Si tienes pensado estudiar arquitectura o un magíster relacionado en Estados Unidos, es hora de conocer la más reciente edición del ránking anual de DesignIntelligence sobre programas de pregrado (undergraduate) y posgrado (graduate). En esta ocasión, CEOs (Chief Executive Officers), socios y directores de recursos humanos de más de 2.000 oficinas compartieron su lista de las 10 escuelas donde ellos sienten que los estudiantes salen mejor preparados para alcanzar el éxito en la profesión. Mientras 2.785 estudiantes fueron consultados sobre la calidad de sus programas y cuáles son sus planes para cursar en posgrado.
Esta información, junto a detalles de los mejores programas que enseñan habilidades sobre diseño, informática, sustentabilidad y métodos constructivos, se conjugan para crear el ránking 2016-2017, que puedes ver a continuación.
Top 10 / Programas de Arquitectura en Pregrado
1. Cornell University 2. California Polytechnic State University, San Luis Obispo 3. Syracuse University 4. Rice University 5. Virginia Polytechnic Institute and State University 6. University of Texas, Austin 7. Rhode Island School of Design 8. Pratt Institute 9. Auburn University 10. South California Institute of Architecture
Top 10 / Programas de Arquitectura en Posgrado
1. Harvard University 2. (Empate) Cornell University 2. (Empate) Massachusetts Institute of Technology 4. Columbia University 5. Yale University 6. University of California, Berkeley 7. University of Michigan 8. Syracuse University 9. Rice University 10. University of Pennsylvania
Estos listados incluyen el nombre original de la institución en inglés para hacer más fácil su búsqueda en Internet. Puedes leer sobre la metodología y los análisis detrás de este ránking aquí.
Según muchos estudios, el fenómeno co work está intrínsecamente asociado al mundo urbano. La densidad, la mezcla de personas y oportunidades que produce una gran urbe, favorece que en ellas aparezcan lugares cuya razón de ser es compartir la creatividad. Por eso nos parecía natural que nuestros espacios rindieran homenaje y se inspiraran en grandes ciudades. UTOPIC_US es además una empresa creativa, joven, incluso podríamos decir que un poco gamberra y la idea de mezclar inspiraciones y recuerdos de dos ciudades, a priori muy distintas, sintonizaba con el alma de compañía. A su vez Izaskun Chinchilla Architects busca a través de la sorpresa y de la interactividad reforzar el vínculo entre diseño y usuario.
Conde de Casal es el primer espacio que abrimos con esta filosofía y, por eso, hemos recurrido a dos clásicos: Nueva York y Tokyo. Dos ciudades a las que todo el mundo quiere viajar, a las que todo el mundo quiere volver, aún cuando ya haya estado, y cuyos iconos conocemos en cada rincón del planeta. Son lugares que forman parte de un imaginario universal. Nueva York sigue siendo el emblema de una ciudad abierta a la que se va a inventar y triunfar y Tokyo sigue siendo el lugar donde la tecnología puntera es compatible con la cultura ancestral. Así es UTOPIC_US Conde de Casal: abierto, lleno de oportunidades para los que imaginan un mundo distinto.
Planta
Diagrama
Madrid es una ciudad cuya historia cultural puede describirse a partir de las trasformaciones que las generaciones jóvenes han impuesto.
Ahora los millenial nos han hecho creer en la importancia de formar redes, en las ventajas de compartir. Ellos están volviendo a trasformar Madrid. utopic Us Conde de Casal es un proyecto ambicioso, forma parte de una red de espacios que quieren ser la sede para que esta generación trasforme Madrid, para que la conviertan en la capital del emprendimiento creativo. Queremos ser el soporte, el bastión de esa generación.
El proyecto consiste en el equipamiento de un local existente. Hemos diseñado un equipamiento versátil pero con carácter, que pueda ser trasladado a otro local pero resulte memorable. Hemos trabajado modificando y transformando mobiliario industrial y contemporáneo (camas en mesas, literas en Skype rooms...) y se ha empleado mucho color mediante telas, cerámicas, papeles, etc.
Descripción de los arquitectos. La casa se ubica en un barrio suburbano de la provincia de Buenos Aires. El lote en esquina planteaba el doble desafío de trabajar la relación interior exterior, las visuales largas y el asoleamiento de la casa, manteniendo la privacidad e intimidad deseada por los propietarios. De este modo surge como premisa la necesidad de generar un proyecto con una imagen sólida y maciza hacia el exterior, y traslucida y abierta hacia al interior.
La organización de la casa plantea una planta baja “social” y abierta y un primer nivel “privado” y compacto. En la parte inferior se trabajó de manera fluida y desmaterializada de adentro hacia afuera buscando expandir los límites del interior y el exterior a partir de cerramientos verticales traslucidos y espacios continuos y flexibles. Los distintos ambientes que la componen, tanto interiores como exteriores, están todos comunicados entre sí logrando conformar un solo gran espacio. De esta manera se intenta desjerarquizar los usos tradicionales de una vivienda. Una serie de patios descubiertos y semicubiertos articulan estos espacios interiores, proveyéndoles no solo de lugares de expansión exterior sino mejorando las condiciones térmicas de asoleamiento y ventilación de dichos ambientes.
axonométrica
axonométrica
La planta superior compacta, se desarrollan los ambientes más privados de la casa. Los mismos se organizan buscando visuales largas hacia el frente y aprovechamiento de la luz natural. Todos los ambientes cuentan con ventilación cruzada y aventamientos en al menos dos orientaciones.
Las paredes blancas del exterior, trabajadas como un elemento macizo y sólido, continúan con la búsqueda potenciar el reflejo de la luz natural en todo el perímetro de la casa. Una serie mampuestos de ladrillo común revocado, cerramiento en madera y aventamientos, rompen con la noción de un único cerramiento, generando alteraciones y texturas que alivianan dicha imagen.
