Descripción de los arquitectos. Este edificio es una reconfiguración de una casa de madera tradicional japonés. Sus marcos de madera fueron expuestos después de la separación de las partes innecesarias. Sólo mediante la inserción de paredes curvas en él, se crearon funciones espaciales. Un desafío similar se vivió en el proceso de diseño “Hut with the Arc Wall”, un baño público en Shodoshima. Allí, el espacio se define por una pared curvada de acero de 9 mm, que fue construida bajo la estructura de madera del techo por referencia a las fábricas de salsa de soja tradicionales en esa zona. Una inspiración de barriles de cedro, llamados fuentes, se formalizaron en la pared curva, la cual mostró una estética de la estructura de soporte propio. Lo único lamentable, fue la nueva construcción de marcos de madera. Idealmente, debería haber sido trasladado de una casa vieja por esa zona y reconstruido en el nuevo lugar, pero la apretada agenda no nos lo permitió, pues requería tiempo. Sin embargo, desde entonces, hemos visto como un potencial distintivo las reconfiguraciones para dividir el espacio con paredes curvas, que no está relacionado con la estructura externa.
Planta - Antes
El proyecto presenta una oportundiad de testear, encargado por una pareja dueña de una conservada casa de madera de un piso. La casa existente contenía muchas habitaciones en diseño japonés puro, que parecían no ser adecuadas para una joven pareja que comenzó una nueva vida allí. Se retiraron partes estructurales soportadas innecesariamente, y las paredes curvas fueron posicionados en el nuevo piso de mortero, en el que se ha incrustado la calefacción por suelo radiante. La habitación, baño y dormitorio están rodeados por el muro curvo. El resto del espacio está dedicado a la cocina, almacenamiento, comedor y sala espacios. Una parte del espacio por encima de la pared curvada se utiliza como un desván.
La construcción de paredes con 20 mm de madera contrachapada curvada era la solución al presupuesto limitado. Sin embargo, una vez que la construcción comenzó, mucho menos la exactitud de esos paneles no ayudó a hacer realidad el espacio deseado. Se nos obligó a cambiar el método de construcción de marcos de barras de 25 mm cuadrado intercalados con paneles de madera contrachapada curvada. Los excesos de presupuesto esperados fueron resueltos por el esfuerzo del constructor.
Diagrama
Los herrajes para las puertas y ventanas se reutilizaron de la casa existente. El espacio interior del cuarto de baño se terminó con policarbonato reforzado con fibra, en la que se coloca un techo de policarbonato de doble capa. La pared exterior estaba recién revestida con tablas de cedro, y algunas ventanas fueron reemplazadas por elementos de madera. El simple gesto crea un nuevo espacio, mientras que la historia de la casa se mantuvo.
Un nuevo estudio de investigación llevado a cabo por Council on Tall Buildings and Urban Habitat (CTBUH), llamado Edificios altos 'en números' - Japón: Una historia de altas innovaciones, examina la evolución de edificios altos en Japón desde la década de los 60's. El estudio destaca las innovaciones claves en el skyline japonés a través de una recopilación de representaciones gráficas que incluyen; una línea de tiempo de los rascacielos más notables, un gráfico de dispersión de las torres sobre los 150 metros de altura y las tasas anuales de construcción, y una comparación de la densidad de los rascacielos con las poblaciones regionales.
Ve los gráficos interactivos después del salto.
Según explicó CTBUH, las condiciones climáticas inestables de Japón han contribuido a sus innovadores diseños de rascacielos. Japón se encuentra en una de las zonas sísmicas más activas del mundo y posee una de las más altas densidades poblacionales, un promedio de 340 personas por kilómetro cuadrado. La combinación de estos factores ha contribuido en varias ocasiones a la devastación masiva a raíz de desastres naturales, pero también ha impulsado la investigación de métodos constructivos que sean capaces de soportar estas adversidades.
Mapeo de Japón: Población y rascacielos
Cortesía de CTBUH
El estudio gráfico revela grandes diferencias regionales en las características de los rascacielos a través de Japón. En términos de densidad de rascacielos, existe una amplia variación: 114 rascacielos en Tokio, que representa un asombroso 59,4% de su entorno construido, mientras que Kyoto no tiene ningún edificio que califique como un rascacielos. Aunque de forma menos drástica, estas cifras tienen correlación con la densidad de población, con la notable excepción de Osaka que posee tan sólo el 2,1% de la población, pero tiene la segunda densidad más alta de rascacielos de un 16,7%.
Skyline de los rascacielos más importantes de Japón
Cortesía de CTBUH
En cuanto a sus rascacielos más notables, la mayoría que conforman la historia de Japón se concentran en Tokio. Desde que se finalizó la construcción del edificio Kasumigaseki en 1968, Tokio ha continuamente aumentado la altura del rascacielos más alto de Japón, hasta que el Landmark Tower se llevó el título a Yokohama en 1993. Actualmente, el edificio más alto de Japón es el Abeno Harukas completado el año pasado en Osaka, tiene una altura de 300 metros.
