitectos más influyentes e importantes de la reciente historia de la ciudad de Valencia en la que construyó más de 600 edificios. Además, fue impulsor del movimiento racionalista que triunfaba en toda Europa y supo conjugarlo con elementos ornamentales del Art Déco, siendo el cine Metropol un claro ejemplo de ello.
Desde que se conoció la noticia del derribo del edificio, diferentes colectivos civiles como la Plataforma Salvemos Metropol, el Círculo por la Defensa y Difusión del Patrimonio Cultural Valenciano o la propia Fundación Goerlich han iniciado una campaña a través de distintas acciones con el objetivo de evitar su derribo y desaparición y defender los valores históricos, artísticos, patrimoniales, culturales, sociales y estéticos que este inmueble posee.
La propia Plataforma Salvemos Metropol, a través de Change.org, ha lanzado una petición dirigida Ayuntamiento de Valencia y Generalitat Valenciana en la que se pide paralizar el derribo y solicitar la inclusión del edificio en el Catálogo de Bienes y Espacios Protegidos del Ayuntamiento de Valencia con la categoría de Bien de Relevancia Local (BRL).
Además, solicitan “que se proceda a una inspección completa y detallada de todo el edificio para que los técnicos evalúen y comprueben el estado de la fachada y del interior del mismo, para constatar la posible existencia de elementos decorativos y ornamentales, singulares e irremplazables, de estilo Art Decó y Racionalista, propios de la construcción original de los años 30.”
El objetivo último de esta iniciativa es el de salvar y recuperar para uso social o cultural el último cine que queda de la época en la cual Valencia fue capital de la Segunda República Española. Un lugar de referencia y reunión de las figuras históricas más representativas de este periodo, tales como Ernest Hemingway, Orson Wells o Miguel Hernández, entre otros.
Por otro lado, el pasado 14 de septiembre de 2017 el Síndic de Greuges (defensor del pueblo) de la Comunitat Valenciana presentó un informe manifestando su disconformidad con el derribo del edificio del antiguo cine Metropol y recomendando a la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana y al Ayuntamiento de Valencia que, se valorara técnicamente la procedencia de declarar el edificio como bien de relevancia local.
Por su parte, la Fundación Goerlich espera llegar a un acuerdo beneficioso para todas las partes y en caso de ser necesario no descarta acudir a la justicia.
Ubicación: Carrer de Castelló, 17, 46004 Valencia, España
Área: 135.0 m2
Año Proyecto: 2017
Cortesía de Nihil Estudio
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Resulta sorprendente ver cómo, aquello que habla de vida y evolución, parece estar prácticamente abandonado. González Fotografía y Astronomía, era y sigue siendo uno de los centros de fotografía y astronomía con mayor prestigio a nivel nacional. En esta ocasión todos los elementos de la intervención se han hecho a medida y en especial para el proyecto, por lo que no ha existido ninguna colaboración con marcas externas, sino que ha sido un trabajo hecho a medida para este cliente en particular. Desde las lámparas hasta las cortinas y las estanterías. Así mismo, se ha hecho un trabajo de recuperación del mueble mostrador original, recuperando un elemento de presencia “histórica” de la empresa.
Planta
Cortesía de Nihil Estudio
Nuestras altas expectativas al encarar a este proyecto, contrarrestan con un sentimiento que se divide entre la sorpresa, la admiración y el desconcierto, al ver por primera vez un local de tal prestigio donde la falta de espacio para almacenaje, hace predominar el desordenentre lentesy telescopios de alta precisión. Fundada en 1948, esta empresa familiar que abrió su primera tienda en Valencia, está dirigida actualmente por una tercera generación que ha sabido renovarse, transformándose en mucho más que una tienda de fotografía. González Fotografía y Astronomía ha incorporado a su actividad productos ópticos como telescopios astronómicos terrestres, microscopios, prismáticos... Contando con una de las mejores exposiciones de España en esta materia.
Cortesía de Nihil Estudio
La tradición de una empresa con gran trayectoria y a su vez la tecnicidad de los mecanismos de estos instrumentos, que vivenen constante evolución y parecen tener una cierta simbiosis con el futuro, nos dio a entender que en este proyecto precisaríamos de reminiscencias a lo tradicional y al mismo tiempo, de un espacio que diera paso a la imaginación. Un reto, más que un proyecto, que parte para Nihil Estudio de la carencia de referentes en materia. La planta, nos recuerda a nuestra propia visión a través de una cámara fotográfica, como si lo que se captase fuera el propio local en lugar de un paisaje. Los recorridos son sencillos, ligeros, nada impide la circulación por el interior de la tienda. La entrada de luz natural se potencia con el uso del blanco, que ahora inunda el interior del local. Toda una pared se aprovecha para generar una doble piel blanca que oculta el almacenaje y es capaz de crear al mismo tiempo espacios expositivos.
Cortesía de Nihil Estudio
Fomentando la sensación de estar dentro del ocular de un telescopio, Nihil E studio abrió y vació el espacio, se oscurecieron los techos, con el azul de la propia marca, y como si del cosmos se tratara, se generó un espacio de exposición para los telescopios que cuenta con unas constelaciones que iluminan y generan una segunda, y más divertida, vi da al espacio. Esta particular zona cuenta con una cortina que recorre toda la pared lateral de González Fotografía y Astronomía y en la que a su vez se oculta una zona de fotografía del estudio. Este espacio polivalente, de carácter ciertamente teatral, se destaca con una relación de planos seriados que dividen el interior de suelo a techo, un juego con el que Nihil Estudio distribuye y da cabida a los diferentes usos necesitados, separándolos y conectándolos al mismo tiempo.
Cortesía de Nihil Estudio
Haciendo un guiño hacia la primera generación de González Fotografía y Astronomía que se adentró en el mundo de la fotografía, desde Nihil Estudio se decidió recuperar dos muebles esquineros que formaban parte del antiguo mostrador, utilizándolos ahora como almacenaje de apoyo para esta misma zona. Un elemento atemporal, rotundo y con carácter, que aporta calidez a la par que es capaz de transmitir los valores de seriedad y profesionalidad que la empresa ha logrado afianzar con el paso de los años. La intervención de Nihil Estudio pretende destacar la unión de diferentes usos en un mismo espacio. Potenciando los elementos comunes que los relacionan y respetando al máximo lo que los diferencia. Generando así un espacio polivalente que permite al usuario moverse con libertad, cambiando ligeramente la actividad. Una intervención que promueve la curiosidad y el conocimiento frente al desconocimiento que supone el universo en sí.
Cortesía de Nihil Estudio
Axonométrica Explotada
Cortesía de Nihil Estudio
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ubicado en un terreno estrecho en Venice, California, el Flower Duplex es una unión de opuestos. Iniciado por una pareja local que tenía estilos opuestos, Modal Design resolvió las necesidades programáticas al reemplazar un dúplex existente con una nueva estructura que combinaba su estética distintiva. Si bien el proyecto fue bastante directo programáticamente, estéticamente la tarea fue más desafiante ya que sus ideas para su nuevo hogar eran distintas. Ella: una casa rústica y potencialmente tradicional que evocara imágenes de los graneros viejos de su estado natal en Colorado. Él: un espacio moderno y abierto conectado al aire libre.
El deseo del cliente de nutrir su estrecha relación con su inquilino de larga data y maximizar las áreas de estar también jugó una parte en la mezcla. La resolución llegó a través de un edificio con forma de signo de interrogación que ofrecía espacios exteriores tanto privados como comunes. Dos jardines exteriores fueron tallados de la masa del edificio, cada uno programado para actividades y necesidades individuales, tales como comer, relajarse y cenar, y responder a la trayectoria del sol. Un patio privado cerca de la calle cubierto de hierba para los perros del propietario aprovecha el sol de la mañana, mientras que un patio más público en la parte posterior se aprovecha del sol de la tarde y de la proximidad de una cubierta para comer al aire libre. Este espacio público posterior se comparte entre las unidades de arriba y abajo, permitiendo la interacción física y visual entre los clientes y sus inquilinos.
Diagrama 1
Arquitectónicamente, el diseño utiliza la materialidad y su aplicación para resolver las diferencias estéticas de los clientes. Los materiales tradicionales, como los revestimientos de madera recuperada rescatados de vallas en Montana, están integrados en una estructura moderna y aerodinámica. Su aplicación de tablero con reverso sugiere una paleta tradicional, pero ofrece un toque más distintivo y moderno. Se usaron techos inclinados que se encuentran típicamente en casas tradicionales y graneros, pero con costuras metálicas. Se inclina para maximizar la privacidad y para optimizar la penetración de la luz a través de claraboyas y pozos de luz.
En el interior de la casa, los materiales en la unidad inferior incluyen pisos de concreto pulido para una mayor durabilidad y el mismo revestimiento de madera recuperada aplicada como un acento en los techos de la sala de estar principal. El énfasis en la eficiencia del espacio y el interés en mantener grandes áreas al aire libre tuvo como resultado habitaciones pequeñas pero confortables y espacios combinados, especialmente una isla de cocina extendida que sirve no solo como el centro de la sala de estar principal, sino también como la mesa principal.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El Pabellón Educativo de Orquídeas está ubicado en los Jardines Etnobotánicos de Oaxaca, México. Dentro de los muros de la Iglesia y el antiguo Monasterio de Santo Domingo de Guzmán (1572-1666). Es parte de una de las ecologías biológicamente más diversas del mundo y también es parte de un conjunto de experiencias culturales. Los artistas mexicanos Francisco Toledo, Luis Zárate y el antropólogo y biólogo Alejandro de Avila comenzaron a crear el conjunto cultural que se convertiría en el Jardín Botánico de Santo Domingo en el verano de 1994. Esperaban coronar su logro con un pabellón para cultivar diversas especies, realizar experimentos y enseñar a la comunidad.
Planta
El Pabellón Educativo Orquídea está destinado a apoyar las condiciones para el cultivo de diversas especies a través de sistemas sostenibles (energía cero) mientras es un edificio mínimamente invasivo. Está diseñado como una herramienta interactiva para educar a las generaciones futuras en la vastedad de la biodiversidad de la región e inspirar una implantación más amplia de la arquitectura sostenible. La pequeña cantidad de energía que necesita para sus sistemas pasivos de refrigeración y riego es provista por paneles solares remotos y un sistema geotérmico. Al mismo tiempo, las unidades modulares permiten que la estructura se extienda, desmonte o mueva por completo si es necesario.