Constructivamente la casa se resuelve con estructura de hormigón armado y cerramientos verticales de mampostería, vidrio y madera. En el interior se combinan materiales que den textura y confort, como pisos de madera y de hormigón, mientras que para el exterior se trabajó con solados de adoquines de madera recuperados y piedra partida.
Considerada como patrimonio del movimiento moderno en Colombia, la Torre Colpatria se alza sobre el sector de San Diego en el reconocido Centro Internacional de Bogotá. Conformado por 50 pisos, los 196 metros de altura la convirtieron durante muchos años en el edificio más alto del país hasta la construcción del BD Bacatá (2016), también en Bogotá. La implementación de técnicas constructivas innovadoras y su localización sobre la intersección de dos vías arteriales de la capital -la Carrera Séptima con Avenida El Dorado (Calle 26)- la constituyeron en un hito arquitectónico de la ciudad. Su diseño sobrio y contundente aportó al perfil urbano una pauta sin precedentes en la década del 70.
A mediados del siglo XX y tras las iniciativas enunciadas en el Plan Piloto de Le Corbusier, la Sociedad Colombiana de Arquitectos y varios alcaldes capitalinos establecieron ejes arteriales al prever el crecimiento de la ciudad, acompañados de la ampliación de algunas manzanas que darían paso a la consolidación de ambiciosos conjuntos de edificios para adjudicar la llegada de la modernidad. Para brindarle a la ciudad nuevos perfiles urbanos, se consolidó tanto por la carrera séptima como por la carrera décima unos paramentos viales que atendieran a actividades comerciales, culturales y residenciales, conectados por parques y plazoletas. Producto de interventorías, concursos, consultorías técnicas e innovaciones formales, se buscaba congregar diversos usos en áreas potencialmente densas.
Como proyecto ganador del premio Nacional de Arquitectura en 1966, El Centro Internacional de Bogotá, labor desempeñada de la mano de firmas coetáneas, pretendían aportar a la ciudad orden y sobriedad formal. Dentro de este conjunto está inscrita la Torre Colpatria, cuyo diseño estuvo a cargo de la firma de arquitectos Obregón y Valenzuela & Cía en 1973 como iniciativa del Grupo Colpatria. Tras definir los diseños, la constructora encargada fue la empresa Pizano Pradilla Caro y Restrepo Ltda. quienes concluyeron la obra en 1978.
La Torre Colpatria logró impulsar la trayectoria de Obregón y Valenzuela & Cía al merecido reconocimiento como grandes maestros de la arquitectura moderna en Colombia. Su prolífica obra imparte los inicios de la modernidad con una sobresaliente factura y una pulcra ejecución de sus ideas, desde construcciones domésticas, oficinas, edificios comerciales, hasta edificios de renta e instituciones estatales.
Durante 36 años la Torre Colpatria fue el edificio más alto de Colombia y uno de los más altos a nivel continental. Desde su finalización superó al Centro de Comercio Internacional (192 metros, Bogotá) como el edificio más alto de América Latina. Hacia 1982 la construcción de la Torre Ejecutiva Pemex de Ciudad de México le arrebató el puesto y posteriormente en 1983 esta última sería superada por las Torres del Parque Central en Caracas, Venezuela. En 2016 se sitúa en el 5° lugar en Sudamérica y el puesto 26° en América Latina, siendo superado por rascacielos en Ciudad de México, Panamá, Caracas y Santiago de Chile. Ahora, en Bogotá el 19 de abril de 2015 se inició la obra del edificio BD Bacatá, superando notoriamente a la Torre Colpatria, y convirtiéndose en el edificio más alto de Colombia.
Planta primer piso
El conjunto de la Torre Colpatria consta de la torre de 50 pisos y de un bloque adjunto de 10 pisos al costado sur, proporcionando una relación escalar al conjunto. En este punto menor se localiza un sector comercial, oficinas y estacionamientos. La base de la torre es cuadrada, pero aún así no se encuentra paralela ni a la calle séptima, ni a la calle 26; se dispone de forma diagonal encarando al Parque de la Independencia. Al interior se conforma por dos núcleos: uno exterior encargado de suministrar ventilación y luz natural a las oficinas y servicios, con indispensables funciones estructurales desde la primera planta a la Azotea donde se encuentra el helipuerto y el reconocido mirador sobre el centro histórico de la ciudad. Mientras que el interior se encarga de contener el núcleo central (punto fijo).
En este caso el papel de la plataforma no atiende al convencional propuesto por los grandes referentes internacionales, debido a que la torre llega directamente al nivel de la calle y este se entiende como un espacio residual donde se localizan los dos volúmenes sin tocarse. Las nuevas técnicas constructivas y sismo resistentes de la época evidenciaron un diseño estructural que resultó ideal para los rascacielos y la necesaria elasticidad que proporcionaría en caso de movimientos horizontales. Finalmente se estableció el sistema estructural tubo en tubo o (núcleo en núcleo), donde un tubo pantalla interior es contenido por un tubo aporticado exterior que desde los años sesenta se estaba implementando para el diseño de rascacielos en Norteamérica, tras la búsqueda por facilitar la resolución de los ventanales en las fachadas de dichas construcciones.
Debido a su ubicación en un terreno de arenas expansivas, se empleó una cimentación profunda como resultado del estudio de suelos entregado por Antonio Paez y Pablo Sáenz: en superficie presenta 22 metros de arcillas y limos superficiales, seguido de 18 metros de arcilla gris arenosa, 10 metros de arcilla gris verdosa cementada, 10 metros de formación Bogotá [pdf] y algo más de 60 metros de arcillolita amarillenta de alta densidad. Para dar anclaje a la torre fueron necesarios 24 pozos de cimentación caissons, sobre los que reposa la plataforma. A los 50 metros de profundidad, conformados por 16 pilas de 2 metros de diámetro bajo el tubo exterior y 8 pilas de 24 metros de diámetro bajo el tubo interior, la solución requirió más de 6.000 toneladas de hormigón y 3.000 toneladas de acero. Lo que marcó una pauta en términos de estudios del suelo y su correcta interacción con la estructura.