Cronología de los rascacielos más importantes de Japón
Cortesía de CTBUH
Las tendencias generales en la construcción de edificios de altura (clasificado en el estudio como una altura de más de 150 metros) se mantuvieron relativamente uniforme durante las dos décadas siguientes a la primera construcción en Japón de este tipo en 1968, con tasas menores a cinco edificios anuales. Durante los siguientes años, Japón vivió un salto drástico en el promedio anual de construcciones de gran altura, con una tasa de 10 edificios por año entre principios de los 90's hasta finales la década del 2000. Las tasas de construcción alcanzó su punto máximo en 2008 con 22 rascacielos terminados ese año y ha gradualmente decrecido desde entonces, retornando a su tasa inicial con 2 nuevos rascacielos este año.
Para más información sobre Edificios altos en números - Japón: Una historia de altas innovaciones, visita el sitio web de CTBUH.
Equipo De Diseño: Michael Green, Carla Smith, Kristalee Berger, Alfonso Bonilla, Jordan van Dijk, Guadalupe Font, Adrienne Gibbs, Jacqueline Green, Asher deGroot, Soo Han, Kristen Jamieson, Vuk Krcmar-Grkavac, Alexander Kobald, Sindhu Mahadevan, Maria Mora, Mingyuk Chen and Seng Tsoi
Área: 4820.0 m2
Año Proyecto: 2014
Fotografías: Ema Peter, Cortesía de Michael Green Architecture
Ingeniero Estructural: Equilibrium Consulting Inc
Consultor De Código: B.R. Thorson Consulting Ltd
Contratista: PCL Constructors Westcoast Inc
Mecánico / Eléctrico / Leed: MMM Group Ltd
Seguridad Para Incendios: CHM Fire Consultants Ltd
Descripción de los arquitectos. El Wood Innovation Design Centre (WIDC) en un lugar de encuentro para investigadores, académicos y profesionales del diseño que generan ideas para usos innovadores de la madera. Los pisos inferiores del edificio proporcionan instalaciones dedicadas a la educación en diseño de madera integrada. Los pisos superiores ofrecen espacio de oficinas para organizaciones relacionadas con la industria del gobierno y de la madera. El edificio de ocho pisos y 30 mts de altura es el edificio de oficinas de madera más alto del mundo, un punto de referencia que pronto será superado por otros edificios de madera.
Concebido para mostrar el potencial del uso de la madera en la construcción de estructuras de mediana y gran altura, no hay hormigón utilizado por encima de la losa de la planta baja. El diseño incorpora una estructura simple y "seca" con paneles de piso con sistemas integrados CLT, columnas y vigas de madera laminada, y paredes de madera. La simplicidad estructural del edificio es fácilmente replicable, una elección fundamental realizada con el interés de ver a muchos más arquitectos, ingenieros y promotores privados reconocer el valor en el diseño de la madera producida en masa como alternativa al acero y el hormigón.
Detalle
Este proyecto ha establecido muchos precedentes en el contexto de América del Norte a través de la construcción de una amplia investigación de ingeniería y pruebas por el equipo de proyecto para demostrar la seguridad y la validez de las técnicas de construcción de madera. El concepto estructural básico para el WIDC se puede utilizar para edificios de hasta 20 y 30 pisos de altura, con pocas modificaciones, como se describe en el caso de Tall Wood (M. Green & E. Karsh, 2012). Pronto, esperamos que los códigos de construcción en América del Norte comenzarán a adoptar la Construcción de madera de altura como un estándar, una práctica segura.
Descripción de los arquitectos. Santa Margarida de Montbui era un pequeño municipio que la gran ola migratoria de los años cincuenta y sesenta del siglo pasado convirtió en ciudad dormitorio en la periferia industrial de Barcelona.
En las últimas décadas se ha ido dotando de los servicios básicos de los que gravemente carecía: urbanización de calles, centros de asistencia médica, escuelas etc. Faltaba, aún, un centro cultural que acogiera biblioteca, sala de conferencias, auditorio y aulas de formación. De alguna manera, este edificio representa un final de recorrido que va de suburbio a Ciudad.
En el año 2008, las bases del concurso planteaban un “edificio emblemático” capaz de representar que aquel era el lugar de encuentro de los ciudadanos y, a su vez, reforzar la autoestima de una comunidad que lo necesitaba.
Planta
Morfológicamente el entorno es desordenado y la arquitectura, en general, pobre. Esto nos indujo a pensar que aquí se requería una construcción de especial calidad. Citando a Oriol Bohigas, hacía falta monumentalizar la periferia.
El edificio asume su posición como final del parque alargado que atraviesa el núcleo urbano.
Cortesía de Pere Puig arquitecte
Su fachada norte se plantea como un gran pórtico acristalado que se abre generosamente al parque y a las buenas vistas sobre esta comarca de la Cataluña central . En las orientaciones este, sur y oeste las fachadas son más cerradas con celosías para la protección solar en todos sus ventanales.
Sección
Se entra por un gran porche que da paso a un vestíbulo a doble altura desde el que se accede a todas las dependencias principales.
En los interiores, se ha utilizado, preferentemente colores claros mientras que en la sala de conferencias y proyecciones se ha revestido de madera de arce. La sala polivalente - auditorio dispone de una grada retráctil y se ha tratado como una gran caja negra que garantice una buena visibilidad para las proyecciones de cine.
