© Tord Knapstad

Arquitectos: Equipo de Estudiantes y Profesores de la Bergen School of Architecture
Ubicación: Brejo Chimundo, Mozambique
Año: 2009
Fotografías: Tord Knapstad, Sixten Rahlff, Stine Bjar, Ina Bakka Sem-Olsen, Bror Hansen, Olafia Zoëga

Profesores Participantes: Andrè Fontes, Sixten Rahlff & Bror R. Hansen
Organizador: Bror Hansen
Estudiantes Participantes: Gøran Johansen, Stine Bjar, Silje Klepsvik, Larisa Sarajlija , Olafia Zoëga, Birgitte Haug, Tord Knapstad, Kristian Endresen, Anette M. Basso, Mathias Wijnen, Dan Paul Stavaru, Naeem Searle, Siri Nicholaisen, Maria Flores Adamsen, Monica Xiao, Irmelin Rose Fisch Wågen, Tale Marie Haaheim, Ina Bakka Sem-Olsen, Eirik Solheim Aakhus
Cliente: Sister Catarina
Presupuesto: 45000 NOK (8500 $)
Sponsors: Bergen School of Architecture, Noruega

© Olafia Zoëga

Ser un arquitecto en una cultura extranjera

Como uno de los principales cursos que se ofrecen en la Escuela de Arquitectura de Bergen, “Ser un arquitecto en una cultura extranjera” imprime la conciencia social y local en el enfoque arquitectónico de sus estudiantes. El estudiante debe investigar y analizar los problemas y temas locales y su papel dentro de la sociedad se convierte en un tema de discusión. En otoño de 2009, 19 estudiantes de arquitectura viajaron a Mozambique sin una intención inicial de construir.

© Sixten Rahlff

Chimundo

El encuentro con la realidad del lugar fue emocionalmente fuerte, su primera aproximación fue con el centro Sister Catarina para niños desfavorecidos en el pequeño pueblo rural de Chimundo. Con la ayuda de la organización Aid Global, Catarina también gestiona un centro de prácticas para la enseñanza de adultos, que permite solventar algunos de los gastos del centro para niños. Sin embargo, el contrato se estaba acabando y esto amenazaba su continuidad.

© Sixten Rahlff

Después de dos semanas de registros y la comprensión de la lógica del lugar, se acordó la construcción de un edifico-escuela en la parcela existente. Con sólo 12 días de plazo, tuvieron que empezar de inmediato.

© Ina Bakka Sem-Olsen

El Edificio

Con un cuerpo estructural simple, el edificio consta de una habitación cerrada para una sala de computación y un espacio abierto para la enseñanza de Inglés. Las paredes sólidas y la posibilidad de cerrar por completo el espacio hacen que la sala sea segura frente a los robos. La sala abierta se conecta con el exterior, con un techo alto y muros transparentes que abrazan la luz.

© Ina Bakka Sem-Olsen

El uso de un marco de hormigón armado permitió usar materiales más baratos como rellenos. Se experimentó con sacos de arena en las fachadas norte y este (donde funciona como masa térmica en el invierno), mientras que una extensión del techo impide la exposición al sol durante el verano. La fachada sur con sombra tiene un muro formado por botellas de vidrio que dejan entrar la luz y mantienen el polvo fuera. Las botellas le dan una calidad estética y son una buena alternativa para generar “ventanas” a bajo costo.

© Sixten Rahlff

El techo recoge agua de lluvia en una cisterna y se hace con láminas de hierro corrugado que se sientan en bajo costo armaduras, hecho a sí mismo. Las armaduras dan un hueco de ventilación natural para la refrigeración, y un centro de la azotea de barato comprar localmente filtro de aire caliente paja esteras cabo.

© Stine Bjar

Puertas abiertas de paja le entregan un uso flexible al espacio. La sala se abrirá por completo hacia el patio interior en el sur y hacia un pequeño árbol de mango en el norte. Las dos habitaciones están divididas internamente con una puerta de corredera de grandes dimensiones para que puedan ser usados por separado y como un solo gran espacio.

Croquis 02

Para quedarse dentro de un marco económico razonable, el equipo utilizó materiales locales tanto como fue posible, combinados con métodos vernáculos y nuevas interpretaciones. Toda la construcción se realizó de una manera demostrativa de manera que pueda entenderse fácilmente y pueda ser replicada por las personas de Chimundo. Como resultado, el edificio es en sí mismo educativo.

© Stine Bjar

© Cortesía de Vincens + Ramos

Esta semana en Archivo les presentamos una selección de proyectos de arquitectura religiosa publicados anteriormente en nuestro sitio web, donde el tratamiento de la luz ocupa un lugar central en el diseño del espacio, poniendo la iluminación al servicio de la experiencia espiritual.

A continuación 10 proyectos que no se pueden olvidar.

Capilla del Atardecer / BNKR Arquitectura 

© Esteban Suarez

Capilla del Monasterio Benedictino / Gabriel Guarda, Martín Correa 

© Usuario de Flickr: Sustainable Frog

Iglesia de la Luz / Tadao Ando 

© Buou

Iglesia San Josemaría Escrivá / Javier Madaleno, Jorge Guerrero, Jaime Krasowsky 

© Fran Parente

Iglesia de Santa Mónica / Vicens + Ramos 

© Cortesía de Vincens + Ramos

Ronchamp / Le Corbusier

© Usuario de Flickr: scarletgreen

Iglesia de Santa Ana y San Joaquín / RGRM Arquitectos 

© Jesús Granada

Capilla Kamppi / K2S Architects 

© Tuomas Uusheimo

Pabellón para la Oración y la Meditación / Studio Tam associati 

© Raul Pantaleo

Iglesia Doble para dos Religiones / Kister Scheithauer Gross Architects And Urban Planners

© Christian Richters

“El patrimonio es una necesidad y es un discurso, es darle un orden a la memoria, es un acto de sentido. […] La memoria es también olvido, es ambas cosas, una combinación de recuerdo y olvido. Es por eso que hay que hacer esta distinción entre memoria e historia y, por lo tanto, con la identidad, que es el correlato, porque siempre la selección de la memoria es una interpretación, un escoger”. [José Bengoa. Identidad, Memoria y Patrimonio.]

La fotografía como arqueología de la memoria, como catalizador para revivir un pasado que puede ser olvido, para reactivar la ruina arquitectónica. Manuel Marchant, arquitecto, lleva años fotografiando edificios de valor histórico y arquitectónico, como una manera de retener y capturar la vida de la construcción  para poder analizar con mayor atención esas obras del pasado y del presente.

Con el paso de los años, ese registro se ha convertido en expresión artística, para desembocar en la presente producción que se encuentra actualmente expuesta en la Biblioteca de Santiago, en Chile. La exposición “Fábricas, la escena del crimen” consta de 30 fotografías digitales impresas y tratadas en una postpo realizada por el artista, articuladas en 5 series temáticas.