El sistema aporticado del tubo exterior se conforma por 4 columnas situadas en cada esquina con un grosor de 35 cm y 80 cm de largo. Entre los costados superior e inferior se disponen 2 columnas de 90 cm por 40 cm distanciadas por un metro. Mientras que hacia los costados laterales se disponen pantallas de 1,25 metros y un grosor de 40 cm. Las vigas que amarran las columnas tienen una sección de 1,20 metros de altura por 0,45 mts de ancho, con una forma particular. Al interior, las viguetas están equidistantes cada 1,8 metros, con una sección de 15 cm de ancho por 20 cm de alto.
En cuanto al tubo exterior las columnas que lo conforman están dispuestas cada 13,05 metros, conectadas por vigas de borde de 30 metros de ancho por 75 cm de alto. Situadas en parejas, las vigas se superponen en el rígido núcleo generando una luz de 7,25 metros, cada una de 20 cm de ancho por 55 cm de alto. De acuerdo con estas nuevas soluciones estructurales la instalación de la ventanería fue más eficiente entonces, permitiéndole a Obregón y Valenzuela & Cía. Ltda proponer fachadas con efectos visuales novedosos y que se convertirían en un elemento para recordar en su obra. Las pilastras sobre la fachada fueron un prefabricado en hormigón con mármol abujardado, entramado que sugiere un tejido a la vez que cumple una función estructural.
Con motivo del aniversario de Bogotá, en 1998 se instalaron 36 luces de xenón que proyectaban distintos rayos de luz sobre las pilastras blancas. A finales del 2012 fueron reemplazadas con luces LED, como inversión por parte de la compañía Philips de un millón de dólares. Estas luces son extensiones de 120 metros de altura entre el piso 12 y el 46. El nuevo sistema concede la proyección de imágenes en alta calidad por cada una de las cuatro fachadas. La técnica empleada fue la disposición de esta luces sobre canaletas que se fijaron a la fachada por medio de clavos de impacto a cada 40 cm, canaleta que se encuentra cerrada herméticamente para la total protección de los cables.
Fiel representante de la imprenta del movimiento moderno en Colombia, el uso de mecanismos de repetición en sus fachadas, la búsqueda de espacios de mediación entre la Torre y el espacio público, acompañados de innovación estructural; la Torre Colpatria seguirá siendo una de las primeras iniciativas sobre arquitecturas urbanas. Como parte del mega proyecto Centro Internacional, los criterios sobre estas agrupaciones de edificios en altura pretendieron entregarle a la ciudad de Bogotá una continuidad funcional más allá del interior de las edificaciones, abriéndose a concebir la calle como un espacio de múltiples usos potenciadores de la socialización de sus habitantes.
Descripción de los arquitectos. Situado en la periferia de la ciudad de Braga, este sitio tiene 815 m2. Se ubica en una ladera y tiene una alineación visual privilegiada hacia la ciudad. Con un total de 3 plantas, la vivienda se piensa en una forma que se adaptase al declive del terreno, permitiendo un buen funcionamiento y la articulación de todos los espacios, previniendo una construcción con demasiado impacto, manteniendo participación mediante una relación equilibrada que permite la creación de un espacio exterior útil.
El piso intermedio se compone para la zona social, constituido por la cocina, sala principal y sala de juegos. Estos espacios se relacionan con la zona exterior donde se encuentra la piscina y el jardín. La planta superior está destinada a la zona privada y contiene tres suites y una oficina. En el piso inferior se coloca el garaje. La totalidad del volumen se compone por el color blanco, y el contraste del vidrio con el metal negro de las puertas y ventanas.
Autor desconocido [Dominio público]. Image vía Wikimedia Commons
En este artículo publicado originalmente en la revista Casas su autora nos cuenta la historia de la arquitecta y diseñadora irlandesa Eileen Gray. Desconocida para muchos, Gray ha sido fuente de inspiración para miles de arquitectos y diseñadores alrededor del mundo. De hecho, Le Corbusier fue su más grande admirador y también su mayor enemigo.
Eileen era un alma adelantada para su época, una mujer de armas tomar que es, para muchos, una de las grandes mentes irlandesas del siglo XX; de hecho, muchos la ponen a la altura de sus coterráneos James Joyce y William Yeats. Gray nació en Irlanda en el seno de una familia aristócrata y de acomodada posición. Su padre, el pintor James Maclaren Smith, le heredó el espíritu aventurero, mientras que el buen gusto y su pasión por la estética viene de su madre, Lady Gray.
Estudió en la Slade School of Fine Art de Londres de 1898 a 1902, a la vez que aprendía el arte del lacado en el taller de muebles de D. Charles, en la calle Dean. Esta era una técnica que adoraba y que años más tarde –en 1907 cuando se instaló definitivamente en París, en un departamento en la rue Bonaparte– la llevaría a conocer a su verdadero maestro en lacado: el japonés Seizo Sougarawa. Fue así como en 1910 comenzó a diseñar pantallas y biombos decorativos, los que se comenzaron a hacer muy famosos, llevándola en 1913 a exponer en el Salón des Artistes Décorateurs, atrayendo la atención del modisto y coleccionista de arte Jacques Doucet, quien se convirtió en su mejor cliente y al que le fabricó la famosa pantalla de cuatro paneles “Le destin” y la mesa “Lotus”.
Gray era una creativa incansable que adoraba la ingeniería y la tecnología, por lo que intentaba integrarlas a sus diseños modernos y rupturistas. A través de sus trabajos, evitaba la pretensión a toda costa, lo que más quería era lograr algo bello, elegante y útil. Con esas obras comenzó a hacerse famosa y su primer gran encargo llegó en 1917, cuando Madame Mathieu Lévy le pidió que diseñara su departamento de la rue Lota. Este hecho la lanzó a la fama, por lo que logró captar muchos nuevos encargos, lo que se tradujo que en 1922 abriera su propia tienda llamada Galerie Jean Désert, donde mostró sus muebles, pantallas y alfombras. Ese mismo año expuso su obra en Amsterdam junto al arquitecto De Stijl Jan Wils. La vanguardia holandesa recibió con admiración su diseño de un “tocador de dormitorio para Monte Carlo”. Desde ese momento su obra reflejó a una clara influencia geométrica de De Stijl.