Cortesía de Pere Puig arquitecte
La cimentación es con pilotes y los forjados de hormigón postensado. El auditorio está cubierto con cerchas metálicas y forjado colaborante. La fachada es ventilada con acabado de paneles de hormigón blanco bipretensado. El acabado de los paneles es texturizado. En bajo relieve, se han dispuesto letras de diferentes alfabetos.
La decisión de enmarcar una película dentro de un marco temporal específico ha demostrado por lo general restarle de cierta seriedad y credibilidad ante el público de generaciones venideras, sobre todo dentro del cine de ciencia ficción y de futuros catastrofistas. Aunque “Escape from New York” no es la excepción de la regla, su referencia temporal caduca obtiene un nuevo valor, pues nos permite examinar el contexto histórico en la que fue producida y sobre los fantasmas sociales en los que encontró arraigo para su argumento.
La cinta adopta un futurismo negro, que similar a la distopía (y muchas veces término utilizado como sinónimo), se refiere a un futuro hipotético donde la humanidad atraviesa una realidad más oscura que brillante. Mientras que la distopía opta por un claro enfoque donde la mayor parte de los elementos que componen la sociedad están en desequilibrio, el futurismo negro es más un sentimiento generalizado de pesimismo, donde ciertos elementos ponen en tela de juicio el desarrollo de la humanidad.
La elección de esta atmósfera pesimista y sin esperanza, proviene en gran parte por la propia incertidumbre de la sociedad de la década de los 80's. En plena guerra fría y tras diversas crisis económicas, Estados Unidos experimentaba un gobierno cada vez más cínico y que buscaba a toda costa controlar la imagen de su país a toda costa. Ante el escándalo que resulto el caso Watergate, la imagen de un gobierno honesto se perdió y la sociedad se cuestionaba si aquello era el principio del colapso.
Carpenter imagino la realidad de una década posterior si los problemas de su tiempo hubiesen empeorado significativamente. El aumento en la delincuencia y la paranoia de la autodefensa le llevaron a imaginar una ciudad conquistada por el miedo, la oscuridad y donde el espacio público se convertiría en un campo de batalla. De manera simbólica y efectiva imagino que una ciudad entera se convertía en una gran prisión, donde todos aquellos valores que el hombre moderno proclamaba con orgullo se habían ido directamente al carajo.
La elección de Nueva York es simple. Capital del mundo capitalista, su caída significaba que el modelo actual de desarrollo había fallado. Aquel skyline tan emblemático, cubierto en penumbras y un silencio abrumador, es como contemplar el esqueleto, la sepultura y las ruinas de una civilización atrapada en el tiempo. Gracias a esta sentencia mortuoria, la cinta adquiere una visión claramente posmoderna. Las calles donde antes circulaban miles de automóviles ahora lucen abandonadas y sin propósito, espacio muerto dentro de una ciudad muerta. Los comercios y sus grandes anuncios no son más que fachadas llenas de grafiti, escondite de villanos que no se rigen por ningún código estético.
La nueva sociedad que se erige dentro, se presenta como una utopía criminal en ciertos aspectos. Tierra sin ley y vigilancia, separada del resto del mundo, actúa como un patio de juegos para los convictos más crueles. Ante la ley del más fuerte, crean sus propios códigos y gobierno. Se apropian del territorio de la ciudad, de su arquitectura y su urbanismo, dándole un nuevo uso según sus intereses. Dividen la ciudad en barrios y estratos, lo más exiliados viviendo en los subterráneos y aquellos con más poder en las estructuras que llenaban de orgullo a la antigua sociedad.
Concluyendo, si bien el paso del tiempo ha encasillado la realidad de la cinta como “un futuro que pudo ser pero no sucedió”, en ella podemos encontrar un testimonio histórico acerca de las preocupaciones de una época. Preocupaciones que si bien se han aminorado en nuestro presente, son el testigo fiel que la humanidad aún no ha cambiado en cuanto al rumbo de su desarrollo. Silenciosos, los temores del pasado quizás solo esperan el momento adecuado para ser repetidos por la historia.
Sobre la Filmación
Después de haber dirigido la película “The Fog” (1980), John Carpenter gozaba de una buena reputación y cierta confianza dentro de los estudios de cine. Tenía en mente la idea de una cinta apocalíptica, pensamiento recurrente en la época debido en gran parte por la presencia de la guerra fría, la amenaza nuclear y un agobio cada vez más cínico y de doble moral por parte del gobierno de los Estados Unidos.
Carpenter sobre todo hallaría hartazgo ante el caso Watergate, donde la figura presidencial había sido manchada y no encontraba redención ante el público. Este panorama de desconfianza en la autoridad se reflejaría en múltiples ocasiones durante el filme.
Uno de los elementos más llamativos de la cinta, su protagonista, estaría basado casi directamente del mundo del cómic, un anti héroe ex militar el cual no sigue las normas establecidas, un forajido cuya figura es tan emblemática como los héroes del cine Western.
Pese a lo que todo mundo piensa, la película se rodó en la ciudad de St. Louis, la cual guarda ciertas semejanzas en sus edificaciones con New York. Para recrear la ciudad y transmitir efectismo sobre la cinta se realizaron modelos a escala, al igual que “matte paintings” elaborados por James Cameron para crear fondos realistas en lugar de efectos por ordenador.