© manuel marchant

Inevitablemente influido por su mirada de arquitecto, Manuel Marchant busca juegos espaciales desplazando volúmenes de un lugar a otro, rescatando planos de diseño industrial, incorporando matrices geométricas conformando tramas lineales que superpone y combina con el estado ruinoso de la arquitectura que observa y acapara.

© manuel marchant

La muestra, que cuenta con el Patrocinio del Museo Nacional de Bellas Artes y la Biblioteca de Santiago, permanecerá  abierta al público de manera gratuita dos semanas más, hasta el próximo al 8 de junio, en la Sala de Exposiciones del primer piso del Edificio de Extensión Cultural de la Biblioteca.

© manuel marchant

• Dirección: Biblioteca de Santiago, Matucana 151, Santiago
• Teléfonos: 800220600 – 3282000

Si quieres saber más sobre esta obra, puedes leer la publicación realizada por el Colegio de Arquitectos de Chile, aquí.

Título: Exposición “Fabricas, la escena del crimen” / Manuel Marchant
Sitio Web:
Organizadores:
Desde: Thu, 09 May 2013 10:00
Hasta: Sat, 08 Jun 2013 19:00
Lugar: Biblioteca de Santiago
Dirección: matucana 151 santiago

Vista Exterior

Federico Cairoli, Sebastian Stechina junto con dls arquitectura han sido nombrados como los ganadores del concurso de anteproyectos para diseñar el Centro Educativo y Cultural de Diamante, en Argentina.

El proyecto se destaca por el vinculo que crea entre la propuesta y su entorno mediante un patio central abierto que funciona como espacio de concurrencia cotidiana, un nuevo espacio público.

Más imágenes y la memoria a continuación.

Vista Exterior

El área en la que se inserta el Centro Educativo y Cultural de Diamante, se encuentra vinculada a la zona comercial de la ciudad, por lo que la concurrencia diaria de personas es muy alta, acentuada inclusive por su proximidad a la Plaza 9 de Julio.

Croquis

El vínculo entre el edificio propuesto y su entorno se articula mediante un patio central abierto por sus medianas: el “patio”, trae consigo parte de esa concurrencia cotidiana. La propuesta de una plaza/patio de acceso al conjunto como continuidad del espacio público exterior acentúa esta relación y carga de significado este lugar: es el público masivo quien hace de este patio un “lugar”. La plaza, concebida como un lugar de encuentro, un espacio público abierto y lúdico, se establece a sí misma, como un nuevo punto de referencia en la vida cultural de la ciudad.

Vista Interior

El nuevo polo de actividades culturales y educativas se plantea como un frente urbano, en un entorno de tipo residencial, con preexistencias ocasionales de fachadas italianizantes en convivencia con algunos “contenedores” de equipamiento. El concepto de fachada urbana de antaño con esa arquitectura tipo telón de más de seis metros de altura que se encuentra en el sector, es interrumpida por construcciones más bajas, producto de obras recientes. En lo que respecta al proyecto, una parte de esta fachada debe conservarse por haber sido declarada de interés patrimonial, pero otra parte existente se sugiere conservar, ya sea tanto por su valor económico-práctico-constructivo, como por su valor urbano de patrimonio “doméstico”, el cual dialoga con otras preexistencias adyacentes.

Lámina 1

El proyecto se ha estructurado de modo tal que las actividades y funciones culturales se desarrollen en dos núcleos, el edificio del Mercado y el Auditorio. En tanto que las educativas se prevén en otro que considera la conexión directa con el futuro edificio que alojará al Instituto Superior y a la UADER. La propuesta está orientada por el interés principal de cualificar la expansión e integrar el patio central resultante, aprovechando el perímetro de la manzana para ubicar los accesos de servicio específicos de cada área, y los ingresos masivos principales sobre las medianas de calles Sarmiento y Serrano. Este último además, unifica los espacios de espera de los núcleos más convocantes, cualificándolos y resolviendo fácilmente el control de acceso y cierre.

Vista Interior

Una etapabilidad factible sería construir el núcleo que resuelve las áreas de Auditorio, Museo y Cafetería, reubicar el actual museo regional, para luego dar lugar a las tareas de refuncionalización y refacción del Edificio del Mercado, el cual resolverá las áreas de Dirección de Cultura, ONG y Salón Multipropósito. Resueltos estos espacios, la Escuela de Música, Danza y Teatro podría hacer uso de las instalaciones terminadas mientras se da comienzo a la ejecución del edificio proyectado para esos fines. Sin embargo, por las características y emplazamiento de cada área, el proyecto permite abordar cada una de las obras por separado, en donde ninguna es condicionada por las demás y pueden realizarse en cualquier orden.

Lámina 3

A principios de mes de Mayo les presentamos a los candidatos para el Directorio Nacional del Colegio de Arquitectos de Chile.

La nómina de los candidatos electos ha sido presentada durante estos días. Ahora, solo falta la proclamación por parte de la Asamblea General, la cual será este próximo martes 03 de Junio a las 19:00 hrs, ahí se constituirá el nuevo Directorio.

A su vez, este nuevo Directorio nominará a la nueva mesa Directiva.

Los candidatos electos son los siguientes.

-PABLO ALTIKES PINILLA
-CECILIA LEIVA MUÑOZ
-VALERIA CATAFAU ZEGERS
-SEBASTIAN GRAY AVINS
-AGUSTIN INFANTE BARROS
-XIMENA BORQUEZ DOMINGUEZ
-BARBARA AGUIRRE BALMELLI
-ENRIQUE BARBA CAMPOS
-JOSE ROSAS VERA
-NELSON MORGADO LARRAÑAGA

Los cargos como Presidente Nacional, Vicepresidentes (interno y de delegaciones), Tesorero General, Secretario General, etc. serán designados una vez que se constituya el nuevo Directorio. Estaremos informando apenas salgan novedades.

Más información sobre los estatutos en el siguiente enlace.

© Jasmin Schuller

Arquitectos: Dietger Wissounig Architekten
Ubicación: 8071 Hausmannstätten, Austria
Area: 17.851 m2
Año: 2012
Fotografías: Jasmin Schuller

© Jasmin Schuller

El gran complejo de edificios enclavado en el nuevo nudo viario Hausmannstaetten cumple tres funciones: centro de control de un túnel, taller de reparaciones y depósito del servicio de mantenimiento de carreteras. Con el objetivo de causar el mínimo impacto visual, el edificio ha sido concebido como parte del paisaje e implantado a lo largo de la carretera y a la cota más baja. Funciona así como un terraplén, que se sitúa en los límites del nudo y sirve simultáneamente de barrera acústica. Las cubiertas verdes, que contribuyen al control climático del edificio, se integran en el paisaje verde de los campos de cultivo. La organización de los edificios alrededor de un patio común, contribuye también a la protección acústica del lugar. Por un lado, el complejo aprovecha la topografía como una forma para minimizar el ruido y el consumo de energía y para concentrar los accesos. Por otro lado, el lenguaje arquitectónico, de gran claridad y simplicidad formal, suaviza el impacto de los edificios en el paisaje y estabiliza un entorno muy complejo y heterogéneo.