Mesa ajustable E-1027
Pero la creatividad de Gray era enorme, por lo que en 1926 y de la mano del arquitecto rumano Jean Badovici, comenzó a aprender arquitectura, transformándose en la ayudante y pareja de Badovici. Si bien Gray era bisexual y estuvo ligada a varias mujeres, el arquitecto fue una de sus parejas más estables y conocidas. Únicamente nueve de las obras de Gray se llevaron a cabo, en tanto, cuatro de ellas fueron atribuidas a Badovici, dada la semejanza de estilos. En la actualidad, el trabajo de Gray continúa inspirando a arquitectos y diseñadores. A pesar de que su legado arquitectónico no fue muy amplio, logró construir una de las casas más emblemáticas de la arquitectura modernista, la E-1027. El nombre de esta construcción se trata de un código numérico resultante de combinar sus iniciales según el orden de las letras del alfabeto; “E” para Eileen, “10” de la “J” de Jean, “2” de la “B” de Badovici y “7” de la “G” de Gray, en ella usó varios de los conceptos de Le Corbusier, quien era muy amigo de Badovici y admiraba profundamente a Gray; de hecho, muchos dicen que la amaba en secreto.
Casa E1027, Roquebrune-Cap-Martin, Francia.
El problema entre este renombrado arquitecto y Gray comenzó cuando este intentó comprar la E-1027, a lo que Eileen se negó rotundamente. Esta casa, ubicada en la Costa Azul francesa era el refugio de Badovici y Gray, lugar creado a medida y donde ideó mobiliario especial para el lugar, con novedosos armarios empotrados aprovechando los espacios muertos. Destacaba el gran salón abierto que a su vez podía hacer de habitación para dormir. Era un espacio donde los propios muebles eran parte de la arquitectura de la casa. Gray diseñó hasta el último de los detalles de la casa, dando a todo una coherencia como no se había hecho antes.
En una de las ausencias de Gray, Le Corbusier decidió dejar su sello en la casa que no podía obtener y decidió darle un toque de “color”, pintando varios murales en la propiedad, tal fue el shock de Gray al verlos que cerró la casa para siempre. Le Corbusier no logró que se la vendiera y murió nadando justo debajo de la casa de sus sueños. Eileen demostró en esta construcción que la pretensión no estaba en sus planes; de hecho, como ella misma dijo: “La arquitectura exterior parece haber absorbido a los arquitectos avant garde a las expensas del espacio interior. Como si una casa debería ser concebida por los placeres del ojo más que por el bienestar de sus habitantes”.
Descripción de los arquitectos. La propuesta consiste en un módulo mínimo, que responde en planta a la ocupación de un cajón de estacionamiento (2.50 x 5.00 metros), pensando en su inserción prácticamente en cualquier espacio residual de los conjuntos de vivienda carentes de servicios culturales y espacios cívicos.
La idea de crecimiento progresivo al añadir módulos, ya sea en planta o en sentido vertical, responde a que sean fácilmente replicables en cualquier sitio. Se parte de un cubo, un módulo básico independiente, capaz de albergar tanto espacio de trabajo como de lectura, pero que admite el crecimiento del área de uso a través de la unión de dos o más módulos, fomentando además la apropiación del espacio exterior.
El diseño surge del concepto de transparencia con dos objetivos: aportar espacio público seguro, abierto a la vista desde el exterior, y aportar un espacio resguardado de la intemperie pero siempre visible desde fuera, incluso cuando el acceso se cierra, el módulo prevalece como una lámpara durante la noche y en todo momento exhibe lo que sucede en el interior.
El proyecto responde a una acción conjunta entre el INFONAVIT (a cargo del proyecto) y CONACULTA (a cargo de la donación de libros -mil ejemplares por unidad-), pero funcionan también como lugares de reunión y esparcimiento para la comunidad. Dotados en algunos casos con baños, con computadoras y mobiliario exterior, los módulos cumplen distintas funciones y se adecuan a las necesidades de cada sitio. Están pensados para no sufrir agravios en caso de inundaciones (de hasta 1 metro de altura, y funcionan con ventilación cruzada natural).
Módulo 1
Módulo 2
Módulo 3
Módulo 4
El diseño contempla la utilización de materiales comunes y económicos, elegidos por su durabilidad, disponibles en cualquier contexto y que puedan producirse sin necesidad de mano de obra cualificada. Todos los materiales y elementos son aparentes y pueden conseguirse en cualquier ferretería, pensando en la facilidad de ejecución y en el mantenimiento de los módulos a futuro.
Descripción de los arquitectos. Este proyecto responde a una necesidad funcional de vivienda con espacios sencillos. Un subsuelo de servicios, una primera planta que se muestra completamente libre sin interrupciones generando un espacio de habitad limpio, que a su vez se conecta visualmente con la segunda planta mediante los pasillos que conectan los dormitorios.
El principal reto en este proyecto que se encuentra emplazado dentro de una terreno limitado por sus retiros y libre de cerramientos al estar ubicado dentro de una urbanización privada fue poder generar a sus propietarios espacios interiores abiertos con luz natural pero que al mismo tiempo sean completamente privados hacia sus vecinos.
De esta manera se generó un volumen de hormigón ubicado de tal manera que sus paredes ciegas bloquen la vista del exterior hacia el interior y un segundo volumen de acero corten que por su característica y forma de colocación nos permitiera generar llenos y vacíos que genere el mismo efecto de visualización. Para lograr esto se instalaron las placas de corten en módulos sólidos y perforados en donde los segundos cumplen la función de cortineros sobre todas las entradas de luz de la casa y además se abren en su totalidad en los dormitorios permitiendo de esta manera que estos queden completamente abiertos al exterior cuando sea conveniente. De esta manera logramos un proyecto que funcionalmente genera espacios sencillos y que esta sencillez se refleje en su volumetría y materialidad.