ESCENAS CLAVE
1. El Esqueleto de la Civilización
Capital del mundo capitalista, la caída de New York simboliza el desplome del modo de vida actual. Convertida en prisión ha sido separada del mundo, rodeada de una extensa muralla y alojando a los peores criminales. Sin vigilancia, ellos mismos crean una utopía criminal, con nuevas leyes, con un nuevo rey y con un nuevo orden urbano de la estructura de la antigua ciudad.
2. La Imagen de la Justicia Militarizada
Extrapolando el espíritu opresivo de la época, la policía es retratada como una fuerza militarizada sin rostro, casi inhumana, la cual sirve a un gobierno cínico y de mano dura.
3. Futurismo Negro y Ambientación Oscura
La imagen pesimista de la ciudad es el resultado de la demolición de la modernidad. La basura proviene de los edificios demolidos y de los vehículos obsoletos en las calles.
Viviendo en anarquía social, la isla es una jungla artificial donde solo el más fuerte prevalece. Sus calles están llenas de violencia y es imposible cualquier tipo de desarrollo en condiciones.
5. Estratificación y Canibalismo
Para subsistir, los presos se han agrupado en barrios. Aquellos que viven en las alcantarillas y redes de metro son los más marginados y cuya alimentación se basa en la carne humana.
6. El Arraigo hacia el Pasado
Sabiendo que no existe futuro, los prisioneros se aferran a su imagen mental de su ciudad. Los más inteligentes extraen su propio gas del subsuelo para conservar sus comodidades.
7. Exaltación de la Violencia
Sin entretenimiento, la nueva y cruel sociedad da pie a modernas luchas de gladiadores. Su apoyo y lealtad es hacia el más fuerte sin importar su origen o sus crímenes cometidos en el pasado.
8. Autoparodia Criminal
Arraigados dentro de un mundo oscuro y gris, los presos lucen vestimentas y vehículos cuya imagen es sobrecargada, exagerada y que luce casi como una caricatura.
9. Crisis de Identificación Social
Viviendo de los restos de la ciudad, los atuendos y herramientas de los presos son eclécticos, tomando préstamos de diversas culturas para crear una identidad propia de forma desesperada.
10. El Espíritu Antisistema
El protagonista es un anti héroe que se rige por sus propias reglas. Aunque frío y cruel, posee una gran humanidad que denuncia la corrupción y cinismo político al final de la cinta.
11. La Pérdida de la Figura Presidencial
Inspirado por el caso Watergate, Carpenter denuncia la doble moral del gobierno. Cínico e insensible ante las vidas perdidas, el presidente no es más que un maniquí ante los medios.
FICHA TÉCNICA
Fecha de Estreno: 19 de noviembre 1981 Duración: 99 min. Género: Acción / Ciencia Ficción Director: John Carpenter Guión: John Carpenter / Nick Castle Fotografía: Dean Cundey / Jim Lucas
SINOPSIS
En el año ficticio de 1997, la isla de Manhattan ha sido convertida en una prisión de máxima seguridad, donde se albergan los peores y más brutales criminales, los cuales han establecido una sociedad anárquica donde la vida está plagada de violencia.
La acción toma lugar después de que el avión presidencial es secuestrado por un grupo criminal, los cuales refugian sus acciones dentro de la isla. Ante la imposibilidad de un rescate convencional Snake Plissken, un conocido convicto, es enviado para realizar la misión a cambio de su libertad. Snake deberá lograrlo en un tiempo límite, antes de que una bomba colocada dentro de su cuello estalle.
Descripción de los arquitectos. La montaña Yangtai Shan se encuentra al oeste de Pekín, y es un lugar bien conocido por sus huertos. Muy atractivo durante la primavera, con todos sus árboles en flor, Yangtai Shan es además un lugar de vacaciones muy popular para los pequineses. Por lo tanto, nuestro cliente quería construir su casa de campo como una "burbuja de tranquilidad", para compartir momentos con familiares y amigos y escapar del estrés de la capital.
El edificio existente en el sitio presentaba una arquitectura muy típica de las construcciones empíricas locales, tanto formal como funcionalmente. Como complemento a su planta en forma de L, la extensión termina por cerrar el edificio, creando una plaza y un patio central.
El nuevo edificio tiene una geometría moderna: la esquina sureste muestra los perfiles curvos del techado tradicional y le entrega techos de gran altura a las habitaciones importantes. La materialidad del ladrillo, como un material tradicional de producción local, se desarrolla en todos sus aspectos. La expresión de las fachadas, paredes y pantallas sólidas, se reinterpreta en el patio, haciendo un vínculo con el edificio existente renovado.
Ayer viernes 22 de mayo el Jurado de YAP Constructo (Chile), integrado por Smiljan Radic, Roberto Farriol, Pedro Gadanho y el mismo CONSTRUCTO, escogió al proyecto ganador de su sexta edición: 'Tu reflexión' de los arquitectos Guillermo Hevia García y Nicolás Urzúa.
Más información después del salto.