© Jasmin Schuller

El complejo de edificios en la entrada oeste del túnel Himmelreich em Hausmannstaetten establece una diálogo consistente con el paisaje que lo rodea. A pesar de la gran dimensión de la estructura, la implantación continua a lo largo de la entrada al túnel minimiza el impacto visual en el paisaje, del cual el complejo se vuelve parte integrante. Las cubiertas ajardinadas acompañan la línea de la carretera a la misma cota de los terraplenes existentes en el solar y en los terrenos vecinos. Hechos para permitir la construcción del túnel, estos terraplenes han sido solo parcialmente adaptados y, en combinación con las cubiertas, forman la nueva topografía del terreno. Así, la vista desde la carretera da la impresión de un paisaje continuo, pasando sobre las cubiertas verdes del complejo hacia la cuenca de Graz y sus campos de cultivo.

© Jasmin Schuller

El complejo se caracteriza por un lenguaje arquitectónico de gran claridad y pragmatismo. El objetivo era estabilizar el área envolvente, dominada por crecimientos suburbanos de casas aisladas e instalaciones comerciales. La simplicidad y discreción del complejo contrastan así con la heterogeneidad del entorno y ayudan a controlar el impacto de las nuevas construcciones en el paisaje. Además de la extensa área de cubiertas y de los terraplenes ajardinados, perfectamente integrados en el verde de los campos de alrededor, todos los materiales usados son extremadamente resistentes y de larga duración. En los exteriores se ha utilizado mayoritariamente hormigón, capaz de soportar el desgaste causado por las duras condiciones climáticas de la región, como el hielo y el uso de sal. Por otro lado, en los interiores se han utilizado materiales como la madera, el acero y el vidrio industrial, que definen también la apariencia más ligera de las fachadas. En áreas específicas, como el área de lavado, han sido utilizados otros materiales de extrema resistencia como el acero inoxidable – resistente a la corrosión causada por el vapor de agua.

Planta

© Cortesía de lostonsite

Entre los años 1957 y 1960 se construyó la Iglesia de Nuestra Señora de la Coronación, diseñada por el arquitecto, urbanista y pintor español Miguel Fisac. El proyecto de este templo responde fundamentalmente a dos puntos básicos que preocupaban al arquitecto: el tratamiento de la luz y la ubicación de los fieles en la iglesia.

© Usuario de Flickr: jonathan chanca

“El obispo de Vitoria estaba relacionado con el padre Aguilar, un dominico aficionado al arte que dirigía la revista Ara de pintura y escultura religiosa, y quiso encargar varias iglesias a arquitectos jóvenes que empezaban entonces su andadura. Tenía amistad con Francisco Javier Sáenz de Oiza y Luis Laorga, y contactó con Javier Carvajal y José María García de Paredes para que proyectaran una parroquia. De la misma manera, a Alejandro de la Sota y a mí nos asignó hacer de forma conjunta otra. Durante los primeros tanteos, Alejandro apareció con un prisma de vidrio que yo no podía asociar a un templo; y entonces acordamos trabajar cada uno una solución distinta y luego presentarlas firmadas ambas por los dos. Finalmente se decidieron por la mía, que aplicaba algo que ya había ensayado tres años antes en el Instituto y la Escuela de Comercio de Málaga. Allí había inscrito una iglesia y un salón de actos en un rectángulo, dividiéndolo en diagonal, de manera que cada sala quedaba con una forma triangular a la que le cortaba el vértice; en el lado estrecho había así una anchura suficiente para el ábside de la iglesia o el escenario del salón de actos. El muro divisorio dispuesto en diagonal no tenía luz y debía ser iluminado desde el lado opuesto.

© Usuario de Flickr: yoxito

Y en Vitoria empleé esta solución, entendiendo que los fieles se congregan como en una procesión, con un sacerdote delante. Con el fin de acercar las miradas a los feligreses al altar, hice un muro curvo y liso, sin ninguna interrupción, de manera que la vista resbalaba por él hasta el foco principal. El muro de enfrente, por donde entra la luz, lo hice diferente para agrupar los elementos adicionales que pedía el programa: el baptisterio, la capilla del Santísimo, el vía crucis; entonces su textura cambia; el muro recto se hizo en mampostería, y el de enfrente, el que recibe la luz, se pintó en blanco. Al primero lo denominé muro estático y al otro muro dinámico, porque invita a mover la vista.” (Miguel Fisac)

© Usuario de Flickr: yoxito

La idea generadora, que llevó al diseño de Fisac, se basa en la relación de dos muros que convergen; uno dinámico, es decir, curvo, liso y blanco, conduciendo la mirada hacia el altar, y otro estático, de mampostería a la vista y trazado recto perforado, por donde entra la luz. Este muro agrupa elementos como el baptisterio, las capillas, las comunicaciones, entre otros.

© jesús.martín.ruiz

La Iglesia presenta un gran espacio único y sin discontinuidades, donde el altar es definido gracias a un leve pliegue del suelo de la nave. Acá, la imagen de Cristo, escultura de Pablo Serrano, se encuentra colgada del techo mediante unos cables, dotando a la obra de una mayor esbeltez. La nave central queda iluminada gracias a un conjunto pequeñas aberturas en la parte cenital, entregando una luz pareja y tenue.

Corte

Toda la luz usada proviene del oeste, que, durante la mayor parte del día se asemeja a la luz norte. Por la tarde, cuando el sol pega directamente sobre el muro de las aberturas rematadas con un cristal, ingresa al interior entregando una luz filtrada, pero que ilumina de manera cálida la totalidad del interior de la nave. Esta luz indirecta por la tarde contrasta con la luz indirecta del altar, que recibe la luz del norte.  La iglesia queda, así, atada transversalmente por la luz y funciona como una especie de enorme amplificador de luz.

© Cortesía de lostonsite

Este modo el acceso de luz definió la planta del proyecto y los materiales que se utilizarían. El muro este, totalmente ciego, se pliega sobre sí mismo en curva para no necesitar ningún tipo de arriostramiento y poder soportar la enorme altura que alcanza en el lado sur. Este muro, que en el interior es de color blanco, recoge la luz directa del oeste en un momento del día a través de su parte cóncava.

Planta

El muro oeste, en cambio es de directriz recta, yendo desde una doble altura hasta media altura. Al albergar los diversos elementos eclesiásticos, el muro debe ser de tres dimensiones, lo que lo hace mucho más estable. Cuando el muro se afina y se convierte en un muro simple se va perdiendo su cara exterior, haciendo m{as compleja su volumetría en relación a la calle, pero dejando el muro interior totalmente recto y a plomo.  Las aberturas de este muro están dispuestas en damero para no afectar la estructura general, sin requerir de dintel.

© Usuario de Flickr: yoxito

Su sección longitudinal presenta una planta semi-simétrica, en el eje longitudinal, dando como resultado un techo que empieza con una baja altura en la entrada y que va subiendo con una sola gran agua muy pronunciada hacia el altar.