Mezzing in Lebanon / El Líbano. Image Cortesía de AKK Architects
Los pabellones nacionales de Chile y México fueron destacados por el Jurado en la Primera Bienal de Diseño de Londres, certamen que premió a El Líbano, Rusia y Suiza con las tres principales medallas del evento internacional. Mientras una cuarta medalla (Public Medal) será otorgada según la votación del público en el sitio web de la Bienal y cuyo resultado se conocerá el 22 de septiembre.
La Bienal, que permanece abierta por tres semanas desde el 07 de septiembre en Somerset House, reúne pabellones, instalaciones, diseños y prototipos de 37 países y territorios "en una entretenida e inspirada exploración del rol del diseño en nuestro futuro colectivo".
El Líbano recibió el principal premio al adjudicarse la London Design Biennale Medal 2016 por "la más excepción contribución" de la Bienal, mientras Rusia obtuvo la Utopia Medal por alcanzar "la interpretación más inspirada del tema de esta edición de la Bienal, Utopia by Design". Mientras Suiza se adjudicó la Jaguar Innovation Medal, al "reflejar la vital importancia de la innovación en el diseño.
Integrado por 30 expertos del mundo de la creatividad, el Jurado del certamen también destacó las propuestas de Chile, Japón y México por sus "particulares respuestas al tema utópico [de la Bienal]". Asimismo, los dos primeros fueron destacados por Oliver Wainwright (The Guardian) en su selección de lo mejor de la Bienal, quien se refirió al proyecto de Japón como "una de las exhibiciones más poéticas y alegres".
Conocer el espacio físico de las oficinas de arquitectura es una curiosidad en la vida de los arquitectos. Después de todo, a través de este medio se puede averiguar cuál es el lugar que sirve como cuna de ideas y dibujos, y cómo se ve el ambiente en el que se crean lo proyectos que más admiramos. Por esta razón, buscamos en nuestro archivo algunas oficinas que han sido publicados en nuestra página. En la selección, salieron grandes nombres internacionales como MVRDV y Selgas Cano, y otros no tan famosos, pero que también tienen ideas que pueden ser interesantes como inspiración para un futuro cambio en tu espacio de trabajo.
Estás satisfecho con tu espacio de trabajo? Revisa esta sobras a continuación.
Descripción de los arquitectos. La villa fue construida originalmente en el siglo XIX y se encuentra en las orillas del río Mandovi en Goa, India. El encargo implicaba la conservación de lo máximo de la estructura original como sea posible y la adición de una nueva ala como una extensión.
El exterior de la antigua casa ha sido cuidadosamente restaurado para devolverle su carácter original, que involucró una amplia investigación sobre el estilo de la época. En lugar de emular el estilo de diseño de la villa original para la nueva ala, se extrapola en un lenguaje de diseño contemporáneo, de modo que un grado de luminosidad y modernidad se introducen en la casa. La intención era crear una estética interesante con la yuxtaposición de lo nuevo contra lo viejo.
La villa tiene una entrada sin pretensiones en una calle principal a través de la estructura original y poco a poco se va desarrollando, gradualmente aumentando en transparencia mientras uno se mueve por la casa acercándose al río. El diseño interior incluye una mezcla de muebles modernos y piezas encontradas. La planificación cuidadosa y la artesanía han producido una casa que tiene tanto la nostalgia del pasado, como la practicidad de la presente.
Cualquier persona que ha utilizado alguna vez un Etch A Sketch sabe lo difícil que puede ser dibujar en él, incluso aunque sean formas muy simples. Sin embargo, para algunos fanáticos, el reto es simplemente parte de la diversión. La artista Jane Labowitch, conocida también como "la princesa del Etch A Sketch", es una de esas personas. Desde los 4 años, Jane ha ido perfeccionando sus habilidades de dibujo en esta herramienta, recreando obras de arte, de arquitectura y de la cultura pop.
Revisa sus dibujos de algunas de las obras más representativas de la arquitectura después del salto.
Descripción de los arquitectos. De acuerdo con diversas construcciones sobre el progreso y teniendo en cuenta que el número de construcciones se ha disparado, el pabellón es uno de los sectores que tiene un efecto significativo en la mente de la audiencia y, en sentido práctico, desempeña un rol principal. Estos espacios son más convenientes en el presente y representan la capacidad de adaptación del futuro.
Planta
Con el fin de lograr este objetivo, la mayoría de los espacios se diseñaron para que sean flexible. El crear fluidez espacial fue uno de los facores importantes para Plaint Design. El proyecto Asuntos Económicos de Hamedan, en que la renovación espacial se hizo de acuerdo a su uso pasado, ha sido posible crear un sentimiento de confianza para el inversor extranjero y un ícono representativo de Hamedan. Eliminando los obsteaculos existentes y limitandose a los muros, se utilizó el vidrio para lograr una secuencia de extrusión. El proyecto ha sido capaz de satisfacer las necesidades de un espacio de suministro y de crear una fluidez espacial en la dimensión visual.
Transformar una superficie de papel en un solo volumen por medio del énfasis de capas suaves ayudó a esta causa. Las circulaciones en el espacio incluyen diferentes tipos de movimientos que los visitantes pueden experimentar. El plan genérico crea una identidad única e independiente que contrasta con otros espacios. Por lo tanto se concluye que este diseño es apropiado para el tiempo presente y es flexible para el futuro.
Descripción de los arquitectos. El único gran requerimiento del cliente era que todas las habitaciones debían estar orientadas al sur. La ciudad de Kai, se encuentra en la cuenca Kofu, donde pasan un crudo invierno, en la parte central de Japón.