El jurado: CONSTRUCTO, SRadic, RFarriol y PGadanho MoMA, dio ganador YAP_CONSTRUCTO 6 a Hevia+Urzúa "Tu Reflexión" pic.twitter.com/3vEKIJvR28
Ganadora de la sexta edición de la instalación chilena, la propuesta 'Tu reflexión' dejó en el camino a las propuestas de los arquitectos MVM (Javier Martín, Felipe Vera y José Mayoral), Nicolás del Río, Tomás Villalón y Cristián Izquierdo Lehmann. Al igual que en su edición anterior, el proyecto se inaugurará en marzo de 2016, al finalizar el verano meridional en Santiago de Chile.
Junto a Nueva York, Estambul, Roma y Seúl, YAP Constructo es una de las cinco versiones del YAP (The Young Architects Program), una colaboración anual entre el Museo de Arte Moderno y el MoMA PS1 que "fomenta la investigación en diseño innovador y promueve el talento emergente".
¡La quinta edición de 180 Creative Camp ya está en juego! A realizarse en la ciudad portuguesa de Abrantes entre el 5 y el 12 de julio, 180 Creative Camp une a algunos de los exponentes creativos más inspiradores del mundo durante una semana.
Por segundo año consecutivo, y en asociación con la Municipalidad de Abrantes, 180 Creative Camp busca propuestas para una intervención urbana a ser desplegada en el centro histórico de la ciudad portuguesa, así también como 15 intervenciones denominadas "Stores Art Attack".
Sigue leyendo después del salto.
Organizado por Canal180, el evento combina video, música, fotografía, diseño, arquitectura y arte urbano, además seleccionará una propuesta de intervención artística en el centro histórico de Abrantes con el propósito de estimular la apropiación de los espacios públicos de la ciudad por parte de los residentes y turistas, entregando un premio de 5.000€ a la propuesta ganadora.
ArchDaily, junto a la Trienal de Arquitectura de Lisboa, el colectivo alemán Plastique Fantastique, Canal180 y la Municipalidad de Abrantes serán parte del jurado de esta edición.
180 Creative Camp también escogerá 15 “Stores Art Attack Projects", una iniciativa que nació en la edición 2014 del evento, donde 15 intervenciones internacionales son implementadas en locales tradicionales del centro histórico de Abrantes, con el objetivo de revitalizar el comercio local.
Los autores de las propuestas ganadoras tendrán libre acceso a todas las actividades de 180 Creative Camp, además de alojamiento y comidas durante el evento. Adicionalmente, cada propuesta seleccionada recibirá 200€ para su implementación.
180 Creative Camp revelerá prontamente el listado de los artistas que asistirán a la edición 2015, así como también las nuevas asociaciones con plataformas internacionales de difusión, las cuales formarán parte de las intervenciones, exhibiciones y presentaciones durante el evento. Además, el evento presentará un evento musical cada noche.
Ésta es la tercera vez que la ciudad de Abrantes, ubicada en el corazón de Portugal, abrirá sus calles y plazas a 180 Creative Camp, producido por la señal televisiva portuguesa Canal180.
Los artistas interesados deben postular en 180.camp hasta el 31 de mayo. Para más información, visita el sitio web o contáctate a creative.camp@ostv.pt.
La pasarela de vidrio más larga del mundo se ha inaugurado en China. Sobresale por el borde de un acantilado de 718 metros de altura en el Parque Geológico Nacional Longgangen en Chongqing, informó CCTV. Acertadamente llamada Yuanduan, que significa "al final de las nubes", la pasarela en forma de herradura ofrece a los visitantes impresionantes (y un poco aterradoras) vistas de las montañas colindantes y del cañón de abajo. Extendiéndose por más de 26 metros sobre la orilla del acantilado, el puente es cinco metros más largo que el famoso Skywalk del Gran Cañón. Sólo se permitirá el paso sobre el puente a 30 turistas a la vez. Ve la galería de imágenes publicadas en The Daily Mail.
Fotografías: Cortesía de Patano Studio Architecture
Cortesía de Patano Studio Architecture
Descripción de los arquitectos. Visitas iniciales a las instalaciones de la Universidad de Idaho Pitkin Nursery revelaron casas aro, cobertizos de metal y un montón de macetas. A partir de la idea de una caja de madera que flota en el ondulante mar de Palouse, el equipo de diseño se dispuso a hilvanar el programa, el paisaje y la materialidad de los productos forestales de Idaho. La universidad quería extender su alcance público, además de las funciones de investigación de vivero.
Cortesía de Patano Studio Architecture
Las extendidas rampas y cubiertas alcanzan los paisajes e invitan al público y a los estudiantes al edificio. La oficina de ventas es arrastrada por medio de una pantalla de madera como una manera de expresarse más allá de las funciones de las salas de clases, oficinas, y de reunión social. La pantalla de madera de cedro, que se encuentra a la intemperie de la construcción, fue imaginada como una moderna tienda occidental. La repetición de cajas apiladas era intrigante; vimos que la pieza expresa la transición desde el vivero de trabajo hacia el aula. La pantalla de madera de cedro es el elemento umbral para profesores y estudiantes que cruzan la brecha entre los dos elementos; la pantalla de madera y la caja negra.
Planta
Trabajando en colaboración con socios de la industria de madera de Idaho, que fabrican y desarrollan productos como madera dimensionada, cedro, vigas compuestas y vigas glu-lam, el equipo de diseño quiso expresar los atributos del material. Cada palo de madera y cada chapa provenía de una distancia media de 95 km del lugar del proyecto. Conocer y trabajar con profesionales de la industria y artesanos nos dio conocimiento de primera mano de cada una de las propiedades de los productos y nos informaron la mejor ubicación y presentación de dichos productos.