© Cortesía de lostonsite

Arquitectos: Miguel Fisac
Ubicación: Eulogio Serdán, Vitoria
Aparejador: Luis María Sánchez Iñigo
Referencias: Fundación Miguel Fisac, docomomo ibérico, lost on side,
Año Proyecto: 1960
Fotografías: Cortesía de lostonsite, Usuario de Flickr: yoxito, Usuario de Flickr: jonathan chanca, jesús.martín.ruiz

© Christopher Alexander

Arquitectos: Architecture Matters
Ubicación: Malvern, Melbourne Australia
Director De Proyecto: Anthony Gionfriddo
Arquitecto De Proyecto: Rebecca Dodd
Area: 179.53 m2
Año: 2012
Fotografías: Christopher Alexander

© Christopher Alexander

Architecture Matters ha buscado negociar los bordes duros de las zonas verdes urbanas que rodean el sitio Libra Animal Stonnington, respondiendo a la arquitectura contemporánea del existente edificio de la perrera y del complejo Depot Stonnington adyacente, al mismo tiempo que cumple con los requisitos previstos para un comportamiento sostenible.

© Christopher Alexander

El resultado del edificio revestido de acero, con su forma relativamente simple y texturas de bajo costo, se ubica en algún lugar buscando ser visto desde la llegada por el sendero o la autopista.

© Christopher Alexander

Las láminas de la pantalla de entrada se relacionan directamente con las pantallas del depósito en un gesto hacia la creación de un recinto cívico identificable y unificado, aunque con un uso relativamente poco glamoroso.

© Christopher Alexander

El desempeño ambiental de las instalaciones se ha mejorado a través de tanques de recolección de agua de lluvia para el lavado de los recintos de los perros y las nuevas cisternas de WC, accesorios de iluminación de bajo consumo controlados por sensores, ventilación cruzada, cortes en el sistema de aire acondicionado cuando se abren las ventanas, aislamiento térmico de la cubierta, ventanas de baja emisividad y de doble acristalamiento.

Elevación

© Juan Solano

Arquitecto: Nómena Arquitectos
Ubicación: Cañete, Lima
Arquitecto A Cargo: Nómena
Equipo De Diseño: Talía Valdéz
Constructora: EF Contratistas
Ingeniería Estructural: César Villegas
Servicios: José Luis Vega
Ingeniero Eléctrico: José Luis Vega
Area: 27825.0 m2
Fotógrafo: Juan Solano

© Juan Solano

Este proyecto es una vivienda temporal, ubicada al sur de Lima, distrito de Cañete en el balneario de Cayma, frente al Océano Pacífico.

© Juan Solano

Nuestro objetivo principal era crear un edificio que responda a las condiciones específicas de su ubicación y funcionalidad. El lote se encuentra en la playa Cayma, pero muy lejos de la orilla y de toda “vida playera”, en medio de un parque.

© Juan Solano

Buscando una inspiración para este proyecto, percibimos que los toldos colocados en la orilla funcionan como un plano suspendido que genera un espacio en sombra habitable debajo de él. Este fue el punto de partida, diseñar una casa que permita traer la experiencia de la playa hasta la casa.

© Juan Solano

El programa está dividido en dos partes: la vida íntima y la social. La primera está ubicada a nivel de la vereda, responde a una gran densidad funcional distribuyendo todas las habitaciones privadas, con pocas perforaciones verticales lo que permite tener un registro parcial del exterior. Éste funciona como una plataforma sólida que permite albergar la vida social encima de ella, en un espacio amplio y abierto sin divisiones internas, con una vista panorámica debajo de un plano suspendido.

Planta Baja

© Nico Saieh

Arquitectos: Gonzalo Mardones Viviani
Ubicación: Hornitos, II Region, Chile
Arquitectos Colaboradores: Gonzalo Mardones Falcone, María Jesús Mardones Falcone, Luis Morales Gatto, Claudio Quezada Fuentes, Emilio Ursic Marechau, Manuel Fuentes Ramos, Alberto Reeves Droguett, Claudio Leiva Brito, Cristián Romero Valente, Claudio Carrasco Fuentes, Francisco Valdés Donoso, Alessandro Beggiao.
Area: 5800.0 m2
Fotografía: Nico Saieh

Iluminación: Paulina Sir
Calculista: Alfonso Larraín
Mobiliario: Francesca Porzio, Macarena Valdés
Paisajismo: Cecilia Rencoret
Puertas: Juan Carlos Prieto
Ventanas: Tecma
Muebles Incorporados: Xilofor

© Nico Saieh

El Hotel para la Caja de Compensación Los Andes en Hornitos se emplaza en una meseta sobre un farellón costero a 32 metros sobre el nivel del mar en el Desierto de Atacama, norte de Chile. Al tratarse de un lugar privilegiado e inmaculado el principal desafío fue intervenir intentando ser lo menos invasivo posible por lo que se optó por un partido arquitectónico semienterrado, el que se desarrolla de manera horizontal habiendo un volumen mayor que contiene el hotel; y volúmenes menores esparcidos en el terreno (cabañas) de manera de abarcar el área inmediata y dar medida dentro de la vastedad del desierto.Todos los volúmenes han sido construidos en hormigón armado pigmentado con los colores del desierto reforzando la intención de mimetizarse e intentar pasar inadvertido.

© Nico Saieh

El Hotel, de 5800 m2 cuenta con 38 Habitaciones y otras 36 en 18 Cabañas, una piscina exterior, una piscina interior temperada, auditorio, salas de reuniones, comedores, estares, gimnasio, etc.

© Nico Saieh

El fuerte sol propio del Desierto de Atacama es controlado por una secuencia de espacios intermedios que permiten el traspaso gradual desde los lugares protegidos hacia los lugares expuestos al sol. Las circulaciones y espacios comunes del hotel son en su mayoría abiertos,generando corrientes de aire que permiten una ventilación constante. El edificio se protege además del sol poniente con aleros y celosías. La cubierta, que se trató como un lugar de expansión, una terraza donde estar y poder contemplar el mar y el paisaje lejano, es un gran deck que genera bajo él una cámara de aire que permite ventilar la cubierta y mantenerla aislada del sol directo incidiendo en la adecuada climatización de los espacios interiores del hotel. El complejo se suministra de agua directamente desde el mar, teniendo dentro de sus instalaciones una planta de tratamiento de aguas saladas la que limpia el agua para ser utilizada y deposita las sales sobrantes en una piscina exterior próxima al acceso del hotel.