Nos dimos cuenta que la gente que vive en esta zona es incomparablemente la más deseosa que hemos visto en Tokio.
De acuerdo con las regulaciones del sitio, es posible apilar todas las habitaciones verticalmente y construir una casa de 3 pisos. Sin embargo, creemos que no es una buena solución, ya que ocupar cada piso puede debilitar la relación entre la familia, aunque la pareja tiene dos hijos pequeños. Además el volumen debe ser coercitivo en comparación con las casas de dos pisos de alrededor.
Planta
Por lo tanto, hemos diseñado el volumen como una forma de terrazas en el que todas las habitaciones están orientadas al sur, aún así los pisos mantienen conexiones horizontalmente.
El nivel inferior consta de una sala de estar que conecta con el patio delantero, una galería o espacio refrescante y dormitorios. Cuanto mayor es el espacio, más privado es. El espacio adosado bajo el volumen se utiliza para el extremo opuesto de la casa, como baño, aseo y almacenamiento.
Nuestro intento aquí es para crear espacios intermedios donde cada miembro de la familia disfruta de su propio tiempo y, al mismo tiempo, se siente la atmósfera de la familia. Creemos que permite un estilo de vida diverso y rico de la joven familia.
Dicho espacio es la galería o área refrescante. Nosotros, muy conscientes, diseñamos el espacio más ancho que el corredor para ser utilizado como espacio intermedio. Los estantes enfatizan esta intención, pues son diseñados en forma de zigzag para hacer pequeñas cuevas para los niños y los escalones para ser un banco.
Estructuralmente, nos limitamos a mantener columnas de 100x100 milímetros de dimensión, aunque la casa tiene amplio espectro. La dimensión es casi igual a las columnas de madera tradicionales con las que estamos muy familiarizados. Para lograrlo, utilizamos columnas de acero de 100x100 milímetros donde se requiera.
Esta casa victoriana inusualmente larga está ubicada en el recodo de una larga fila de casas adosadas en Fulham. Dada la escasa profundidad del jardín trasero y la proporción estrecha, el cuerpo principal del edificio y su alerón trasero fueron cuidadosamente extendidos hacia el lado y en un amplio sótano, de acuerdo con las limitaciones históricas impuestas por su contexto patrimonial.
Extensos patios de luz superando las extensiones se utilizan para exponer interiores contemporáneos recientemente abiertos, que capturan luz natural abundante y abren aperturas interiores cuidadosamente esculpidas.
Corte
Corte
Un amplio espacio de sótano está conectado a los niveles superiores, tanto visual como físicamente a través de lucarnas, suelos de cristal y escaleras en voladizo, abriendo espacios a través de los niveles y creando un ambiente de hogar familiar flexible y acogedor.
Con la propuesta 'Follow the Mil', la oficina noruega Transborder Studio ha ganado un concurso por invitación para desarrollar un nuevo 'distrito agrícola' que rodeará un antigua fábrica de lácteos al este de Oslo, capital noruega. Escogida entre cinco propuestas, el proyecto ganador lucha por transformar el distrito en un lugar donde "la agricultura tiene una nueva relevancia al relacionarse con la cultura urbana de la comida, bioproductos y el rol del sector agrícola en un futuro sustentable".
Cortesía de Transborder Studio
Cercano a Bjørvika, la Estación Central de Oslo, la ciudad histórica y el barrio de Grønland, el barrio de Lanbrukskvartalet gira en torno a la histórica fábrica láctea, construida en 1912.
Cortesía de Transborder Studio
El plan de Transborder Studio remodelará la fábrica en un equipamiento de uso mixto que contiene un programa integrado por un mercado y una micro cervecería. Un mix de edificios nuevos y existentes han sido distribuidos en base a un análisis de los patrones de circulaciones de la actual fábrica, y también contribuirá al bloque agrícola con cubiertas verdes y colmenas para producir miel.
"El concepto de Transborder", explican los arquitectos, "comienza siguiendo la leche a través del edificio, dejando que el flujo de su producción defina las decisiones de diseño. Este redunda en un bloque urbano poroso con diversas aperturas hacia su entorno, un cluster de espacios urbanos con una fuerte identidad y una clara comunicación del patrimonio industrial".
Cortesía de Transborder Studio
El plan maestro duplicará la superficie total del predio, pasando de 30.000 a 60.000 metros cuadrados, incluyendo un 30% destinado a 200 unidades residenciales.
Los arquitectos esperan que el diseño permita al barrio convertirse en "una reinterpretación de la relación del lugar histórico entre la ciudad y las zonas agrícolas productivas".
En 2011, los modos de transporte que tenían mayores porcentajes en la repartición modal de Barcelona eran el transporte público (39,9%) y las caminatas (31,9%). Muy de cerca estaba el automóvil (26,7%), y por último, las bicicletas (1,5%).
Como predominaban los modos de transporte sustentables, el Ayuntamiento de Barcelona quiso potenciarlos con un nuevo Plan de Movilidad Urbana para el período 2013-2018. El objetivo es que al finalizar este ciclo las caminatas aumenten un 10%, las bicicletas un 67%, y el transporte público un 10%. Respecto al auto, la meta es disminuir su uso en un 21%.
Diseñado sobre la base de la seguridad, sostenibilidad, equidad y eficiencia, este plan considera disminuir los accidentes de tránsito, reducir la contaminación, garantizar el acceso a la movilidad e incorporar nuevas tecnologías en la gestión de la movilidad.
Para esto, comprende ocho líneas de acción, siendo la primera de ellas organizar la ciudad en supermanzanas, un proyecto que busca calmar el tráfico en las calles y queempezó a funcionar este lunes 5 de septiembre en el barrio de Poblenoue (o Pueblo Nuevo, en castellano), entre las calles Badajoz, Pallars, Llacuna y Tànger.
Esta iniciativa agrupa 9 manzanas de la ciudad en una supermanzana (400 x 400 metros) en donde se implementan medidas como habilitar veredas con 2,5 metros de ancho para facilitar el acceso de personas con movilidad reducida y que los peatones tengan más espacio público.