Cortesía de Patano Studio Architecture
El éxito de este singular proyecto requirió extender el enfoque de estudio a todos los miembros del equipo, incluyendo socios de la industria, el personal universitario y ex-alumnos artesanos. Los materiales donados consistían totalmente de productos forestales Idaho.
Cortesía de Patano Studio Architecture
Las revisiones del diseño y nuevos enfoques se realizaron durante la documentación y la construcción para adaptarse a los materiales disponibles. Un constante diálogo definió un tipo diferente de diseño integrado; cada resultado mejoró el proceso.
David Chipperfield Architects han presentado un proyecto para conectar dos sitios de grado II -listados por el Royal Academy of Arts en Londres: el Burlington House del siglo 17 y los Burlington Gardens del siglo 19- a través de un plan maestro de "intervenciones sutiles" que tendrá un costo total de £50 millones ($80 millones USD). Según Architects' Journal, las dos estructuras estarán vinculadas por un puente de hormigón, que se extiende 15 metros a través de un área de servicio y un patio, creando una serie de nuevos espacios de exposición, una sala de conferencias y un nuevo espacio para las renombradas escuelas de arte y arquitectura del Royal Academy. Mediante una serie de prolongaciones de las cubiertas y terrazas, se otorgarán nuevas vistas sobre el centro de Londres.
Cortesía de David Chipperfield Architects
Cortesía de David Chipperfield Architects
Se espera que el proyecto sea completado a principios del 2018, comenzando los trabajos este mes de octubre si se aseguran los fondos de financiación. Chipperfield ha comentado "que espera que las 'intervenciones físicas' del proyecto se encuentren en un segundo plano, la apertura de los espacios existentes y la creación de una nueva vía de conexión entre Burlington Terrace y Piccadilly son su foco principal".
También ha dicho que: "Este proyecto es una solución arquitectónica incrustada en el lugar en sí, una serie de intervenciones sutiles, que suman a algo muy diferente [...] Se verán los Cast Corridors, donde las escuelas han estado todo este tiempo. Es una pequeña cantidad de arquitectura para un resultado tan profundo [...] Si la mayoría de los museos son Zurich, este es el Nápoles del mundo de los museos".
El colectivo madrileño Boa Mistura está integrado por cinco jóvenes que en 2001 dejaron sus trabajos para dedicarse por completo al arte urbano. Desde entonces, han viajado por el mundo realizando intervenciones que a través de la pintura buscan una manera de conectarse con las personas del lugar y así mejorar su entorno.
Barrios de España, Serbia, Madrid, México, Panamá, Sudáfrica y una favela en Río de Janeiro son algunos de los lugares hasta donde este colectivo ha ido a ayudar a que los habitantes se sientan más orgullosos del lugar en donde viven bajo la premisa de que “si nuestra obra no mejora el soporte donde intervenimos, no actuamos sobre él”.
Más detalles a continuación.
En la charla TED de este artículo, el colectivo cuenta cuál es el aporte que en su experiencia creen que entrega el arte urbano a una ciudad y a sus habitantes, cuáles son las ventajas de intervenir la ciudad, descrita como un “soporte soñado” por tres motivos, y con qué fin deciden pintar nuevos muros. Asimismo, la charla está acompañada por imágenes de sus proyectos.
Cortesia de Boamistura
La experiencia de Boa Mistura sobre las ventajas del arte urbano en las ciudades coincide con lo propuesto por el alcalde de Tirana, Edi Rama, quien implementó un plan para intervenir la ciudad porque “a través del color quería recuperar la esperanza que se había perdido en mi ciudad”.
En este misma línea, los artistas holandeses Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn, quienes pintaron una favela de Río de Janeiro, destacan en una charla cómo la pintura puede transformar las comunidades.
Descripción de los arquitectos. Una Ciudad Colorida en Miniatura
"Mama smile" es una instalación infantil de juegos para familias ubicada en el interior del centro comercial. Emmanuelle ha desarrollado un nuevo concepto de marca y diseño interior, un nuevo espacio familiar se ha abierto en Mito compuesto de un parque infantil y una guardería. Aunque se encuentra en el interior del centro comercial, da una sensación hogareña, segura y cómoda
La entrada al parque tiene una abertura recortada en una pared blanca, en forma de casa dibujada por un niño. Detrás de la apertura hay un mundo colorido, con casas en 7 colores con tonos de amarillo, rosado, verde y azul. Es como una ciudad en miniatura para los visitantes y da una sensación de estar dentro de una casa confortable.
La disposición no entrega una visión completa del parque, las casas de colores dividen el espacio, animado a descubrir curiosidades en los multiples callejones que se forman entre las casas. Además, se espera que el espacio de colores ayude al crecimiento de la mente de los niños desde el punto de vista de "iro-Iku" (iro-iku es una palabra japonesa que describe un método para usar el efecto del color para desarrollar la "concentración", "imaginación" y "comunicación" de un niño).