Planta

© Tim Van de Velde

Arquitectos: Paul de Ruiter Architects
Ubicación: Bloemendaal, Holanda
Arquitecto A Cargo: Paul de Ruiter
Jefe De Proyecto: Chris Collaris
Área: 489.0 m2
Año: 2011
Fotografías: Tim Van de Velde

Ingeniería Estructural: Quinten R. Wildeboer
Contratista: Scholz Groep, IJmuiden
Interiores: i29 interior architects (i.c.w. Paul de Ruiter Architects)
Paisajismo: Kamsteeg Tuinen

© Tim Van de Velde

Desde el principio estaba claro que el paisaje alrededor de la casa se debía preservar tanto como fuera posible. Se excavó un sótano en el terreno y la planta baja se encuentra semi-posicionada en la ladera de la colina. El primer piso se eleva por encima de la planta baja, parcialmente acristalada, y el paisaje de dunas ondulantes. Las fachadas norte y sur de la primera planta están hechas principalmente de vidrio, mientras que las fachadas este y oeste tienen un carácter más cerrado.

© Tim Van de Velde

Las áreas de vidrio en la planta baja y primer piso tienen componentes deslizantes excepcionalmente grandes, con las partes móviles en madera de roble. Los detalles de los vidrios y las líneas superiores e inferiores se han reducido al mínimo. Las grandes fachadas de vidrio garantizan una conexión entre el exterior y el interior, un contacto con la naturaleza que es tangible en toda la casa. Al mismo tiempo, un patio interior ofrece la máxima luz natural posible en todas las habitaciones.

© Tim Van de Velde

Se ha puesto especial atención en la eficiencia energética del proyecto. Una estructura eficiente y compacta ha sido diseñado con un excelente aislamiento. La energía disponible se utiliza de forma eficaz, almacenando la energía geotérmica y usando una bomba de calor y colectores solares en el techo, cubierto además con musgo Sedum. Sólo materiales naturales se han utilizado en el edificio. Por ejemplo, la fachada del primer piso es de madera sostenible tipo Waxedwood .

© Tim Van de Velde

Las partes móviles son de madera de roble francés. Todos los elementos interiores, como las paredes, el mobiliario de las habitaciones de los niños y la chimenea, se construyen de madera contrachapada. La madera utilizada en la entrada y el garage tiene un origen especial: se trata de un viejo barco que se encontró en una empresa de demolición en el norte de Brabante y que fue comprada en su totalidad para reutilizarse en la construcción.

Corte

Marazzi, traído por nuestro partner MK, ha creado SistemA:  porcelanato cristalizado en colores, diseñado para usos interiores o exteriores que proporciona inalterables superficies de piso y muro .

SistemA  es un material único y ecológico. Su capa superficial es el resultado de una innovadora combinación química que une la alta resistencia, a un look tridimensional y a una amplia gama de colores, cualidades que son difíciles de igualar utilizando materiales convencionales.

Certificado por US LEED, SistemA es un producto de alta tecnología, con superiores características estéticas y funcionales :
* Alta resistencia a la abrasión.
* Alta resistencia al deslizamiento.
* Fácil limpieza.
* Colores simples e intensos, disponible en dos acabados Natural y Pulid.
* Variados formatos de 60 x 120 cm, 60 x 60 cm y 30 x 60 cm

Sistema T es un porcelanato técnico armonizado y rediseñado completamente en un amplio proyecto desarollado a partir de SistemA. La letra T, de Sistema T, identifica la matriz técnica común de alto rendimiento de los productos.

Las nuevas colecciones de Marazzi Técnica  (Cromie, Graniti y Kaleidos) se desarrollan en el marco de un plan de color general: El Marazzi Colour Plan. Este plan garantiza una coherencia cromática básica entre las distintas colecciones, facilitando la combinación entre productos de series diferente.

La fiabilidad de las colecciones técnicas Marazzi es demostrada por las innumerables aplicaciones del producto en edificios en todo el mundo:
Hospitales, Aeropuertos, Museos, Industrias, Arquitecturas de diseño, Fachadas ventiladas, Suelos y en todas las situaciones en las que se requieren superficies con altos rendimientos.

Formatos disponibles para Sistema T:
60 x 60 , 30 x 30  y 40 x 40 cm.
Para otros sistema de Marazzi consultar en tienda.

Para más información puedes visitar www.mk.cl o contactarlos directamente a través de nuestro formulario de contacto a la derecha de esta ficha.

Cortesía de TEN Arquitectos

Arquitectos: TEN Arquitectos
Ubicación: Brooklyn, NY, Estados Unidos
Arquitecto A Cargo: Enrique Norten
Área: 30000.0 ft2
Año Proyecto: 2010
Fotografías: Cortesia de TEN Arquitectos, Marc Lins

El edificio se sitúa en Park Slope, un histórico barrio de Brooklyn.Cuenta con 17 unidades deapartamentos y una superficie total construida de aproximadamente 30.000 pies cuadrados. Eledificio aporta un nuevo enfoque a la zonificación; mientras que otros nuevos desarrollos en el areatratan de maximizar el área construible situándose al límite de la banqueta, nuestro proyecto seremete para dar lugar a un jardín común de 3,000 pies cuadrados con vistas a la calle Carroll.

Cortesía de TEN Arquitectos

Laentrada principal al edificio es a lo largo de una pasarela de madera que atraviesa el jardín deledificio. Esto se hizo en respuesta a los precedentes en la zona y a la petición de los clientes decontar con una experiencia del Brooklyn tranquilo y auténtico que, sin embargo conservara elcontexto urbano.

© Marc Lins

La pantalla de madera que envuelve y dota de privacidad a la zona añade calidez y aporta unelemento del jardín Carroll St. a la línea de paramento de la calle Garfield Place. El proyecto constade dos volúmenes principales. El primer volumen, una caja de concreto, se orienta hacia el jardín. Elsegundo volumen cuenta con una fachada con pantallas que envuelven las áreas privadas delespacio; y las ventanas orientadas hacia la parte central de Park Slope. Como una antigua fábrica devidrio, el carácter del edificio se convierte en una nueva tipología que funciona como enlace entre elbarrio Gowanus de aire industrial hacia el Este y el corazón de Park Slope Brownstone Brooklyn haciael Oeste.

Cortesía de TEN Arquitectos

Los interiores de los apartamentos tienen por objeto aportar un elemento de calidez desde el jardín. Al situar el edificio para crear un espacio al aire libre único y por la orientación de los apartamentos hacia los espacios de comer ycocinar, el proyecto sirve para atraer a familias jóvenes que buscan un espacio y ambiente diferente para vivir en Brooklyn.

Elevación Sur

Cortesía de Museo Nacional de Bellas Artes

Durante junio y julio de este año, se llevará a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes PROYECCIONES, un ciclo en torno a Gordon Matta-Clark -hijo de Roberto Matta y ahijado de Marcel Duchamp, personaje de culto de la escena artística de los 70’- que contempla diversas actividades como el estreno de un documental en torno a su figura, la realización de un seminario, performances y la exhibición de fotografías y videos, que se plantean como un gran recorrido por la vida y obra del artista.

“Canalizar la energía y el interés de los jóvenes por el arte es uno de mis objetivos”, declaraba Matta-Clark en 1970. Ocho años más tarde y a los 35 años, muere en Nueva York y desde entonces es considerado una figura de culto en la escena artística del siglo XXI, incluso se le ha descrito como el “único y verdadero arquitecto deconstructivista”.