Courtesy of FGP Atelier
El Pabellón ofrece una experiencia única dentro de los Jardines Botánicos a través de su materialidad y la forma en que enmarca su contexto. Un ecosistema completamente autosostenible que desafía a los visitantes a considerar cómo podrían vivir de una manera más sostenible así como a reflexionar sobre lo que se requiere para sustentar la vida de especies delicadas y que podría requerirse para sostener nuestra propia existencia delicada en el futuro.
Courtesy of FGP Atelier
Elevación + Sección
Courtesy of FGP Atelier
La idea de transparencia total fue fundamental en el diseño. Los tablones del piso para la escalera y la plataforma de observación son una rejilla abierta para permitir la luz y las vistas desde todas las direcciones hacia las cámaras. Su diseño se basa en cinco elementos: la cámara oeste (cámara caliente), la cámara este (cámara fría), la escalera central (que recoge la lluvia), la plataforma de observación y el sistema geotérmico. Las cámaras este y oeste son cajas rectangulares de vidrio orientadas en el eje norte-sur para provocar una ventilación cruzada natural. Están ubicados a ambos lados de la escalera central y están diseñados para funcionar con criterios térmicos muy diferentes.
Courtesy of FGP Atelier
El acondicionamiento se proporciona a través de un sistema geotérmico que inyecta aire frío en las cámaras desde el suelo subterráneo a través de 2 unidades de tratamiento de aire que funcionan con paneles solares. La escalera central lleva a los visitantes a través de las cámaras hasta la plataforma de observación desde donde se pueden experimentar impresionantes vistas hacia la iglesia y los jardines botánicos, así como una oportunidad para contemplar el contenido de la planta curada desde una perspectiva elevada. Debajo de la escalera, la lluvia es recolectada y almacenada para ser utilizada por el sistema de enfriamiento por evaporación que soporta los sistemas de enfriamiento y riego. Además, la mayoría del edificio ha sido hecho a mano, fabricado y ensamblado en el sitio por artesanos de Oaxaca.
Colectivo Tomate es una organización civil con base en Puebla conformada por 20 artistas, abogados, arquitectos, diseñadores, nutriólogos y administradores que han intervenido alrededor de ocho ciudades en todo México para invitar a las personas a tomar acción en las calles para generar una transformación y demostrar el poder del ciudadano en las comunidades, así como fortalecer los lazos de las comunidades.
El 30 de septiembre de 2013 en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, Colectivo fue reconocido con el premio Quórum por el proyecto de Ciudad Mural, este premio respalda, entre otras categorías, el uso estratégico del diseño, con el objetivo de crear impacto como agente de cambio en la calidad de vida de la población y como ingrediente clave para el desarrollo de la innovación, la productividad y la economía del país.
Ciudad Mural es un proyecto social, artístico y comunitario que ha sido realizado desde el año 2009 en distintas ciudades a lo largo de la República Mexicana. A través del diálogo y el arte, Colectivo Tomate busca contar las historias de personas que habitan en las comunidades para reforzar la identidad local apoyado por procesos sociales que tienen como resultado la elaboración de murales colectivos.
La selección de las ciudades se lleva a cabo mediante un proceso de scouting por parte del equipo de Colectivo Tomate y generalmente son barrios o colonias fundacionales puesto que son las colonias que quedan más rezagadas y olvidadas, tal es el caso del Barrio de Xanenetla, Puebla. Una vez encontrada la ciudad y el barrio, el colectivo se encarga de tocar puerta por puerta para invitar a la gente a participar.
"No es un proyecto invasivo, la gente es la que decide participar, incluso hay gente que no quiere que pintemos su casa pero se ofrecen para participar en los talleres que hacemos durante todo el festival. Son ellos los que toman la desición, se hacen juntas vecinales, talleres. No llegas a imponer tus ideas, llegamos a escuchar a las personas es importante entender que es un proyecto por y para la comunidad, para que tanto artistas como voluntarios vengan y sepan que se están liberando del ego de artistas. Estos murales cuentan la historia de las familias y mientras no se tenga su aprobación no se puede empezar a pintar, el mural es la consecuencia de haberlos conocido y de haber convivido con ellos." comentó el equipo de Colectivo Tomate.
El proyecto Ciudad Mural Villahermosa tuvo como resultado 40 murales elaborados con el talento de 26 artistas: seis locales, 10 nacionales de ciudades como Oaxaca, Ciudad Juárez, Puebla y CDMX, así como 10 internacionales provenientes de países como España, Colombia, Argentina y Brasil, quienes escucharon las historias de la comunidad y que posteriormente las plasmaron en murales.
"Yo empecé de voluntaria en Monterrey, estando aquí me di cuenta de muchas cosas que no había visto antes y me pregunté: ¿qué es lo que dejé de hacer como ciudadana que no veía el valor de la comunidad a la que pertenezco? Lo que siempre le decimos a la gente es que no somos nosotros los transformadores ni los salvadores de una comunidad,sino que buscamos mostrarles el valor y el poder que ya tienen para que sean ellos mismos quienes puedan generar proyectos nuevos que detonen mil cosas más. Los proyectos son mejores cuando se trabajan en conjunto y nosotros siempre estamos juntos, nosotros y la comunidad con la que trabajamos." Melisa Mata, Gestora de Medios de Colectivo Tomate.
Recorrer Ciudad Mural Villahermosa durante los días de pinta fue una experiencia que te abrazaba en todos los sentidos, la gente salía de sus casas a ofrecerte agua, comida, botanas, sonreían a las cámaras. Las calles se inundaron de niños que te contaban el proceso y se enorgullecían de su casa de colores, las firmas de los murales además de ser de los artistas son de los voluntarios que apoyaron todo el movimiento. La gente se empieza a sentir más segura en su lugar porque la narrativa del sitio cambió, pasa de ser el barrio delictivo a ser el barrio de los murales con las historias de las personas que lo habitan.
Con este proyecto el Colectivo Tomate y Comex a través del programa de impacto social ‘Comex por un México Bien Hecho’, inician un nuevo año de trabajo en el que seguirán impulsando la transformación a lo largo y ancho de la República Mexicana, sumándose a las Ciudades Murales, ubicadas en La Paz, Baja California; Cholula, Puebla; Saltillo, Coahuila; Zacatecas, Zacatecas; Tuxtla Gutiérrez, Chiapas; Culiacán, Sinaloa; Puebla, Puebla y Monterrey en Nuevo León.
En esta edición del Día Internacional de la Mujer hemos unido fuerzas con la publicación impresa colombiana de-Arq (Universidad de Los Andes) para conocer el trabajo de cinco arquitectas colombianas contemporáneas, quienes representan distintos enfoques complementarios dentro de nuestra disciplina: diseño, investigación, docencia y experimentación.
Hoy conversamos con Lina Toro, arquitecta colombiana cofundadora de dosmasunoarquitectos. actual directora de linatoro.arch y profesora del IE University en España. "Creo que el problema reside en la incapacidad del sistema para reconocer la excelencia", comenta Toro.
Yo me acerqué a la arquitectura por pura intuición. Aunque no tuve arquitectos en mi entorno cercano, es verdad que viví en casas muy especiales que me hicieron observar con atención. Mi padre es ingeniero y economista; mi madre publicista y amante de la pintura. Fue ella quien me estimuló de pequeña en el dibujo y la pintura. Yo crecí con la idea de estudiar arte, el problema es que la mejor universidad en ello formaba también a intelectuales de las FARC.
Mi padre, como buen “paisa”, me empujó a Medellín para hacer la carrera. En la UPB encontré un entorno vibrante. Allí se ha generado el cambio más importante del mundo en materia de urbanismo, eso te hace ver las cosas con mayor ambición y claridad. Carlos Mario Rodríguez, Jorge Pérez, Alejandro Echeverri, Giovanna Spera, Alejandro Restrepo entre otros, fueron referentes muy importantes en mi formación. Y ni qué decir de mis amigos Carlos Betancur, Eduardo Peñaloza, Luis Roberto Durán… es gente imparable que está haciendo grandes proyectos no sólo de arquitectura, sino pedagógicos, algo que me interesa particularmente.
Al terminar la carrera gané un concurso con mi PFC para hacer la ampliación del Museo Pedro Nel Gómez. Sin embargo, como las cosas no terminaban de despegar en Colombia decidí salir a comerme el mundo. A mí me encanta viajar, así que quedarme en un sitio fijo con 20 años me parecía algo impensable.
Así empezó todo. De Colombia salté a España (aunque ya había estado en Mallorca de prácticas), luego a Londres, Rotterdam… hice varios intentos de entrar a trabajar con Siza, que fue muy agradable conmigo. Pero trabajar en Europa en principio no fue fácil porque ser de Colombia es un infierno en materia de permisos y visados.
Pero yo había conocido a Ignacio Borrego en un workshop de arquitectura en Madrid, y él vivía en Holanda y trabajaba en MVRDV. Como no enamoramos, me fui a vivir allí sin pensármelo dos veces. Gracias a él, Jacob van Rijs me hizo sitio en el estudio. Esa fue la mejor etapa de mi aprendizaje porque dio la casualidad de que les hacían un Croquis, y yo tuve que restaurar y hacer las todas las maquetas que faltaban para esa publicación. Además, los holandeses son las personas más desprejuiciadas, creativas y operativas que he conocido. Fue una experiencia única.
Estando en Rotterdam, Ignacio, Néstor Montenegro y yo fundamos dosmasunoarquitectos. Empezamos a hacer concursos y a petarlo, como se dice en España. Fue increíble, fue el gran despegue. Los tres nos complementábamos de una manera brutal. Hicimos más de un centenar de concursos, dirigimos varios temas editoriales, entre ellos la revista Arquitectos del Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España. Trabajamos mucho y mereció la pena, pues sentamos las bases de lo que somos ahora. De ello quedó una gran amistad y una obra construida fantástica como las 102 viviendas de Carabanchel.
¿Qué personas y referentes han marcado tu carrera como arquitecta?