A su vez, esto se obtiene al eliminar los estacionamientos en superficie para automóviles -en este caso, 50 de 700-, establecer la velocidad máxima para éstos en 10 km/h y al desviar el flujo de vehículos por los bordes para que el espacio central sea para peatones y ciclistas. No obstante, los vehículos que sí pueden ingresar a las supermanzanas son los de emergencia, de los residentes, y de carga y descarga.
De acuerdo al plan, la implementación de las supermanzanas hará que cuatro puntos centrales queden libres de autos, sumando así alrededor de 8.000 metros cuadrados (cada uno tiene 1.916 m²).
Como aún no tienen un uso determinado, el próximo 12 de septiembre se iniciará un ciclo de talleres en que 200 estudiantes de arquitectura y los vecinos del sector podrán definir qué les gustaría hacer en el lugar.
La implementación de esta primera supermanzana tuvo un costo de 55 mil euros, poco más de $41 millones (en pesos chilenos), y se pretende replicar en más barrios como Horta, Sant Andre, Sant Gervasi y la Prosperitat.
De esta manera, la ciudad podrá mejorar la calidad de vida al mejorar la accesibilidad, aumentar los espacios para peatones, reducir la contaminación y fomentar el uso de las calles, sin que estén destinadas únicamente al automóvil.
Descripción de los arquitectos. Hoy en día el museo de arte de Joliette es reconocido como el más importante museo de arte regional de Quebec. Si bien la consecución de los objetivos de la conservación, difusión e investigación se estableció hace más de medio siglo por sus fundadores, el Museo continúa ampliando su colección permanente, que comprende actualmente unas 8.500 obras mantenidas en cuatro colecciones: arte canadiense, arte europeo, arte contemporáneo y arqueología .
La transformación completa y ampliación del edificio original fue necesaria para ofrecer una amplia gama de programas estructurados en torno a la promoción de su colección permanente y la presentación de exposiciones temporales, así como una serie de actividades educativas y culturales para los visitantes de todas las edades. La adición de nuevos espacios flexibles de galería, salas multimedia para los jóvenes, una cafetería de usos múltiples, salas de conferencias y una terraza en la azotea era necesaria para abrir la institución a la comunidad y para que pueda desempeñar un rol más importante en la vida de los ciudadanos de Joliette y su región circundante.
Nuestro objetivo de mejorar la conexión entre la institución y el público se logra mediante la adición de tres nuevos volúmenes al edificio que acentúan el dinamismo de la composición cruciforme existente y permite a los transeúntes una visión de la actividad que ocurre en su interior. Por otra parte, los espacios fenestrados enmarcan vistas al río L'Assomption y el paisaje urbano circundante desde dentro.
Desde su inauguración, el museo se ha convertido en un escenario importante para las actividades sociales y reuniones tales como clases, estudios creativos, espectáculos, exposiciones, visitas guiadas, cócteles y conciertos.
Corte
Se prestó especial atención a la construcción original, revelando y limpiando la estructura de hormigón existente que había sido cubierta con ladrillos y yeso con el tiempo. Con el fin de facilitar la orientación de los visitantes y crear un espacio dramático de doble altura, que forma parte de la losa de hormigón del segundo nivel fue demolida en la entrada del edificio, en donde el atrio del museo original existió en algún momento.
El museo se beneficia enormemente de una sucesión de espacios con una programación ligera y con variadas disposiciones espaciales que permiten y fomentan una multiplicidad de funciones. Por otra parte, el tiempo de reverberación de cada uno de estos espacios se modula con el uso de superficies acústicas absorbentes, mientras que las persianas motorizadas controlan los niveles de luz natural, y una serie de infraestructuras audiovisuales permiten que el contenido multimedia sea emitido y que aparezca en todos estos espacios.
Una obra de arte, concebida como parte de la integración del arte con el programa de arquitectura, se alza en la parte superior de la nueva escalera de emergencia totalmente acristalado y está perfectamente integrado en el circuito de exhibición.
El proyecto requieró una actualización completa de cumplimiento de código de los espacios existentes, incluyendo la actualización de los archivos del museo en el sótano, la sustitución de todos los sistemas mecánicos y eléctricos, una completa impermeabilización de la envolvente del edificio, la construcción de nuevos espacios de oficinas y la creación de un museo totalmente accesible y universal. También se incluyeron en el mandato del arquitecto el diseño de la señalización y la selección de todos los muebles de interior y exterior.
Ubicación: La Ceja - Abejorral, Antioquia, Colombia
Architect In Charge: Juan Carlos Castañeda
Área: 3279.0 m2
Año Proyecto: 2011
Fotografías: Cortesía de Juan Carlos Castañeda
Arquitectos Colaboradores : Julio Moreno, Parmenio Bedoya, Maritza Mejía, Diego Vergara.
Construcción: U.T.C.C. (Urbánico E.U. + Ing. María Angélica Diaz Verbel)
Diseño Estructural: Ing. GABRIEL CARDONA.
Interventoria: Ingeniería y Construcción Ltda. Ing. Martín Valencia Téllez.
Cliente: Municipio de la Ceja del Tambo
Cortesía de Juan Carlos Castañeda
Descripción de los arquitectos. La concepción de este edificio, ubicado en el municipio de la Ceja del Tambo, a 2.143 m.s.n.m (15°C) y a 41 Km al suroriente de Medellín, partió de la necesidad de la empresa de servicios públicos de este municipio de 50.000 habitantes de construir su sede administrativa y de la necesidad de la Alcaldía de construir un Centro Cultural, a partir de la decisión de recuperar y completar una biblioteca pública existente, ubicada en un predio de forma irregular en una manzana cercana al parque fundacional del centro histórico, entre las calles 19 y 20 y la carrera 22.