El ciclo se iniciará con un seminario gratuito dirigido a estudiantes de arte, arquitectura y diseño, el jueves 20 y viernes 21 de junio. Esta instancia busca llevar a la práctica el pensamiento de Matta-Clark, así como promover la difusión de su obra. Entre los invitados se contará con la participación de Gerry Hovagimyam, ayudante del artista; Harold Berg, importante coleccionista de su obra; Carmen Beuchat, ícono de la danza contemporánea; Caroline Goodden, artista, bailarina y quien fuera pareja de Matta-Clark; Carlos Navarrete, artista visual; y Marcelo Sarovic, arquitecto.

Más detalles a continuación…

Cortesía de Museo Nacional de Bellas Artes

En el seminario los participantes tendrán la posibilidad de generar una obra relacionada con las temáticas que abordaba el artista. Entre las obras realizadas, se hará una selección de las más destacadas para ser exhibidas en el MNBA.

En el marco del seminario, el jueves 20 de junio se estrenará el DOCUMENTAL “Los amigos de Matta-Clark”, dirigido por Matías Cardone, también gestor de este proyecto, y filmado entre Nueva York y Santiago, que se nutre de testimonios de quienes conocieron al artista. A los ojos de Cardone “Matta-Clark es uno de los artistas independientes más admirados de Estados Unidos. Fundador del movimiento de “Anarquitectura”, Gordon desarrolla una prolija carrera creativa. Las voces de sus investigadores y colaboradores nos relatan sus aventuras y anécdotas en los suburbios de Nueva York. El documental usa fotos de archivo y de video, especialmente imágenes y perfomances desarrolladas por Gordon en dicha ciudad”.

Cortesía de Museo Nacional de Bellas Artes

Por otra parte, el viernes 21 de junio y con una performance de danza de Carmen Beuchat (colectivo Escena al Borde), se inaugurará la EXPOSICIÓN que presentará durante cerca de un mes, fotografías, videos y películas, algunas de estas últimas realizadas por el artista y otras inéditas como “My summer 77 with Gordon Matta-Clark” por Cherica Convents, además delos trabajos  realizados por los alumnos del seminario.

Entre las fotografías se incluyen 44 imágenes del archivo fotográfico de Florent Bex y algunas de Claraboya, obra presente en el Museo Nacional de Bellas Artes y realizada en 1971, siendo la única intervención de este artista en Chile y su única obra en pie a nivel mundial. Debido a que Claraboya no es una obra completa, actualmente se está gestando un proyecto de investigación que tendrá como resultado la reconstrucción de ésta.

SOBRE GORDON MATTA-CLARK

Gordon Matta-Clark murió a los 35 años en 1978 en Nueva York y desde entonces es considerado una importante figura en la escena artística del siglo XXI. Tal como su padre Roberto Matta, estudió arquitectura pero decidió ser artista. Pese a todo y no sin razón, se ha descrito a Gordon Matta-Clark como “el único y verdadero arquitecto deconstructivista”. So­fisticado (jugaba ajedrez en el village con su padrino Marcel Duchamp) pero rebelde, rompió barreras entre la escultura, arquitectura, fotografía, performance, video e instalación.

Cortesía de Museo Nacional de Bellas Artes

SOBRE LOS INVITADOS

Caroline Goodden. Artista, bailarina, pareja de Gordon Matta-Clark; juntos abrieron al público el restaurante FOOD en NYC en la esquina de Prince y Wooster en 1970. El restaurante, el primero de SOHO; era visitado por varios artistas que cocinaban ellos mismos, logrando hacer de este arte una performance y ritual. Fue ayudante y creadora de varios cortes de edificios realizados por Gordon Matta-Clark en paralelo a la existencia de FOOD.

Harold Berg. Coleccionista chileno, radicado hace más de unadécada en Barcelona. Durante un par de años sededicó a coleccionar la obra de Gordon Matta-Clark, en principio por ser hijo de un chileno y, segundo, por ser polifacético en su obra. Duranteel 2011 donó a la Fundación MACBA un conjuntodocumental único de Gordon Matta-Clark, formado por 44 fotografías y películas del artista.

Gerry Hovagimyan. Artista y gran amigo de Gordon. Fue su ayudanteen diferentes cortes de edi­ficio, trabajó en la galería 112 Greene Street junto a JeffreyLew y varios artistas, por lo que está familiarizado con elarte que Gordon hizo allí, incluyendo “Anarquitectura”, “Open House”, “Grafi­ti” y “Agar”.Tenía tanta afinidad conMatta-Clark que él lo contrató paraayudarle con “Day’s End” y “Conical Intersect” enParís, por lo que es poseedor de detalles y anécdotas.

Carlos Navarrete Sáez. Artista visual.Se formó comopintor en la Escuela de Arte de la Pontifica UniversidadCatólica de Chile entre los años 1988 y 1992. Perfeccionósu carrera artística en el Centro de Arte ContemporáneoCCA de Kitakyushu en Japón formando parte delResearch Program de esa institución durante el periodoacadémico 2000-2001.Desde antes de su partida de Chile y a su regreso, sunombre ha estado ligado al escenario emergenteconceptual iniciado en la década de los noventa. Enforma paralela, ha impartido clases y seminarios enUniversidades e instituciones culturales, como parte deun trabajo que incluye la escritura de arte en diversaspublicaciones sobre el tema. Fue editor de la RevistaArte al Límite y comentarista de exposiciones en elprograma Hora 25 de TVN.

Marcelo Sarovic Urzúa. Magíster en arquitectura de la P. Universidad Católica de Chile y licenciado en arte (PUC). En 1999 ingresó a la planta académica de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica en los programas pregrado y de Magíster. Se ha desempeñado como Editor de la Revista CA (Colegio de Arquitectos de Chile) y fue el Director de la muestra Patrimonio de la XVI Bienal de Arquitectura de Chile (2008). Actualmente, además de ser profesor en la Escuela de Arquitectura PUC, tiene su propia oficina de arquitectura: Sarovic-Plaut Arquitectos creada en el año 1998. Sarovic es actualmente co-director del Programa de Arquitectura Joven de alcance latinoamericano YAP_CONSTRUCTO, asociado al Museum of Modern Art y MoMA PS1 de Estados Unidos.

Jeannette Plaut. Arquitecta de la Universidad de Chile, así como crítica y académica de la disciplina. Plaut trabaja como corresponsal para América Latina en variados medios, ha publicado artículos en distintas revistas internacionales y ha colaborado con diversos medios nacionales e internacionales. Fue la Editora de Arquitectura de la Revista Ambientes (2000 – 2009), Directora de la Muestra Nacional de la XV Bienal de Arquitectura (2006), Directora del Encuentro Internacional de Arquitectos de la XIV Bienal de Arquitectura (2004) y Coordinadora del Encuentro Internacional de Arquitectos de la XIV Bienal de Arquitectura (2002). Fue la Curadora de la Muestra de Casos Arquitectónicos y Urbanos exhibidos en el Pabellón de Chile en la Exposición Universal de Shangai 2010. Plaut ha sido consultora de la División de Desarrollo Sostenible y Asentamientos Humanos de la Comisión Económica para América Latina y el Caribe de Naciones Unidas, UN-CEPAL, es Directora del YAP_ CONSTRUCTO, Programa de Arquitectura Joven asociado al Museum of Modern Art y MoMA PS1 y es co-editora general de la revista Trace.