Planta
La zona de juegos se compone de varias áreas con diferentes funciones. El "Área para Todos (Minna-no-Hiroba)", disponible para eventos como fiestas de cumpleaños, "el área para eventos (ibento-Hiroba)" para eventos de juego y danza, el "área con equipos aéreos" da un espacio para que los niños corran alrededor, y el "Área de Rastreo (hai-hai-Hiroba)" para los bebés y cafetería junto con un piso acolchonado para que los adultos se mantengan en el mismo nivel que los ojos de los niños.
Estas áreas están divididas suavemente por las casas, dejando que los visitantes paseen mientras sienten la presencia del otro, ya que cada zona está conectada con el conjunto de forma natural.
"Mama smile" es un lugar donde los adultos pueden vigilar a los niños que juegan libremente, y se espera que los niños construyan una rica sensibilidad en este espacio lleno de colores.
Un artista quería hacerse un taller de 60m2/ en el jardín de su casa y nos preguntó si lo podíamos conseguir por un PEM de 34.000€. Aceptamos el reto y juntamente con un carpintero local, se procedió para que pudiera estar montado en sólo tres semanas, para evitar generar conflicto con el día a día de la casa. Para conseguirlo, se escogió un sistema de madera que permitiese un montaje previo en taller.
Despiece
La casa es de tipología en forma de “L” que configura un espacio de jardín cuadrado, en el cual hay un árbol de dimensiones impresionantes. Se quería entonces, preservar el imponente árbol y enmarcar las vistas hacia el jardín perimetral, abriendo nuevas visuales y evitar ver la casa des del interior del taller.
El espacio del taller es una planta en cruz, donde el espacio central a doble altura es el principal sitio de trabajo del artista, mientras que las cuatro alas que gravitan a su alrededor, acogen el acceso, el almacén, la pila y un gran espacio de esta.
Entendiendo la energía y los recursos como problemáticas inescapables para la arquitectura contemporánea, Ediciones ARQ presenta en número 89 de su revista, titulado "Energía y Recursos". Asumiendo que la preocupación por la sustentabilidad ya es un hecho, este número propone que la responsabilidad actual de la arquitectura es ir un paso más allá, explorando aquellos aspectos que aún no han sido estudiados por la arquitectura verde."
ARQ 89 abre una nueva etapa en la revista, con un nuevo editor y un renovado comité editorial, además de cambios en el diseño de la revista.
Publicado en 1972, el informe The Limits to Growth concluía que, si se proyectaban las tasas de crecimiento de ese entonces, el mundo se quedaría sin recursos a mediados del siglo XXI. Estas alarmantes conclusiones –que hacían eco del pesimismo de Garret Hardin– inauguraban uno de los discursos más exitosos del último medio siglo: el de la conciencia ecológica. Un año más tarde, la crisis del petróleo de 1973 transformaba estas advertencias en realidad, mostrando cómo sería la vida sin energía ni recursos.
Si bien fue resistido en sus inicios, la efectividad de este discurso ha sido tal que hoy ya hemos internalizado sus enunciados. En las últimas cuatro décadas hemos aprendido que los recursos son finitos, que el crecimiento sin límites daña el planeta y que, de no hacer más eficiente el consumo energético, las siguientes generaciones pagarán la cuenta por las comodidades que ahora disfrutamos.
En la arquitectura contemporánea, la conciencia ecológica se encuentra en un equilibro crítico: sabemos que no la podemos pasar por alto pues entendemos que la construcción es uno de los principales consumidores de energía y recursos, pero a la vez percibimos que ‘lo sustentable’ se ha convertido en un cliché y que quizás sea mejor dar vuelta la página. En ese contexto, ¿por qué dedicarle un número de ARQ a un discurso consolidado en vez de apostar por nuevos temas?.
La arquitectura es una conversación continua que, cuando se empieza a volver reiterativa, cambia de foco para mantener el interés. Sin embargo hay temas, como la energía y los recursos, que son demasiado importantes como para dejarlos de lado. En tales momentos una revista como ARQ tiene la responsabilidad de buscar argumentos y puntos de vista capaces de refrescar esos temas que, a pesar de su urgencia, nos parecen agotados. Son precisamente esos nuevos enfoques los que se ponen en relieve en este número.
Descripción de los arquitectos. Esta vivienda de un sólo nivel funciona como una casa de retiro para un comerciante de vinos y su esposa. Situado entre dos árboles de 60 años de antigüedad, el edificio está en estrecho contacto con los árboles.
La fachada de alerce y el techo de carácter monolítico se inspiran en una casa arquetípica. La fundación de la construcción en madera con orientación sur constituye la bodega subterránea histórica, que es accesible desde el exterior.
Puertas de correderas permiten el contacto directo con la naturaleza mientras que las aberturas en el techo hacen que el cielo esté permanentemente presente.
La Meca ha revelado sus planes para construir el hotel más grande del mundo en 2017. Con 10.000 habitaciones, el Hotel Abraj Kudai será construido en el distrito de Manafia, al sur de la Gran Mezquita y será una ciudad dentro de otra, albergando 70 restaurantes, una estación de autobuses, un centro comercial, centro de conferencias, salones de baile y cinco pisos exclusivos para la familia real saudí; todo encapsulado en una docena de torres sobre un podio de 10 pisos.