Lina Toro (LT): En la universidad me ha influenciado la gente que ya he mencionado. En mi periplo de juventud, Federico Climent, Ángel Hevia, Gabo Golomb, MVRDV, Almudena Ribot, y sin duda, mis primeros socios en dosmasunoarquitectos, Ignacio y Néstor.
Pero a quien le debo casi todo lo que sé es a Juan Herreros. Siendo estudiante admiraba y seguía el trabajo de Ábalos & Herreros, y posteriormente tuve la fortuna de empezar a dar clases con Juan. Ya son casi 20 años de amistad y 10 dando clases a su lado en la ETSA de Madrid. Es el mejor profesor que he visto en escena y una de las personas más inteligentes que conozco. Siendo profesora con él, le escucho como si fuera una alumna más. Nunca deja de sorprenderte.
También me ha influido mucho Manuel Ocaña, con quien tengo unas conversaciones muy estimulantes sobre libros en general y sobre arquitectura.
También están mis alumnos más inquietos, se hayan formado en mi oficina o en la escuela conmigo. Es increíble verlos crecer y progresar, entre ellos está mi mejor amigo, Carlos Ramos, quien es una pieza importante en el engranaje de BIG en Dinamarca.
¿Qué mujer arquitecta colombiana —histórica o contemporánea— deberíamos conocer en profundidad?
LT: Ana Elvira Vélez es para mí una de las mejores. Tiene una cabeza muy estructurada y sus proyectos de vivienda social son excepcionales. Recientemente he podido conocer a María Elvira Madriñan y a Ximena Samper, y no puedo admirar más su trabajo como arquitectas polinizadoras. Además, alimentan y enriquecen el legado de Rogelio Salmona y de Germán Samper con toda generosidad y entrega, dos personajes fundamentales de nuestra cultura arquitectónica.
La paridad de género en las salas de clases universitarias no condice con el escenario del mundo laboral. Algunos lo atribuyen a la invisibilización y desconfianza en la mujer, otros exclusivamente a temas de méritos. Desde tu punto de vista, ¿qué crees que sucede?
LT: Yo no creo que sea un tema de desconfianza hacia la mujer, como de inseguridad de verse diezmado por nuestra presencia ocupando altos cargos.
Que hay techos de cristal, los hay. Pero en realidad creo que el verdadero problema reside en la incapacidad del sistema para reconocer la excelencia. También hay una dificultad muy grande que tiene que ver con la conciliación, pues la sociedad no está educada para entender el rol del padre o de la madre en un ambiente profesional. Además, hay fuertes desequilibrios en los núcleos familiares, donde la mujer antepone la maternidad, porque no encuentra los mecanismos o el apoyo para desarrollar una profesión en paralelo sin tener que morir en el intento.
También he de decir que en Colombia hay ambientes que son hardcore en materia machista. Recuerdo que mi pareja fue invitada a un famoso taller de arquitectura al que le acompañé. Estando yo allí, siendo además colombiana, a ningún señor le interesó que fuera arquitecta o pensó que tuviera algo importante que decir. Fue terrible y muy sintomático. Pero son casos muy específicos porque luego hay otros entornos que son todo lo contrario.
¿Qué otros temas crees que la visibilización de grandes arquitectas aporta a la disciplina, además de la defensa de la igualdad de género en la disciplina?
LT: ¡Nada más y nada menos que el enriquecimiento de la profesión y el progreso como sociedad! Creo que la visibilización del trabajo bien hecho, ya sea masculino o femenino, siempre ensancha los referentes; suma, construye conocimiento. Negar esas cuotas de visibilización es como pactar con la ignorancia y la mediocridad.
¿En qué proyectos te encuentras trabajando en la actualidad?
LT: Ahora mismo acaba de entrar a mi oficina —linatoro.arch—, un proyecto muy emocionante y de escala muy interesante porque tiene que ver con el territorio. Si sale a buen puerto, será importante en mi trayectoria porque de alguna manera recogerá muchas de las reflexiones teóricas planteadas alrededor del turismo, en las que estuve trabajando durante 5 años como co-directora del proyecto fin de grado en el IE University. Siempre intento que mi trabajo en la academia tenga impacto dentro de mi obra como diseñadora de proyectos.
En paralelo al estudio estoy trabajando en mi tesis doctoral que persigue sentar las bases de un futuro marco pedagógico para la enseñanza y aprendizaje del proyecto de arquitectura. Llevo 10 años dando clase y siento que durante este tiempo he conseguido madurar algunas cuestiones dentro del el ámbito la educación.
También sigo colaborando intermitentemente con algunos medios de arte y arquitectura escribiendo artículos sobre edificios. Es un trabajo que me entretiene mucho, pues me permite escribir y hacer crítica al mismo tiempo. Me gusta mucho poder tener la cabeza activa y que me pidan opinión para hablar de arquitectura.
En el último tiempo el Día Internacional de la Mujer ha recuperado el significado político de sus inicios, aglutinando algunos de las discusiones más recientes en torno a la mujer: la brecha salarial, la denuncia de abusos sexuales a través del movimiento #MeToo y, en el caso particular de nuestra disciplina, la visibilización de la mujer en la arquitectura.
Cristián Fernandez Arquitectos participó en el concurso Puerta Las Condes, organizado por la inmobiliaria INDESA. Las bases del concurso requerían desarrollar un programa de usos mixtos con gran cantidad de espacio público y de alta densidad urbana en la intersección de avenida Apoquindo con Manquehue (Santiago, Chile).
El proyecto consta de dos estructuras, el edificio de oficinas y el de viviendas. Estas buscan emplazar los volúmenes en forma de "L", de esta forma las vistas de ambos edificios quedan despejadas y permite un buen asoleamiento a toda el área comercial. El acceso peatonal del edificio de oficinas es por medio de un hall de triple altura desde la esquina sur-oriente del terreno. El edificio residencial accede directamente desde la calle O ́Connell a su hall de acceso. El área comercial posee cuatro accesos desde el nivel calle y un acceso desde el nivel subterráneo del metro.
Cortesía de INDESA
Las circulaciones interiores del proyecto son absolutamente diferenciadas. El edificio de oficinas tiene su acceso por la esquina sur-oriente, conectándose directamente a sus ascensores y escaleras. El edificio residencial accede desde la calle O’Connell a su propio sistema de circulaciones verticales. El área comercial tiene ascensores y escaleras mecánicas, además de escaleras de evacuación y montacargas.
Cortesía de INDESA
La terraza del 4to nivel es una “plaza pública para el proyecto” provista de parrones, vegetación, bancas y sombra. En ella pueden desarrollarse ferias o eventos que requieran mayor espacio horizontal. Esta plaza elevada, con vistas lejanas y buena orientación, tiene acceso desde todas las áreas del proyecto y servirá para los eventos comerciales o como área de esparcimiento para los residentes y oficinistas del proyecto.
Cortesía de INDESA
Como estrategia, los edificios en altura se emplazan en los perímetros del terreno, liberando el área central (destinada al comercio) de estructuras más rígidas y contundentes. El edificio de oficinas se estructura en base a un sistema de marco rígido y losas postensadas, que es la manera más eficiente y económica de construir plantas libres con una modulación estándar de 8x8 mts. El edificio de departamentos está estructurado en base a muros. Todos los edificios integrados en este proyecto están relacionados a través de la madera o texturas cálidas en distintas expresiones y usos. Este material comunica calidez, entregando un sentido de vida relacionado con la naturaleza. La madera en su estado natural ofrece una gran variedad de opciones de trabajo. Se puede lograr una combinación llamativa y envolvente al ser incorporada en materiales de alta tecnología, materiales con apariencia y textura de madera, gamas de colores y texturas neutras en materiales sintéticos. La idea es implementar todo este repertorio discriminando usos, contacto visual o de tacto, interior, exterior, etc.
Cortesía de INDESA
El proyecto global propone un criterio de diseño integrado, en donde primero el diseño pasivo (no mecánico) reduce significativamente las posibles demandas energéticas operacionales. La propuesta considera un sistema de envolvente pasiva que responde a las singularidades de cada orientación según sus parámetros de asoleamiento, acceso de luz natural, riesgos de sobre radiación y condiciones de obstrucción de contexto. En términos generales se propone una envolvente térmica “primaria” en base al sistema de muro cortina con acristalamientos de alto rendimiento térmico y visual. La envolvente primaria se combina con una segunda envolvente exterior en base a un entramado geométrico regular encargado de aumentar el porcentaje de sombreamiento sobre cristales y acomodar los sistemas parametrizados variables de obstrucción solar. Este entramado secundario actúa además como factor atenuante de los efectos de viento sobre la fachada sur (mayores velocidades de viento por efecto de Av. Apoquindo), mitigando así el efecto de aumento de perdidas térmicas por las fachadas más frías del edificio. La envolvente del edificio residencial considera uso de aislación térmica exterior (tipo EISF), conteniendo así las pérdidas térmicas de calefacción en invierno y mejorando la temperatura radiante interior.
Cortesía de INDESA
Se propone un criterio global de desacoplamiento de los sistemas de climatización (entrega de frío/calor), los cuales son centrales a cada edificio respecto de la entrega de aire de ventilación. La ventilación se realiza en forma segregada con equipos ubicados en cada piso, en donde además se incorporan recuperadores de calor. De esta forma se atienden las singularidades de confort por ventilación en cada piso. De acuerdo a análisis de simulación, estos sistemas varían en forma importante en el sentido vertical de la propuesta y se evita sobre exigencias a sistemas térmicos centralizados.
El tratamiento paisajístico de la plaza exterior elevada y las cubiertas de los edificios integra vegetación y materiales que reducen el efecto calor de isla urbano. Para esto, se consideran profundidades de medio de crecimiento suficientes para acomodar vegetación con follaje relevante y diversidad de flora. El criterio de diseño permite anticipar una certificación leed de alto rango para el proyecto propuesto.