Carmen Beuchat. Icono nacional de la danza contemporánea posmoderna. Durante la década de los sesenta fue parte del primer movimiento vanguardista de dicha disciplina, el grupo Judson Church Theater, de Nueva York. Luego integró la compañía de Trisha Brown, fue alumna y parte del elenco, participando en obras trascendentales como Walking on the Wall (1971). En 1977 volvió por primera vez a Chile para impartir un taller de “contact improvisation”, técnica en que los cuerpos se tocan y dejan llevar por el movimiento, nuevo lenguaje de la danza en el país. Después de varias visitas, en 1992 se hace cargo del área académica de la Escuela de Danza de la Universidad Arcis. Hace seis años vive en Valparaíso. Sigue viajando y bailando entre el puerto y Nueva York, dando clases de danza en la universidad e impartiendo talleres abiertos a la comunidad.

Título: Ciclo PROYECCIONES: Reflexiones, diálogos y prácticas en torno a Gordon Matta-Clark
Sitio Web: http://www.mnba.cl/Vistas_Publicas/publicNoticias/noticiasPublicDetalle.aspx?idNoticia=43235
Organizadores: Dibam, Museo Nacional de Bellas Artes
Desde: Jue, 20 Jun 2013 10:00
Hasta: Dom, 14 Jul 2013 18:50
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes
Dirección: Parque Forestal s/n, Santiago, Chile

Este año se llevará a cabo nuevamente el World Architecture Festival, los premios en vivo de la arquitectura, durante Octubre en Singapur.

El formato del evento es bastante dinámico y busca agregar valor valor a los profesionales de las oficinas participantes, ya que todos los finalistas tienen la posibilidad de presentar su proyecto y recibir feedback en vivo por parte del destacado jurado del WAF, que incluye a arquitectos como William Alsop, Sir Peter Cook, Sou Fujimoto, Dietmar Eberle, Jeanne Gang, Marcio Kogan, and Ole Scheeren, among many others. Una oportunidad para debatir, aprender e inspirarse.

Durante el World Architecture Festival también se realizarán seminarios y charlas con destacados arquitectos internacionales (lista completa por confirmar). En estas y otras actividades   tendrás la oportunidad de intercambiar ideas y experiencias con más de 2.000 arquitectos de 65 países, ampliar tus horizontes y tu lista de contactos.

Otro aspecto interesante del WAF es su ubicación: El Marina Bay Sands en Singapur, diseñado por Safdie Architects. Singapur está ubicado en una estratégica posición en el sudeste asiático, por lo que el evento se posiciona dentro de un contexto que atraviesa por un tremendo crecimiento, donde constantemente aparecen oportunidades para los arquitectos.

El plazo para enviar tus proyectos se ha extendido hasta el 10 de Junio. Más información sobre las categorías de los premios por acá, y en este link todos los detalles sobre como postular a los premios .

Recuerden usar el código ‘ARCH’ para obtener un 10% de descuento en la inscripción de proyectos.

Cortesía de Designliga

Arquitectos: Designliga
Ubicación: Wolfsburg, Alemania
Año: 2013
Fotografías: Cortesía de Designliga

Cortesía de Designliga

El Autostadt en Wolfsburg ofrece ahora pan orgánico de calidad en su propia panadería, “Das Brot.” La panadería, situada en la planta baja de la ServiceHaus, vuelve el centro de atención a las tradiciones artesanales de horneado, mientras que su diseño interior también expresa el concepto “Del campo al mostrador”. Autostadt trabajó en estrecha colaboración con la agencia creativa Designliga para implementar la idea, definiendo el uso de materiales renovables, sostenibles y la artesanía tradicional como claras prioridades. “La nueva panadería no sólo tiene productos de calidad orgánicos; incluso los materiales de construcción que utilizamos son responsables, como la madera local o los azulejos y telas”, explica Micaela Tewes, directora de eventos y diseño de interiores en el Autostadt.

Cortesía de Designliga

Las líneas limpias y claras de una panadería funcional fluyen hacia un comedor cálido y acogedor dominado por una larga mesa de madera, donde los huéspedes comen juntos. El ambiente familiar se acentúa aún más por la textura de yeso del techo, lo que sugiere el tejado de una casa de campo, y por las estanterías abiertas con un diseño inspirado en las casas de madera tradicionales. Las vitrinas abiertas detrás de la barra permite a los clientes ver a través de la propia panadería y crean una sensación de transparencia. Los patrones formados por los azulejos de cerámica del piso de mosaico expresan todo el proceso “del campo al mostrador” en una metamorfosis que fluye de los símbolos del campo al trigo, del trigo a la harina y de la harina – en combinación con el agua – al pan.

Cortesía de Designliga

Calidad sin compromiso es una piedra angular de la concepción y el diseño en Das Brot. Para hacer eco de los métodos de trabajo tradicionales que se utilizan en la panadería, el interior también se ha creado usando formas ancestrales de la artesanía, que reúne a artistas de mosaicos y yeserías y tejedores de cestos para crear un lugar donde la función, la calidez y la calidad se funden en un todo atractivo.

Cortesía de Designliga

Al igual que la plataforma de comunicación del Grupo Volkswagen, el Autostadt en Wolfsburg trae los valores de Volkswagen a la vida. Más de 26 millones de visitantes han explorado el parque temático y el centro educativo de Autostadt, que abrió sus puertas el año 2000, situándose entre los destinos turísticos más populares de Alemania. Además, el Autostadt es el mayor centro de colección de autos del mundo y hogar del museo del automóvil más popular en el mundo – el ZeitHaus.

Cortesía de Designliga

Desde su fundación, el Autostadt se ha comprometido con los valores que constituyen la base de la acción empresarial responsable. Temas como la protección del medio ambiente, el cambio climático y la responsabilidad social se han abordado allí desde 2006 bajo el título combinado de Desarrollo Sostenible; estos temas han avanzado continuamente en colaboración con socios externos de los campos de la ciencia, los negocios, la educación, el diseño y la arquitectura.

Cortesía de Designliga

El Autostadt ha impuesto la tarea de proporcionar a sus dos millones de visitantes cada año una visión en profundidad sobre el tema de la acción sostenible. Volkswagen está convencido de que la acción sostenible sólo es posible cuando los requisitos ecológicos, sociales y económicos pueden ser armonizados en un estado de equilibrio mutuo. Al igual que la plataforma de comunicaciones del Grupo Volkswagen, el Autostadt ofrece ideas sobre la filosofía de sostenibilidad corporativa de Volkswagen, así como el establecimiento de sus propias áreas de interés comunicando los aspectos de la sostenibilidad, la educación y la nutrición y traerlos a la vida en una experiencia estética integral.