Cortesía de Juan Carlos Castañeda
El paisaje urbano de la ceja y en general del oriente antioqueño, se caracteriza por el luminoso contraste entre los verdes de las montañas con los muros de tapia blancos de vanos verticales de las antiguas casas coloniales y matizados por los ocres patinados de las cubiertas en teja de barro. Sobresale desde su aproximación lejana la iglesia blanca como principal referente urbano, que marca la posición del parque fundacional, vacío central propio del trazado compacto en damero de las leyes de Indias. ¿Como resolver el programa comercial, cultural e institucional de un nuevo edificio público en el centro histórico de la Ceja, sin romper con su paisaje urbano pero con la responsabilidad de ser un referente cultural contemporáneo? Para resolver este problema decidimos desarrollar el proyecto hacia el interior de la manzana, como un edificio semiescondido desde su aproximación cercana, pero referente urbano desde su aproximación lejana. La idea básica fue conformar, con el programa público-privado del edificio, un pasaje peatonal y una plazoleta pública al interior de la manzana, que resolviera el acceso a todo el programa. Más que un edificio es un espacio público urbano, conformado por dos volumetrías formal y funcionalmente independientes “El Zócalo” y “El Bloque”, de la siguiente manera:
Cortesía de Juan Carlos Castañeda
El Zócalo
Conforma, en asocio con la biblioteca existente, el pasaje peatonal y la plazoleta pública, espacios urbanos que dan acceso al programa de mayor afluencia del proyecto en los pisos 1 y 2: los locales comerciales, el Centro Cultural y la biblioteca existente. Sus cubiertas recorribles revestidas en mármol Perlato y orientadas hacia la iglesia y hacia el imponente Cerro el Capiro, buscan significar claramente al visitante el ámbito de lo público y la posibilidad de disfrutar del paisaje circundante a diferentes niveles de estancia y recorrido.
El zócalo fue concebido también como una respetuosa adición a la biblioteca existente. Esta no tenía fachada hacia el interior de la manzana. Por lo tanto, la conformación de la plazoleta central exigió el diseño y la construcción de una nueva fachada de acceso para la biblioteca existente, con el fin de integrarla por medio de este nuevo espacio urbano, al nuevo programa cultural.
Axonométrica
El Bloque
Contiene el programa de menor afluencia de público: la sede administrativa de Empresas Públicas de la Ceja en los pisos 3 y 4. Aunque se accede a este edificio por la plazoleta pública del primer piso, fue concebido como un edificio formal y funcionalmente independiente del zócalo comercial y cultural. Su principal característica es su forma de paralelepípedo rectangular flotante sobre el zócalo y el color blanco de su mampostería en bloque de concreto, el cual además de ser el color institucional de la empresa, es el color predominante de las fachadas coloniales del paisaje urbano de la ceja.
Planta Primer Piso
Planta Segundo Piso
El bloque, es la forma resultante de varios factores: De la forma del predio, de la conformación del espacio público intermanzana, del área requerida, de la restricción de altura y de la búsqueda de una planta abierta como modelo flexible para las oficinas de una institución orgullosa de su expansión y proceso de modernización.
Cortesía de Juan Carlos Castañeda
Cortesía de Juan Carlos Castañeda
Equipo De Diseño: Chris Vanneste, Laura Roberts, Michael Nowicki, Kevin Gurgel, George Karidis, Sarah Wickenheiser, Georgia Zochowski, Carlos Lopes, David Hoffman, Constantine Lekas, Bruce Comstock, Jon Romig, Ann Clark, Dan Nerida, Kim Morgan, Monica Pace, Alex Russeau, Lori James, Mark Goyette, Dan Mather, Hillary Hanzel, Luke Renwick, Rob Teifer, Justin Fiema, Amanda Gorning
Las nuevas instalaciones de la Universidad de Oakland para la Facultad de Ingeniería y Ciencias de la Computación (SECS) ofrece tecnologías avanzadas para los estudios de ingeniería académicos, mientras que los sistemas mecánicos y eléctricos sostenibles sirven como herramientas de aprendizaje práctico para los estudiantes.
Esta nueva instalación cuenta con un sistema de trigeneración que utiliza gas natural para generar una parte de la energía eléctrica del edificio; el calor recuperado de la generación eléctrica proporciona calefacción y refrigeración, así como agua caliente y energía de emergencia. Esto se combina de forma única con un sistema de viga refrigerada y bomba de calor para crear un sistema único de su tipo, reforzada aún más por 21,6 kW de energía fotovoltaica en el techo, para reducir significativamente los costos anuales de energía y la huella de carbono de la Universidad.
Corte
Para mejorar la función educativa del edificio, profesores y estudiantes del SECS pueden realizar investigación a través de un panel de control de energía. Tienen la capacidad de acceder a datos de los sistemas de trigeneración y de viga refrigerada, controlar el uso de energía y proponer mejoras a la secuencia de operación. La instalación también cuenta con un laboratorio de gran altura, sala blanca, taller de máquinas de servicio completo, y el laboratorio de energía en la azotea donde los estudiantes llevan a cabo experimentos sobre la generación de energía solar y eólica. El vestíbulo actúa como espacio de manifestación de estudiantes y las ventanas del pasillo ofrecen vistas claras a los laboratorios de proyectos, poniendo a la ciencia en exhibición.
El edificio fue diseñado específicamente con espacios de aprendizaje práctico en equipo para soportar una variedad de proyectos interdisciplinarios y de espacios de colaboración que los estudiantes pueden reconfigurar fácilmente para proyectos en grupo. Los estudiantes, profesores y personal han observado cómo el edificio se siente como un hogar con una gran cantidad de actividades, lugares ideales para el estudio y vitalidad a toda hora del día.
vía Harvard GSD
![© Tijs Zwinkels [Flickr], bajo licencia CC BY-SA 2.0](http://images.adsttc.com/media/images/57d0/2465/e58e/ce23/9800/0019/thumb_jpg/3983643063_cfeaa32173_o.jpg?1473258584 "© Tijs Zwinkels [Flickr], bajo licencia CC BY-SA 2.0")
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