Cortesía de INDESA
El área comercial se organiza en 5 niveles, los que contienen la totalidad de los locales. Los locales comerciales se agruparon en tres categorías: a.-Los de “servicio”, que son principalmente locales de destino predeterminado y con menor afluencia de acceso espontáneo. Estos locales los emplazamos en el nivel inferior del área comercial, el cual está más alejado de los accesos principales del nivel calle. b.- Los “restoranes y área gourmet" están emplazados en el nivel superior del área comercial, en donde se producen las mejores condiciones de luz natural, vistas y lejanía de los flujos más intensos. c.- Finalmente están los locales “retail” emplazados en los tres niveles centrales, en donde naturalmente se producen las áreas más calientes en cuanto a circulaciones y densidad de personas, lo que facilita el acceso espontaneo a estos locales.
Cortesía de INDESA
Peatonalmente se accede por cinco accesos al área comercial. Aprovechando el desnivel del terreno, se genera un acceso en la esquina sur poniente que va directo desde el nivel calle hasta el nivel Zócalo -1. Con una pendiente imperceptible de un 7%, se desarrolla un segundo acceso a mitad de cuadra por Avda. Apoquindo que accede directamente al primer piso. Por Av. Manquehue se genera un tercer acceso que se abre a los flujos que vienen del oriente y por Av. Alonso de Córdova se abre un cuarto acceso.
Cortesía de INDESA
El área comercial se abre hacia Av. Apoquindo en un acceso amplio, una invitación a entrar que permite mostrar el interior del área comercial. En ese lugar se emplaza un anfiteatro, en donde las personas pueden sentarse y contemplar lo que sucede al interior. Este anfiteatro permite además configurar un sector para espectáculos urbanos de pequeña escala, enriqueciendo el carácter de este proyecto. La organización de los locales y circulaciones en torno a un “patio vacío central”, permite tener una visión amplia y de conjunto del área comercial y de sus diferentes sectores.
Cortesía de INDESA
El edificio de oficinas, se ubica en la esquina principal del proyecto, transformándose por su altura y dimensiones en un hito para el sector. Este sector de Av. Apoquindo con Manquehue es un área donde existe una gran diversidad de edificios en altura de diferentes épocas, destinas materialidades, tamaños y diseños. Se podría afirmar que es una zona con mucho “ruido visual”. La propuesta considera incorporar un edificio extremadamente simple en su volumetría, evitando gestos, curvas o elementos superfluos que solo producirían más ruido en el contexto. Una trama regular, rítmica y cartesiana distingue a este volumen de su entorno.
Cortesía de INDESA
La configuración de las planta de oficinas, ubicando el núcleo de circulaciones y servicios al centro, permite una gran flexibilidad y la posibilidad de generar eventuales subdivisiones eficientes al interiores de cada piso de oficinas. La modulación y dimensión propuesta para los cristales de fachada permite generar divisiones interiores de las plantas de oficina, sin colisionar geométricamente con el diseño exterior de las fachadas del edificio. Esto permite una subdivisión interior eficiente que armoniza con las fachadas exteriores.
Para el edificio residencial se propone una planta tipo de 13 departamentos, en donde el pasillo de distribución común es iluminado con luz natural. Esta planta alberga dos departamentos “familiares” (71 m2) de dos dormitorios y dos baños con cocina separada, cuatro departamentos “mariposa” (57 m2) que permiten dos residentes equivalentes y siete departamentos de un dormitorio (40 m2). El promedio de este mix es de 50 m2. El diseño incorpora tres ideas para las terrazas. La primera es agrupar la totalidad de los m2 de terraza de los departamentos solo frente al estar, esto permite aumentar el fondo útil de la terraza. La segunda alternativa es dejar pensado un lugar para una posible parrilla o mesa lateral, sin obstruir las circulaciones o vistas al exterior. La tercera opción es permitir que las ventanas correderas que están en el estar se puedan abrir completamente, invisibilizandose desde el interior del departamento. Así el estar se integra con la terraza exterior. Este edificio, al igual que el edificio de oficinas, cuenta con un sistema simple que genera sombras en las fachadas que tiene mucha exposición a la radiación solar. La fachada sobre la calle O ́Connell está dotada con una celosía que permite disminuir la acumulación de radiación solar.
Cortesía de INDESA
Los vehículos que accedan al nivel -3 podrán optar por tres áreas diferentes de estacionamientos (los estacionamientos comerciales, los de oficinas o los del edificio residencial). De igual forma, los vehículos que evacuen el edificio y que vengan de cualquier zona de estacionamientos, podrán elegir en el nivel -3 su salida hacia cualquiera de las tres calles perimetrales.
"¿Dónde están las arquitectas?" Despina Stratigakos, historiadora de arquitectura y profesora, lo mencinó en su libro sobre las mujeres en la práctica. (Incluso tituló su libro en esa misma pregunta). El sentimiento fue ciertamente rotundo, bien entendido por muchas mujeres que han trabajado en la profesión y tuvieron que atravesar una ciudadela masculina. Sabemos que el número de mujeres en la arquitectura es pequeño, y se vuelve más pequeño cuanto más alto miramos.
Por eso queríamos destacar a las mujeres que están innovando en arquitectura, dirigiendo prácticas y allanando el camino. Para celebrar el Día Internacional de la Mujer este mes, lanzamos una convocatoria abierta para reconocer a las mujeres que dirigen sus propias empresas en todo el mundo. Y si nunca antes hubiéramos publicado sus proyectos, los íbamos a destacar.
Lo que encontramos fue un increíble grupo de mujeres que nos impresionaron con sus diseños, su ética de trabajo y su dedicación a la profesión. Estas mujeres no solo diseñan y crean, sino que lideran equipos, administran oficinas y, finalmente, dan el salto para ser sus propios jefes y hacer las cosas a su manera.
1. Ânia Gabriel Abrantes
Oficina: Ânia Gabriel Abrantes arquitectura | Aveiro, Portugal
Cortesía deÂnia Gabriel Abrantes arquitectura
Ânia basa su práctica en el siguiente principio: cada proyecto se entiende como un caso singular. Con esta filosofía busca integrar el arte y la arquitectura a una red obligatoria de relaciones entre el proyecto, el trabajo, el sitio, el marco, el programa, las limitaciones y, en última instancia, los usuarios.
2. Husna Rahaman
Oficina: Fulcrum studio | Bangalore, India
Cortesía de Fulcrum studio
Somos aventureros, descubridores y compañeros de juego traviesos. Esta alegría y calma viene a través de las líneas que dibujamos, los sueños que tejimos y el celo con el que reivindicamos nuestra realidad: el proyecto terminado.
3. Roxana Mendoza
Oficina: Agave Arquitectos | Hermosillo, México
Cortesía de Agave Arquitectos
Veo mi trabajo como una misión diaria para satisfacer las necesidades humanas básicas. La arquitectura es una oportunidad para transformar las ciudades y tengo el poder para hacerlo. Yo, como arquitecta, soy consciente de la ciudad. Tengo la capacidad de decirle a la gente lo que es bueno y malo, lo que será una satisfacción temporal o un placer eterno. La arquitectura es magia, define nuestro comportamiento. Las ciudades no viven a través de las personas, viven a través de la arquitectura. La gente viene y se va, la buena arquitectura permanece para siempre.
4. Hulda Jónsdóttir
oficina: Huldajons | Copenhage, Dinamarca
Cortesía de Huldajons
Trabajo en arquitectura residencial en Islandia. Construí mi primera casa para un cliente en 2016 por mi cuenta. Dos años después, sigo siendo independiente y he estado dibjando y diseñando casas para clientes independientes en Islandia, además de trabajar en colaboración con foros de arquitectos. Me concentro en diseñar un santuario para el cliente, por lo que trabajo en estrecha colaboración con el cliente para encontrar la mejor solución a sus deseos. Al mismo tiempo, pienso en cómo hacer que el diseño sea práctico, intemporal y divertido.
5. Georgia Lobo and Anita Freire
Oficina: Oficina D.A. | São Paulo, Brasil
Cortesía de Oficina D.A.
Oficina D.A. es una firma formada por los arquitectos Anita Freire y Georgia Lobo. Trabajan en varios frentes: proyectos de arquitectura, estudios urbanos, mobiliario y fotografía. Ambos se graduaron en 2008 de la Escola da Cidade y trabajaron hasta 2011 en SIAA, una oficina con sede en São Paulo. De 2011 a 2013, Anita trabajó en la empresa Diagonal, coordinando Integrated Diagnostics en socioeconomía e investigación territorial. De 2009 a 2013, Georgia trabajó en el Museo de Historia de São Paulo junto con el arquitecto Pedro Mendes da Rocha.
6. Ursula Emery McClure
Oficina: emerymcclure architecture, llc. | Lafayette, LA, Estados Unidos
Cortesía de emerymcclure architecture, llc.
Nuestra práctica de investigación especula sobre el papel del diseño en la confluencia de sistemas múltiples, aparentemente contrarios, y aspira a desarrollar tectónica que configure su futuro. Nuestros sitios nunca se basan, nuestras condiciones nunca son predecibles, y nuestros parámetros siempre están en constante cambio; ellos existen en los bordes y zonas de transformaciones. Nuestra práctica busca definir las potencialidades que se encuentran dentro de los sistemas complejos y contribuir a las ricas y únicas tradiciones globales donde los contextos socioculturales y físicos están arraigados en la arquitectura.
7. Nathalie Eldan
Oficina: NEA | París, Francia
Cortesía de NEA
NEA es un estudio de Arquitectura internacional con sede en París, dedicado a la investigación y estrategias urbanas. NEA opera en todo el espectro de la arquitectura, desde la construcción y el diseño urbano hasta las intervenciones de la ciudad, la investigación y las publicaciones, desarrollando proyectos con un enfoque ético del territorio, la sociedad y el medio ambiente.
8. Débora Vieira Mendes de Oliveira
Oficina: Tetro Arquitetura | Belo Horizonte, Brasil
Cortesía de Tetro Arquitetura
Con sede en Belo Horizonte, Débora se graduó de la Universidad Federal de Minas Gerais en 2005 y es socia de la firma Tetro Arquitetura. Ha trabajado en arquitectura, diseño de interiores y proyectos de paisajismo, buscando una práctica que responda a las demandas actuales de la sociedad, que explora diversos métodos constructivos y crea interacciones inusuales con el entorno natural o construido.