Tal como reportó The Guardian, algunos temen que la "santidad del lugar" esté siendo reemplazada por un lugar de alojamiento como Las Vagas, lo cual ha tenido un impacto global en la asequibilidad de la peregrinación al lugar santo del Islamismo.
Mientras tanto, la sala de oración de la Gran Mezquita está siendo ampliada para recibir a siete millones de devotos para 2050. Algunos de los cuales se hospedan en la torre Abraj al-Bait, un hotel de lujo que es el segundo edificio más alto del mundo.
De nacionalidad portugués y criado en Venezuela, Manuel Pita también conocido como "Sejkko", es un cineasta que expresa su creatividad en Instagram. Sus fotos componen figuras conceptuales ligadas a las dimensiones del espacio y del tiempo.
Sejkko es derivado del japonés seikko, que significa "niño sincero" y "poder de la verdad". La elección de este nombre demuestra las intenciones del portuguéz con su arte.
Cortesía de Sejkko
En la serie "Casas Solitarias" el artista retrara casas portuguesas que, a través de colores, arquitectura y entorno, transmiten sus recuerdos, principalmente ligados a su hogar de infancia.
Cortesía de Sejkko
A continuación revisa una descripción y más imágenes sobre su proyecto.
"Mis "casas solitarias" comenzaron a existir, de alguna forma, desde que yo era muy pequeño. Hubo un momento en que percibí que había una dicotomia en mi, entre lo que estaba viendo fuera, y lo que yo mismo estaba viendo desde mi interior.
Cortesía de Sejkko
Mirando hacia atras, habiendo nacido en los trópicos, parecía hacer recuerdos de otra casa, una de colores muy suaves, sonidos sutiles y casi imperceptible. Los colores vibrantes de mi nueva casa me sorprendieron, me fascinaron, y contrastaban profundamente con lo que traía adentro de mi.
Cortesía de Sejkko
Las mismas casas suelen tener esos colores tropicales y vibrantes del lugar donde nací. A veces, las personas que las ven, se sentirán confundidos: algunas casas parecen perdidas y fuera de lugar. Otras, transmiten una sensación de abundancia o plenitud, de saber dónde estan, y de contener calor humano. Estas casas, invariablemente, cargan elementos de mi crianza aún en mi, y de mi dicotomía.
Cortesía de Sejkko
Hoy continúo buscando esa casa, que vive en mis vagos recuerdos desde siempre, en las máis tradcionales casas protuguesas. Todas las fotos son tomadas con mi celular, y editadas para mostrar lo que veo en ellas. Recientemente comence a interesarme mucho por documentar también sus personalidades, dentro del contexto geográfico y cultural de donde las encontré".
El próximo miércoles 27 de mayo la arquitecta Graciela Silvestri dictará en Santiago la conferencia "Territorio guaraní: cultura, infraestructura y recursos naturales en la larga duración" en el Centro de Posgrado de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile.
La conferencia se enmarca en una investigación actualmente en curso en conjunto con Jorge Silvetti.
Título: Conferencia "Territorio guaraní: cultura, infraestructura y recursos naturales en la larga duración"
Descripción de los arquitectos. El año pasado, el fotógrafo de arquitectura Iwan Baan hizo un viaje a Sudáfrica para visitar el Centro de Interpretación Mapungubwe diseñado por Peter Rich Architects.
Mapungubwe, ubicado en la frontera norte de Sudáfrica con Botswana y Zimbabwe, prosperó entre 1200 y 1300 dC por ser uno de los primeros lugares que producían oro, pero después de su caída permaneció deshabitado durante más de 700 años, hasta su descubrimiento en 1933. La sociedad viviendo en lo que hoy es Patrimonio de la Humanidad de la Unesco, se cree que ha sido la más compleja en la región, implementando del primer sistema basado en clases sociales del sur de África. Además de la herencia cultural, Mapungubwe es también el hogar de una inmensamente rica flora y fauna, incluyendo árboles baobab de más de 1000 años y una gran variedad de vida animal, incluyendo elefantes, jirafas, rinocerontes blancos, antílopes y 400 especies de aves.
En este entorno surrealista Peter Rich ha diseñado un centro de visitantes de 1.500 metros cuadrados que incluye espacios para contar las historias del lugar y de los artefactos, junto con las instalaciones turísticas y oficinas SANParks. El complejo es un conjunto de bóvedas de piedra revestidas equilibradas en el sitio en pendiente, dentro del contexto de las formaciones de arena y bosques mopane.
Las bóvedas se han diseñado en colaboración con John Ochsendorf del MIT y Michael Ramage, Univ. de Cambridge; usando un sistema constructivo de 600 años de antigüedad para lograr un bajo impacto económico y ambiental. La bóveda tradicional, utilizando fabricación local de baldosas de cemento presionadas, permitió que el diseño que se materializase con un encofrado mínimo y sin refuerzos de acero. Además, la ambición era integrar la mano de obra local no calificada en un programa de alivio de la pobreza mediante la capacitación para producir los más de 200.000 ladrillos necesarios para la construcción de las bóvedas.
El Centro de Interpretación Mapungubwe se realizó utilizando las últimas novedades en geometría estructural junto con una técnica de construcción antigua, con el fin de implementar un diseño contemporáneo, destinado a albergar cientos de años de artefactos viejos.
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