9. Mariana Pereyra
Oficina: 20 metros cuadrados | Montevideo, Uruguay
Cortesía de 20 metros cuadrados
Mariana Pereyra nació en Montevideo, Uruguay y es arquitecta de la Universidad de De La República (2009). En el 2011 formó, junto al arquitecto Javier Tournier, el estudio “20 metros cuadrados” que se especializa en el diseño y diagramación de layouts para espectáculos. Su trabajo se vincula con la producción de los eventos, cronogramas de montaje, diseño de soluciones técnicas y diseño de escenarios, backstages y camarines, entre otras tareas.
10. Marina Panzoldo Canhadas
Oficina: Marina Canhadas | São Paulo, Brasil
Cortesía de Marina Canhadas
Arquitecto, investigador y docente, Marina trabaja actualmente en proyectos de propios y colabora libremente con otros arquitectos y artistas. Ella se mueve constantemente entre la escala de la arquitectura y el objeto y trabaja dentro de los contextos de las metrópolis latinoamericanas de São Paulo y la Ciudad de México. Ella basa su práctica tanto en enfoques teóricos como experimentales.
11. Marina Villelabeitia
Oficina: estudio 3S LAB | Rada Tilly, Argentina
Cortesía de estudio 3S LAB
Arquitecta FADU / UBA y Gestora Cultural.Trabaja en forma independiente en Buenos Aires y Patagonia investigando las correspondencias paisaje-identidad-cultura mediante exploraciones mestizas que se nutren de distintas disciplinas artístico/científico/proyectuales. Su serie denominada MUNDO PETROLEO ha sido seleccionada para el envío Argentino de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018, en el marco de la exposición VERTIGO HORIZONTAL ganadora del Concurso Nacional de propuestas curatoriales organizado por Cancillería.
12. Ludmila Castro y Estefanía Grandal
Oficina: Encaixe Arquitectura | O Porriño, Pontevedra, España
Cortesía de Encaixe Arquitectura
Estefanía Grandal Leirós (Arquitecta ETSAC 2012) y Lyudmila Castro Fiorito (Arquitecta Escola Superior Gallaecia 2016) son socias en Encaixe Arquitectura, un pequeño estudio fundado en el años 2015 y establecido en O Porriño, España. Su vocación es ayudar a las personas a diseñar espacios con vida, que respondan a las necesidades de los usuarios, potenciando las cualidades materiales y espaciales para crear lugares únicos, con personalidad.
13. Beatriz Marques
Oficina: Sabiá Arquitetos | São Paulo, Brasil
Cortesía de Sabiá Arquitetos
Desde mobiliario e interiorismo hasta edificios y espacios públicos, Beatriz y su firma Sabiá Arquitetos están abiertos a la colaboración con profesionales de diferentes disciplinas, con el objetivo de expandir su propio campo de actividad. A través de un análisis cuidadoso de las especificidades de cada proyecto, esperan brindar soluciones de manera clara y sostenible, con el máximo uso del material disponible y los recursos sociales.
Estamos orgullosos de compartir el brillante trabajo de estas mujeres. Se han convertido en escenógrafas, paisajistas, investigadores y arquitectas para todo tipo de edificios, desde casas residenciales hasta museos y ¡líderes de oficinas! ¡Saludos a ellas! Y a las mujeres que están considerando comenzar una firma, esperamos que esta lista sirva de inspiración. En una profesión que está muy sesgada hacia el género masculino, nos alegra que estas mujeres estén allanando el camino para una nueva generación de líderes por venir.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El proyecto está situado en Uruguay, Punta Piedras, sobre la Ruta 10, en un lote frente al mar de suave pendiente en un entorno de abundantes arboledas y vegetación autóctona. La casa se concibe como una gran cubierta suspendida, flotando sobre un macizo de hormigón que se hunde sobre la pendiente del terreno. Intuitivamente, se distinguen de forma muy clara los usos públicos y privados dentro del proyecto.
La casa se desarrolla en tres niveles organizados en dos grandes áreas, los dos primeros pisos sólidos y menos permeables contienen los ambientes íntimos y servicios de la vivienda, y el segundo piso transparente y totalmente abierto aloja la extensa vida social de los residentes. El ingreso a la vivienda es a través de un sinuoso camino de pedregullo natural, en medio de la vegetación y por debajo de un gran alero en doble altura donde se protegen los vehículos, y que a su vez contiene la pileta y terraza del piso superior.
La escalera en triple altura como columna vertebral, articula y concentra las circulaciones, relacionando todos los espacios y niveles. En paralelo, una escalera exterior conecta la planta baja con la terraza posterior del último piso, vinculando los espacios exteriores sin necesidad de pasar por el interior de la vivienda.
En el nivel inferior, semienterrado, se encuentra un gran ambiente único flexible destinado a diversos usos -estudio, huéspedes, sala de juegos- con posibilidad de subdividirse y con ingreso independiente; además se ubican, dependencias de servicio, depósitos y sala de máquinas. En el primer nivel se encuentran los ambientes más íntimos, tres dormitorios y tres baños, pensados de manera que sus divisorios puedan modificarse para adaptarse a la cantidad de ocupantes.
El último piso toma la máxima altura posible por reglamentación y se proyecta con un único gran espacio, totalmente abierto y continuo, con una isla de servicios donde se encuentra la cocina, despensa, sanitario y parrillero. Este espacio se expande a través de dos grandes terrazas, una en relación directa con la arboleda que ocupa el fondo del lote y contiene el quincho y la parrilla, y otra que avanza hacia la playa donde se encuentra el solárium y la pileta con borde infinito. De esta manera, el área social de la casa queda en continua relación con el exterior, con vistas abiertas sobre el mar y un adecuado recogimiento respecto de la calle y la circulación vehicular.
La delgada cubierta inclinada de hormigón, de compleja resolución estructural, se eleva hacia el mar, refuerza la continuidad entre el interior y exterior, expandiendo los límites del espacio cerrado, y potenciando las imponentes vistas propias del lugar.
Equipo De Diseño : Rick Sundberg (Director a cargo y diseñador principal en Olson Sundberg Kundig Allen), Misun Chung Gerrick (Arquitecto del proyecto)
Equipo Consultante: Rick Sundberg mientras era director de Olson Sundberg Kundig Allen
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ubicada en una ladera de Mercer Island, frente al lago Washington desde Seattle, esta íntima residencia de dos pisos enfatiza la artesanía, la materialidad y la conexión con el aire libre. El deseo de los clientes de privacidad de los vecinos se logra a través del diseño protector en forma de L de la casa. Un ala en voladizo -que contiene el dormitorio principal- se alinea con la propiedad contigua y protege el resto de la casa de la vista para crear un refugio privado dentro de la L. El elemento en voladizo captura vistas enfocadas del lago Washington. El revestimiento de cedro teñido de oscuro envuelve el exterior de las áreas privadas de la casa de 4.400 pies cuadrados, incluida la suite principal. Los espacios públicos están revestidos con paneles de cobre, que han desarrollado una rica pátina. En el interior, un espacio de vida principal abierto está envuelto por una banda de ventanas de triforio que bañan los interiores en una luz equilibrada.
El diseño también talla áreas más íntimas y acogedoras dentro de un espacio más amplio, integrando elementos como techos bajos y una chimenea ennegrecida con caras de acero que forma un rincón en la esquina de la sala de estar. La carpintería de madera y la superficie del plano del techo aseguran que la estética general sea cálida y acogedora. El dormitorio principal, que comprende el dormitorio, una oficina contigua hecha de nogal y un baño similar a un spa revestido de piedra caliza y gabinetes de eucalipto, proporciona un refugio suave. Los espacios privados ofrecen un contraste con los pisos de concreto ennegrecido y el granito de los espacios públicos. "Se trata de pensar dónde estás durante el transcurso del día y cómo podemos hacerte sentir más tranquilo o cómodo", señala el arquitecto.
Las colaboraciones con artesanos locales se pueden encontrar en toda la casa, desde la entrada y las puertas interiores hasta la escalera de acero ennegrecido, una araña de cristal y metal, paneles interiores de cobre y una mesa de comedor hecha de madera, acero y hormigón. La puerta de entrada presenta un conjunto de antiguos paneles de madera chinos incrustados en el bastidor de acero ennegrecido. Muebles de diseño personalizado incluyen una mesa de comedor de madera y acero y una mesa de café con superficie de cristal en la sala de estar. Los interiores y el césped se acentúan con la extensa colección de arte de los clientes, una mezcla de pinturas y esculturas de artistas del noroeste del Pacífico.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Después de casi una década de trabajo, CannonDesign + NEUF architect(e)s se complacen en anunciar la finalización de la primera fase del Centro hospitalario de la Universidad de Montreal (CHUM).
Iniciado en 2009, la institución educativa CHUM es el proyecto de construcción de atención médica más grande de Norteamérica y el mayor proyecto de asociación público-privada en la historia de Canadá. El edificio ha encendido la revitalización de un sector olvidado del núcleo urbano de Montreal.
Inicialmente estructurado como un proyecto de dos fases, el equipo reconfiguró el diseño y la arquitectura con el fin de acelerar el desarrollo de manera significativa. Como resultado, la Fase 1, ahora completa, ofrece las capacidades sanitarias básicas del hospital, incluidas todas las salas de pacientes, todos los quirófanos, diagnósticos y terapéuticos, así como el programa de Oncología, dejando solo oficinas, un centro de conferencias, algunos espacios ambulatorios, y estacionamiento adicional para la Fase 2. Esto permite que la población de Quebec se beneficie de la muy necesaria infraestructura de salud de vanguardia antes de lo previsto originalmente.
Con la infraestructura social y la renovación urbana como componentes integrales de su diseño, el complejo de 22 plantas, que abarca más de 3 millones de pies cuadrados y cubre dos manzanas completas, jugará un papel importante en la regeneración del descuidado East End del centro de Montreal, reconectando el tejido urbano de la ciudad y el anclaje del Quartier de la Santé, el nuevo distrito de salud de Montreal.
Al abordar la totalidad de esa tarea, el equipo de diseño se acercó al proyecto desde todas las escalas, incluido el elemento urbano, el contexto del vecindario y el grano fino de un componente humano, fundamental para su vocación como lugar de curación.
Azad Chichmanian, socio y arquitecto de NEUF architect(e)s, nos explica:
Al recorrer los espacios completos, existe una calidad espacial que ha superado nuestras expectativas (...) A medida que el público finalmente comienza a descubrir los momentos arquitectónicos que se han creado, desde los espacios públicos cercanos a los museos a las instalaciones clínicas de última generación, creemos que el edificio tendrá éxito en la redefinición completa de la imagen de Montreal.
A lo largo del proceso de diseño, el equipo continuamente presionó para la calidad del diseño, ya sea en el uso del diseño paramétrico en la envolvente del edificio, el uso de modelos impresos en 3D, un enfoque innovador para la integración de componentes patrimoniales y un uso intenso de la tecnología para facilitar la comunicación entre los miembros del equipo de todo el mundo.
Desde la perspectiva de la prestación de atención médica, cada una de las 772 habitaciones incluye un amplio espacio para la participación de la familia, y ventanas amplias que ofrecen algunas de las mejores vistas de la ciudad. Es importante destacar que todo el edificio está diseñado siguiendo los principios de diseño universales, y de manera impresionante, la gran mayoría de las más de 12.000 habitaciones del edificio se diseñaron siguiendo una pequeña cantidad de plantillas de sala estandarizadas, según cuenta José Silva, director de CannonDesign:
La creación de un centro de salud tan increíble requirió que nuestro equipo de diseño observara el proyecto desde numerosas perspectivas, pero aprovechamos nuestra experiencia en salud para mantener siempre la experiencia del paciente al frente
Yendo mucho más allá del requisito del gobierno de Quebec de dedicar un mínimo del 1% del presupuesto de desarrollo público a la integración del arte, el nuevo campus de CHUM tendrá 13 obras de arte a gran escala incorporadas en el diseño y finalmente albergará la mayor concentración de público en Montreal desde la Expo 67, según cuenta Chichmanian:
Hemos integrado el arte directamente en la arquitectura del complejo de manera que desdibuja las líneas entre los dos y proporciona una experiencia más humana para el visitante y el personal
De hecho, muchos componentes de los mismos edificios pueden considerarse obras de arte, incluido el anfiteatro, el campanario reconstruido, Maison Garth y el Espacio de contemplación, formando una serie de objetos arquitectónicos que animan la calle Saint-Denis. Quizás el mejor ejemplo sea la pasarela, un puente aéreo que ahora se extiende por la calle Sanguinet con su arco traslúcido que emerge de las perforaciones del sudario de cobre que lo envuelve
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El proyecto consiste en la restauración de un pequeño apartamento para uso turístico en el centro histórico de Mantova.
Planta
El apartamento BROLETTOUNO pertenece a un largo camino de investigación de diseño, que emerge en diversas intervenciones sobre el patrimonio construido.
Básicamente tratamos de mantener unidos dos mundos, el de lo viejo y el de lo nuevo, en un equilibrio capaz de garantizar la identidad de ambos. La luz y la sombra se mantienen juntas en su ambigüedad y pluralidad, sin sacrificar las razones de una a expensas de la otra.
En particular, el proyecto enfatiza las diferencias y las heterogeneidades de los espacios únicos, en los que prevalece la ambigüedad y la contradicción en la unitaridad estilística.
De esta manera, la precisión del elemento de diseño puede emerger, además de la imperfección del elemento material al que la acción del tiempo dio una energía singular.
Los elementos del mobiliario, todos ellos diseñados, se definen a sí mismos como objetos irritables por un lado y refinados por el otro, como una especie de bestiario, e instituyen relaciones híbridas con espacios únicos en los que se sitúan. Los signos abandonados por el tiempo, el trabajo humano y la intención estética de diferentes edades permanecen, mientras que los nuevos signos se superponen entre sí en una complejidad que no cancela los otros conocimientos.
La belleza se puede encontrar en todas partes y no pertenece al valor intrínseco del material. Emerge en fragmentos en general, en formas evocadoras y sus relaciones. Creo que las relaciones representan el tema más importante de nuestro camino de diseño.
Nuestras relaciones favoritas intentan mantener unidos a los opuestos, ya que la fuerza y la fragilidad, perfectas e imperfectas, el brillo de un producto recién elaborado y la imprevisibilidad de los materiales cayeron en el abandono. Cada proyecto representa una ruta y un intento de síntesis para preguntas abiertas y en evolución.
Nueva Revista Arquitectura. Image Cortesía de COAM
El Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid y la Fundación Arquitectura COAM han presentado la nueva etapa de la Revista Arquitectura, así como a su nuevo equipo de dirección que estará encargado de su edición los próximos dos años y de la publicación de un número especial que celebre los 100 años de esta publicación.
La Revista Arquitectura fue fundada en 1918 como publicación de la Sociedad Central de Arquitectos bajo la dirección de José Moreno Villa. Durante sus 100 años de historia esta publicación ha sido testigo de diferentes escenarios y circunstancias, y su trayectoria se ha construido por líneas editoriales diversas e independientes. Sin embargo, la revista se ha mantenido como una de las cabeceras más antiguas del país, convirtiéndose en un referente continuo para el debate, el pensamiento y la profesión de los arquitectos, urbanistas y profesionales de otros sectores íntimamente relacionados.
Nueva Revista Arquitectura. Image Cortesía de COAM
Desde junio de 2017, tras ganar el último concurso convocado por el COAM, el nuevo Equipo de Dirección esta formado por los directores Pedro Urzaiz, Jacobo García-Germán y Federico Soriano y la sub-dirección y consejo editorial compuesto por Eduardo Castillo, Paula Currás y Raquel Díaz de la Campa. Todos ellos trabajan para reforzar el papel de referencia conforme a la transversalidad que caracteriza el entorno cultural, académico y profesional de los arquitectos, generando un volumen de contenido más variado.
La principal premisa del nuevo equipo editorial es que “todos los temas están en Madrid” debido a la complejidad, riqueza y diversidad de la capital y de la arquitectura madrileña y española. Por ello, su carácter democrático integra la visión de los más jóvenes y de los eméritos, de los profesionales y de los académicos destacando “lo intemporal arquitectónico” sobre “lo inmediato anecdótico”.
Cada número de la Revista Arquitectura, de publicación trimestral, tendrá como núcleo vertebrador de la misma un barrio de Madrid. El contenido recorre las principales tendencias y novedades de la arquitectura madrileña y española que confluyen en la ciudad, y se organiza en torno a siete secciones, además del editorial.
Nueva Revista Arquitectura. Image Cortesía de COAM
Radar. Se pretende dar cabida a todas las opiniones de carácter actual, o no, sobre las que el colegiado quiera dar parte y opinión. Se trata de una sección de opinión sobre la que el resto de profesionales van a intervenir.
Highlights. Está abierta a la recepción de documentación de obras construidas, proyectadas o concursos en los que participan colegiados del COAM.
Labs. Es un espacio de divulgación de conocimiento e investigación al que cada colegiado puede acceder y exponer sus artículos.
Barrios. Es una sección que supone una revisión actual del barrio que protagoniza cada número. Contendrá contenido muy variado y estará coordinada por una persona distinta en cada ocasión.
Suburbia. Comprende todas las disciplinas que rodean a la arquitectura y que, de una u otra manera, son de interés para los arquitectos. Con ello se generará una imagen de la atmósfera que rodea a la profesión con opiniones, revisiones, o notas sobre los eventos que suceden en torno a la arquitectura.
Invariantes. Supone la revisión de uno o varios edificios por número que se consideran de interés por el Equipo Editorial por su carácter icónico o innovador.
Técnicas. Recoge elementos constructivos, sistemas o materiales que tengan que ver con la temática de cada número y que estén en estrecha relación con su contenido.
Nueva Revista Arquitectura. Image Cortesía de COAM
La Revista Arquitectura se encuentra indexada, por lo que tiene el carácter científico suficiente para generar el debate necesario entorno a la investigación en la profesión. Así, atesora un sustrato bibliográfico de incalculable valor.
Además, cada número abrirá un portal de Open Call donde se recibirán multitud de propuestas que se irán publicando en las diferentes ediciones. Se editarán en papel 11.500 ejemplares de cada número, y tiene una versión digital en la página web: http://www.revistaarquitectura.com/
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El local a intervenir ocupa la totalidad del solar del edificio que lo alberga, más toda la superficie bajo una gran terraza de manzana típica de las construcciones del barrio valenciano en el que se encuentra (Ruzafa). Se trata de un local con dos accesos a ambos lados del patio de escalera, con un ancho total de 10,50 m y una acusada profundidad de 45 m, con la única aportación de luz natural de dos pequeños lucernarios, uno en la mitad del local y otro casi al final del mismo.
La función a la que se adaptará el local es la de un showroom de mobiliario contemporáneo, con las necesidades implícitas en este negocio: exposición, atención al público, zona de trabajo, almacén de catálogos y muestras. Y con la añadidura de la implantación de una nueva forma de involucrar y tratar al cliente, haciéndole partícipe en actos culturales y momentos distendidos con el equipo del showroom.
Por ser un local de tanta longitud, se dividió en tres áreas funcionales. Una primera zona más acotada, casi cerrada, en el acceso, con una piel que regulariza el espacio alrededor de la caja de escalera del edificio, rematada en su testero con un forro de espejos grises verticales. Este primer volumen se retranquea de la fachada, creando dos espacios en la entrada, con función de vestíbulo y escaparate. Esta primera pieza se caracteriza por su simetría y homogeneidad. Se ilumina mediante focos en un carril oculto. Esta iluminación permite tratar lo expuesto como piezas especiales, de forma puntual y teatral.
La siguiente zona, intermedia, se despoja de todo revestimiento, tratándola casi como un espacio exterior. A esto contribuye la cantidad de luz cenital natural que entra durante todo el día por el lucernario traslúcido, y los restos de un grafitti existente de tintes callejeros. El despojamiento de esta zona obliga también a dejar la estructura metálica de delgados pilares y los revoltones a la vista. La tercera zona, privada aunque abierta al espacio anterior, se ordena en torno a un pequeño patio interior acristalado en tres de sus lados.
La zona de trabajo se apoya en una estantería de arce a doble cara, que conforma además el acceso a los baños y almacén. Esta caja de servicios se desdibuja al estar cubierta de piezas verticales desiguales de espejo. Al fondo se ubica la gran cocina para recibir y organizar actos en torno a la mesa. Tanto el mobiliario como la bancada de granito, se realizaron en gris muy oscuro, para conseguir un módulo de aspecto monolítico que disimulara un poco su función.
La pared que delimita el local se ha forrado de nuevo con espejo gris. La elección de este material permite desdibujar los límites de las tres funciones mencionadas. Se organizan tres espacios perfectamente delimitados unificados por el material del pavimento (hormigón en todo el local) y por el color blanco en varios tonos sobre diferentes superficies. Y a su vez, mediante el uso de los paños de espejo, se consigue crear un juego de espacio sin fin.
Ubicación: Calle de Gravina, 14, 28004 Madrid, España
Arquitecto A Cargo: Marta Urtasun y Pedro Rica
Área: 16.18 m2
Año Proyecto: 2017
Constructora: Consaburum Toledana
Carpinteria: Kuma Estructuras
Cortesía de Mecanismo
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La imagen de Embolao tiene su origen directamente en la morfología del producto base, la masa embolada "egg waffle". Una masa vertida en una plancha metálica compuesta por dos superficies conformadas por medias esferas huecas, que, al juntarse y girarse durante el proceso de cocción, con la masa líquida entre ellas, dan lugar a su solidificación con una estructura de panal compuesto por bolas.
Planta
Elevación de Fachada
Para este proyecto, trasladamos directamente la formación de la masa "embolada" al concepto arquitectónico. Ubicado en el barrio de Chueca en Madrid, y con un sistema de venta de producto "take -away", la superficie del local cuenta con 15 m2 en planta calle (objeto de la intervención), y otra similar en planta sótano, dedicada al almacenamiento y uso privado.
Cortesía de Mecanismo
La original naturaleza de Embolao, requiere que el sistema arquitectónico aplicado en el local, genere una imagen potente y reconocible, y además, pueda ser fácilmente reproductible y aplicable en diferentes locales de características similares por un coste limitado. Para ello, propusimos un sistema prefabricado compuesto por objetos y elementos cotidianos descontextualizados e integrados como parte del mecanismo proyectual. Buscábamos también la interacción del usuario con el espacio, y que fuese un hito fotografiable y atractivo para redes sociales.
Elevaciones y Planta
Cortesía de Mecanismo
Ya que nuestro objetivo arquitectónico era trasladar radicalmente el concepto gastronómico y la formalización del "Embolao", creamos una envolvente interior en forma de bóveda, revestida con bolas de plástico de 8 cm de diámetro (utilizadas tradicionalmente para piscinas de bolas en los parques infantiles), fijadas por presión en un panelado negro (dm de alta densidad teñido en masa), que funciona como soporte y de fondo contrastado, para conseguir la máxima visibilidad de las esferas. Así generamos, un sistema conformado en taller, con uniones mecánicas en seco, de fácil montaje y rápida implantación en obra.
Cortesía de Mecanismo
Para completar el mundo "Embolao", colocamos un suelo con un pavimento de caucho negro de 5 mm de espesor, (propio de gimnasios y salas de musculación, pero también de parques infantiles). El efecto "gomoso" del pavimento facilita la percepción del usuario de un ambiente blando y agradable. La funcionalidad del espacio se concentra en una mesa-mostrador central, en la que se desarrolla toda la actividad del local. Con una morfología circular extruida, da servicio tanto al personal para la preparación del producto, como al comensal, a modo de zona de apoyo para la degustación del "Embolao".
Colectivo Tomate es una organización civil con base en Puebla conformada por 20 artistas, abogados, arquitectos, diseñadores, nutriólogos y administradores que han intervenido alrededor de ocho ciudades en todo México para invitar a las personas a tomar acción en las calles para generar una transformación y demostrar el poder del ciudadano en las comunidades, así como fortalecer los lazos de las comunidades.
El proyecto Ciudad Mural Villahermosa tuvo como resultado 40 murales elaborados con el talento de 26 artistas: seis locales, 10 nacionales de ciudades como Oaxaca, Ciudad Juárez, Puebla y CDMX, así como 10 internacionales provenientes de países como España, Colombia, Argentina y Brasil, quienes escucharon las historias de la comunidad y que posteriormente las plasmaron en murales.
Entrevistamos a Tomás Darío, Director de Colectivo Tomate quien nos explicó más detalles sobre cómo el diseño participativo puede mejorar la calidad de las personas en las ciudades mexicanas. El director del Colectivo explicó además que durante el proceso de realización de los murales se impartieron talleres de fortalecimiento de capacidades como “Aprendiendo a comunicarnos”, “Comunicación no violenta”, “Artefactos: reciclando y jugando” y “Entendiendo nos entendemos”, entre otros. Explora esta entrevista exclusiva para Archdaily:
¿Cómo nace Colectivo Tomate?
TD: Colectivo Tomate nace en 2004 y se retoma en 2009 cuando surge Ciudad Mural Xanenetla en la ciudad de Puebla, este es el primero de los ocho proyectos de Ciudad Mural.
¿Cómo fue que te empezaste a involucrar en el diseño participativo?
TD: Bueno, yo soy abogado y Maestro en Estudios de Paz, Seguridad, Desarrollo y Transformación de Conflictos y como abogado siempre busqué herramientas para trabajar conflictos, me clavé mucho en este tipo de cosas y así es como nace este proyecto, por la necesidad de conectar a las personas a través del diálogo y el arte.
Las herramientas que son la base de Colectivo Tomate tienen que ver con la construcción de consensos, la participación, la mediación y la negociación, tenemos tres pilares fundamentales que son: la comunicación no violenta, los métodos elisitivos de transformación y los entrendimientos transracionales de las muchas paces; estos pilares tiene distintas formas de expresarse, nosotros lo hemos hecho a través de Ciudad Mural pero tienen un mismo fin que es lograr conectar a las personas para que puedan escuchar y hablar desde el corazón.
Mencionas que hay distintas formas de demostrar esto, ¿por qué se inclinaron hacia los murales?
TD: Porque los murales tienen una fuerte tradición en México, han trascendido el diálogo y son grandes expresiones de una sociedad. Nosotros nos identificamos con ellos como una consecuencia de este momento de encuentro con la comunidad, del colectivo con la comunidad, de la comunidad con los artistas, de la ciudad con la comunidad y representan una expresión contundente de cómo se concreta este encuentro. Es aquí donde se involucran las estéticas colectivas, el muralismo cuando se diseña participativamente tiene un fuerte poder en la estética, la gente se encuentra en el discurso y es importante sentirse parte de algo más grande que nosotros mismos.
Supe que Colectivo Tomate había empezado como una consultoría de arquitectura ¿me podrías hablar un poco más sobre eso?
TD: Sí, en el 2004 el colectivo ofrecía soluciones social y ambientalmente sustentables, realizamos algunos proyectos como consultoría y a partir de eso nos reconocimos como colectivo para pasar a ser lo que somos ahora, una asociación civil.
¿Cómo se relaciona la arquitectura con los proyectos que se realizan?
TD: Tiene mucho que ver, esto se ve reflejado en el impacto que estas estrategias generan en el espacio público, lo que buscamos tiene que ver con una serie de apuestas para alterar el espacio público y nos dimos cuenta de que sí es posible generar una transformación en las personas para mejorar la relación que tienen con el espacio. Esto se ve reflejado en cómo desde el día cero el espacio se transforma sirviendo para otro tipo de actividades que activan a la comunidad, lo que más nos gusta es ver a los niños tomando las calles cuando antes no salían o darte cuenta que entre vecinos se empiezan a conocer, cuando antes no convivían, son cosas que se logran con la transformación física del espacio para reforzar los vínculos.
Finalmente, ¿cuál consideras que es la aportación de colectivo tomate al diseño de las ciudades?
TD: Definitivamente la participación ciudadana, el escuchar a las personas y a partir de eso proponer estrategias que mejoren su calidad de vida, la estética aquí es el resultado del diálogo y de los lazos que se conforman. Queremos que la gente en México se apropie del espacio público porque es suyo, es nuestro.
Dicen que no hay que confiar en el cielo de la sierra peruana: un cielo azulado puede dar paso a un aguacero o una granizada en un par de horas. Eso también lo saben los estudiantes y talleristas del XV TSLPuno, la actual edición del taller social latinoamericano que este año está siendo realizado en Chucuito (Perú), quienes durante esta semana trabajan en la construcción de tres proyectos para serán entregados a la comunidad.
Landscape, restauración patrimonial e infraestructura pública son las tres temáticas que abordan los talleres Serpiente, Cóndor y Puma en sus construcciones a más de 3.800 metros de altura, desperdigadas en distintos puntos de Chucuito. Así, el taller dirigido por la Coordinadora Latinoamericana de Estudiantes de Arquitectura (CLEA) con la Organización Peruana de Estudiantes de Arquitectura (OPEA) finalizará este domingo 01 de abril con la inauguración pública de los proyectos.
En esta ocasión, les invitamos a conocer el estado de avance de los equipos que integran esta edición del TSL, la tercera en ser realizada en territorio peruano.
El equipo liderado por los arquitectos peruanos Lucio Torres, Jorge Villegas y Narda Castillo trabaja en la restauración de una capilla construida en la década de 1960 y que en el último tiempo servía ocasionalmente como salón flexible. El inicio de la construcción del taller ha atraído a vecinos, quienes comparten con estudiantes al tiempo que venden refrigerios y artesanías a los participantes provenientes de toda Latinoamérica.
A dos días de su finalización programada, el Taller Puma avanza en el basamento empedrado que rodearán a la capilla, mientras en su interior una superficie empedrada reemplazará definitivamente el suelo de tierra. "En ambas partes hemos trabajado con piedras de laja traídas de una cantera cercana", nos comenta Lucio Torres. Paralelamente, el equipo retiró las ventanas y la puerta de la capilla para pintar y lijar, además de destechar para reemplazar las calaminas (planchas de zinc) instaladas hace más de 30 años.
Espacio público es la temática del taller liderado por los colombianos Juliana López y Daniel Buitrago (RUTA 4). Conscientes de las condiciones culturales y sociales marcadamente rurales y ancestrales del emplazamiento, estudiantes y talleristas optaron por entender espacio público a escala territorial, apoyados en una ruta que lleva a un mirador con vistas privilegiadas al Lago Titicaca. "Dividimos el trabajo en tres frentes", nos cuenta Buitrago. "Estamos mapeando los puntos más importantes de la ruta y así saber cuáles había que conocer o conectar mejor", agrega. Así, el equipo intervendrá tres puntos: un mural de acceso a la ruta, la entrada de la capilla en la que trabaja el Taller Puma y un barranco donde se levanta un mirador para locales y visitantes.
En este momento de la semana, el Taller Cóndor finalizó lo que ellos mismos definen como la parte más compleja: la cimentación del refugio y un pequeño muro de 50 centímetros de alto, mientras en la capilla las plataformas en piedra se acercan a su finalización. "Invertimos mucho tiempo en sacar todo el material del propio contexto: piedra, tierra, paja y agua", comenta el cofundador de Ruta 4.
Originalmente definido como un parque infantil, el equipo liderado por Enrique Villacís (ENSUSITIO, Ecuador) y Jhony Chávez (Perú) ha centrado sus esfuerzos en diseñar un espacio paisajístico de paso y encuentro. "Es un terreno carente de magia, a diferencia del resto de Chucuito", nos explica Villacís. "Nuestra tarea es crear esa magia, dándole importancia a los ejes por donde la gente camina y que coincidentemente son norte-sur y este-oeste", agrega haciendo referencia a la actual construcción de un muro de piedras.
El proyecto también rescata los vacíos del espacio para citar a la cosmovisión indígena. "Trajimos algo de las montañas —los apus— disponiéndolos de acuerdo a la constelación de la Cruz del Sur. Así, desde lejos puedes apreciar estos gestos y desde cerca, vivir los espacios". comenta.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Vivienda la Caja corresponde a un volumen desprovisto de ornamentos, su diseño se distingue por la cualidad de la simplicidad en su uso cotidiano. La Caja explora las relaciones de inmediatez del exterior con el interior, de la confianza que brinda el adentro y de la inestabilidad del afuera, el observar pero también el ser observado, es un lugar de provocación lleno de ventanas que curiosean, es por ello que todos los espacios de la vivienda directamente se extienden a lo externo y su paisaje.
En 97m2 de construcción se buscó generar la sensación de amplitud, la terraza posibilita una circulación dinámica y constante de los usuarios, no existe una jerarquía en la accesibilidad de la vivienda, lo cual revela la significación de cada uno de sus espacios y usos.
Las grandes oquedades permiten por un lado, la entrada de los rayos del sol la mayor parte del día generando una temperatura confortable dentro de la casa y por otro lado estos grandes vanos posibilitan vistas al paisaje del lugar. En esta vivienda, la intensión de su materialidad es resaltar la pureza de su geometría blanca en contraste con las superficies grises y las tonalidades del paisaje.
La oficina colombiana Arquitectura en Estudio se adjudicó el diseño del futuro SuperCADE Manitas en Ciudad Bolívar, edificio complementario a la futura estación del TransmiCable en Bogotá, Colombia. Definido por los autores como un "edificio híbrido", donde el equipamiento "es espacio público", el SuperCADE es un sistema integrado de servicios donde se realizan bajo un mismo techo más de 200 trámites públicos administrativos y se suministra información de entidades distritales, nacionales y privadas que ejercen funciones públicas para asegurar un servicio más efectivo, óptimo y oportuno.
La propuesta ganadora es definida por Arquitectura en Estudio como "parte de una estrategia de acupuntura urbana, integrando los elementos de infraestructura con equipamientos y espacios públicos representativos, generando sentido de pertenencia e identidad en los ciudadanos y acercándolos a la administración pública".
Cortesía de Arquitectura en Estudio
Memoria oficial [extracto]: La construcción de la infraestructura de transporte ofrece una oportunidad para la recualificación de áreas marginales y su integración al tejido urbano. La aparición del SuperCADE Manitas como edificio complementario a la estación del TransmiCable se convierte en una oportunidad para recualificar el entorno construido de un sector con importantes déficits de espacio público y presencia institucional, construyendo un conector urbano que funciona en múltiples escalas.
Con base en este concepto estructurador se plantea el diseño del SuperCADE Manitas, el cual está íntimamente ligado al sistema de Metrocable. Su desarrollo se interpreta como parte de una estrategia de acupuntura urbana, integrando los elementos de infraestructura con equipamientos y espacios públicos representativos, generando sentido de pertenencia e identidad en los ciudadanos y acercándolos a la administración pública.
Debido a su localización, a su integración con el sistema de transporte masivo, a su uso y a su representatividad, el proyecto trabaja en dos escalas urbanas: ciudad y local. A nivel de ciudad el edificio se propone como un elemento icónico, un hito-conector que forma parte integral tanto del sistema de equipamientos como del sistema de transporte y de espacios públicos.
A nivel local el edificio se observa como un espacio integrador que sirve de punto de referencia para la comunidad local; un espacio abierto y democrático, activo y diverso, que busca suplir algunas de las carencias de equipamientos y de espacios públicos que sufre esta parte de la ciudad.
Memoria arquitectónica
Cortesía de Arquitectura en Estudio
La estrategia espacial parte de las determinantes ofrecidas por el lote. Usando como base la dramática topografía, el programa del edificio se estructura a partir de terrazas que la interpretan geométricamente, generando espacios habitables bajo su superficie y espacios de carácter público representativo sobre sus cubiertas. Estos espacios públicos se conectan entre ellos a partir de escaleras, rampas y taludes, generando un recorrido experiencial a través de espacios de escalas, usos y carácteres diversos.
Sobre esta topografía artificial se posa un edificio-hito que alberga los espacios principales del SuperCADE. Su geometría simple y su materialidad austera reflejan una caja de carácter abstracto, la cual genera en su interior un espacio ininterrumpido de triple altura que realza el carácter institucional de su función.
El prisma del SuperCade vuela sobre una plaza pública ubicada en el nivel inferior del edificio, la cual da frente y consolida la importancia de la Casa de la Comunidad, ubicada en este piso.
La cubierta del edificio alberga otro espacio público de carácter singular, acabado en materiales blandos y verdes que invitan a la tranquilidad. El espacio funge como espacio de recogimiento, área de juego de niños y mirador hacia la ciudad durante el día y como espacio de proyecciones de cine al aire libre en horas de la tarde/noche.
El conjunto de todos estos elementos conforma un edificio híbrido de equipamiento y espacio público de carácter singular y representativo que ofrece lugares diversos de reunión y actividad para la comunidad.
Un edificio integrador
Cortesía de Arquitectura en Estudio
El proyecto plantea una solución híbrida entre edificio y espacio público la cual busca consolidar la imagen icónica y de referencia que ofrece la presencia de la estación de TransmiCable, generando un elemento representativo que se convierta en un detonador de bienestar, generando oportunidades de encuentro y fortaleciendo los lazos entre la comunidad.
La red de espacios públicos ofrece usos y caracteres diversos (juegos para niños pequeños, cine al aire libre, terrazas de recreación pasiva, plazoletas, teatrino, espacios para deportes urbanos como skate y parkour, entre otros) que potencian su utilización por individuos con gustos e intereses disimiles.
Este tejido público se complementa con espacios interiores amplios y flexibles como la Casa de la Comunidad o el lobby de acceso al SuperCADE (contemplado como extensión de la plaza pública que le sirve de antesala) que pueden albergar exposiciones itinerantes o servir como espacios de reunión. La creación de esta red de espacios potencia la aparición de nuevas dinámicas de interacción y el fortalecimiento del tejido social.
Esquema estructural
Estructura
El basamento: alberga la base del edificio y las terrazas que replican la topografía del terreno. Se construye a partir de una estructura en un sistema aporticado tradicional en concreto cuyas luces están moduladas a partir de una retícula de 7.5m X 7.5m,. Se plantea una cimentación profunda a partir de pilotes.
La caja es un prisma regular que alberga el espacio principal del SuperCADE. Su estructura se plantea a partir de elementos metálicos tipo Vierendeel que conforman un volumen autoportante el cual se posa sobre el basamento en concreto. El entramado de estos elementos permite generar un espacio interior amplio e ininterrumpido y unas aperturas de vidrio grandes y generosas que potencian la escala del espacio interior y refuerzan el carácter institucional del edificio.
El conjunto del edificio plantea un aislamiento de 1m desde la cimentación de la estación de MetroCable con el fin de garantizar la estabilidad estructural y la posibilidad de asumir asentamientos diferenciales entre ambas construcciones.
Fachada
Interiores
La envolvente de la caja que alberga el SuperCADE se construye a partir de un sistema modular en GRC o Concreto Prefabricado, el cual garantiza facilidad de construcción y mantenimiento y una alta durabilidad. Los paneles están modulados de 1m de ancho y se anclan mecánicamente a la estructura metálica que da soporte a la caja. La flexibilidad de este sistema permite tener superficies completamente sólidas combinadas con aperturas vidriadas protegidas por una celosía de elementos verticales prefabricados en el mismo material.
Las fachadas de los volúmenes que componen el basamento se plantean en concreto visto y superficies de vidrio, siguiendo con la idea de garantizar facilidad en su construcción a partir de tecnología disponible localmente y reducir costos de mantenimiento.
Entre 54 propuestas presentadas, el equipo liderado por David Macias obtuvo el tercer lugar en el concurso público de diseño del nuevo SuperCADE Manitas, certamen convocado por la Alcaldía de Bogotá y la Sociedad Colombiana de Arquitectos.
© Oscar Lok
© Oscar Lok
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Planta
© Oscar Lok
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![Cine Metropol diseñado por del arquitecto Javier Goerlich. Image © Antonio Marín Segovia [Flickr], bajo licencia CC BY 2.0](http://images.adsttc.com/media/images/5ab7/dfc5/f197/ccb6/f600/0354/medium_jpg/34736906260_4d0fb54477_k.jpg?1521999806 "Cine Metropol diseñado por del arquitecto Javier Goerlich. Image © Antonio Marín Segovia [Flickr], bajo licencia CC BY 2.0")
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