Cortesía de Designliga

Los restaurantes Autostadt son operados por la compañía de restaurantes Suiza Mövenpick. Mövenpick ha sido el socio de la Autostadt desde su apertura en 2000, y trabajó con el Autostadt para diseñar y desarrollar su concepto de catering. A partir del 2003, todos los restaurantes allí comenzaron a moverse constantemente para servir productos de la región, la mayoría de los que se cultivan o producen de acuerdo con los principios ecológicos y de temporada. La certificación orgánica es ahora el principal criterio utilizado en la selección de proveedores. Transparencia y abastecimiento regional son de suma importancia para todos los alimentos utilizados en el Autostadt. “Das Brot.” es la continuación lógica de esta filosofía de la producción regional y fabricado en el lugar que impregna el concepto del restaurante.

Cortesía de Designliga

Los restaurantes Autostadt son operados por la compañía de restaurantes Suiza Mövenpick. Mövenpick ha sido el socio de la Autostadt desde su apertura en 2000, y trabajó con el Autostadt para diseñar y desarrollar su concepto de catering. A partir del 2003, todos los restaurantes allí comenzaron a moverse constantemente para servir productos de la región, la mayoría de los que se cultivan o producen de acuerdo con los principios ecológicos y de temporada. La certificación orgánica es ahora el principal criterio utilizado en la selección de proveedores. Transparencia y abastecimiento regional son de suma importancia para todos los alimentos utilizados en el Autostadt. “Das Brot.” es la continuación lógica de esta filosofía de la producción regional y fabricado en el lugar que impregna el concepto del restaurante.

Planta

© Tim Hursley

Arquitectos: James Carpenter Design Associates, Efrat Kowalsky Architects
Ubicación: Jerusalem, Israel
Arquitecto De Producción: A. Lerman Architects Ltd
Área Proyecto: 8820.0 m2
Año Proyecto: 2010
Fotografías: Tim Hursley, Cortesía de James Carpenter Design Associates, Reid Freeman

Ingenieros Estructurales: J. Kahan & Partners
Iluminación: Tillotson Design Associates
Gráfica: Kasher Visual Communications
Paisajismo: West End Architects and Environmental Planners
Dirección De Proyecto: Nizan-Inbar
Contratista General: Danya Sebus
Renovation Architect And Planners: Efrat Kowlasky Architects

© Tim Hursley

La oficina de arquitectura James Carpenter Design Associates se hizo cargo de la reorganización, ampliación y nueva construcción del Museo de Israel, en Jerusalén, mientras los Arquitectos Efrat-Kowalsky fueron responsables de la renovación de los edificios existentes en el museo. La expansión incluye nuevas construcciones (~ 95.000 pies cuadrados), la reorganización de la circulación de los visitantes, Pabellones de Acceso y una entrada que mejora la accesibilidad del visitante. La renovación de las galerías del museo existente compromete alrededor de 100.000 pies cuadrados. La calidad particular de la luz en Jerusalén, producto de la longitud y la latitud, el clima, la geografía y la topografía, son únicos. Creemos que parte integral de la experiencia del lugar, es la experiencia de la luz y, en vista de su historia cultural, la particularidad de la luz en Jerusalén es evidentemente un potencial.

El enfoque de JCDA a la renovación y expansión del Museo de Israel era fusionar nuestra cuidadosa consideración de la luz en el paisaje con una atención rigurosa al entorno construido existente. Las visitas iniciales al museo establecieron la necesidad de volver a conectar el existente, y bastante extraordinario jardín de Isamu Noguchi con la interpretación regional de Alfred Mansfeld de la arquitectura modernista. Un principio rector fue disolver las barreras entre el jardín y el interior de los edificios del campus y transformar el problema de las condiciones de luz, como oportunidad para integrar la experiencia sensorial. Nuestro diseño organiza e inserta la luz y la información de la luz en la nueva arquitectura. Esta información de la luz representa específicamente la calidad de la luz que se encuentra dentro del paisaje del campus y se utiliza para activar los Pabellones de entrada, la entrada Pavilion Gallery y el camino más importante que conecta las dos.

© Tim Hursley

La experiencia de la luz es especialmente potente dentro de los umbrales, y las estrategias de iluminación estaban profundamente informadas por la idea de separar las envolventes de construcción en dos componentes: cerramientos y sombra. Estos componentes son compatibles con la presentación experiencial de la luz volumétrica y los puntos de vista, mientras que moderan la intensidad del sol. Las relaciones entre estos dos componentes también fueron cuidadosamente modulados para crear un sentido de paso a través de la arquitectura construida y en todo el campus. Los cambios en la profundidad de las fachadas son ajustados, incluso estirados para transformarlos en pasajes exteriores sombreados.

El juego de la transparencia y la opacidad responde tanto al norte/sur como al este/oeste y, a veces se interrumpe para enmarcar vistas de elementos importantes del paisaje y campus. La experiencia espacial del campus descentralizado se convierte al mismo tiempo intuitiva y sublime. A partir de la naturaleza enciclopédica de las colecciones de la institución, JCDA ha creado un recorrido por los espacios públicos e intersticiales del museo que progresan intuitivamente y crean un sentido de descubrimiento. La luz volumétrica es el principal organizador de este paso por el museo. JCDA ha reinterpretado la sensualidad de callejones estrechos y oasis hundidos mediante la creación de una disposición determinada de experiencias espaciales animadas por la luz.

© Tim Hursley

Al forjar un volumen vertical en el Pabellón de entrada, fue posible crear el camino de paso por debajo de la existente Carter Promenade, lo que llevaría a los visitantes del complejo a la primera galería a lo largo de un espacio ligeramente inclinado y cómodamente acondicionado. La Promenade original de Carter fue concebida como una experiencia procesional que definiría la experiencia general del museo y el camino de paso, manteniendo el sentido experiencial de la progresión y la llegada al corazón del museo. A pesar de estar por debajo del nivel de terreno, la entrada es luminosa y activa. Como en un oasis hundido, el paso está protegido de la luz directa del sol, pero los filtros de luz del día en el espacio ingresan en intervalos marcando el pasaje a lo largo de su longitud. La idea era incorporar una sensación de profundidad dentro de un ambiente luminoso. Una secuencia de patios estrechos a lo largo del Paseo Carter conectan el paseo y la ruta de paso. Los muros verdes en la parte superior y plantas en los patios moderan la calidad de la luz antes de que sea capturada por el cristal.

© Reid Freeman

Las superficies oscuras del suelo de terrazo y los paneles de cerámica en los muros reflejan la luz generando sutiles matices de gris, además de la luz dramática animada capturada por el cristal, entregando una sensación de reposo y una mayor preparación de los visitantes para la observación de la experiencia de pasar por las colecciones enciclopédicas del Museo. La fuente de agua corre a lo largo del Paseo Carter. El vidrio fundido con un perfil prismático crea suficiente turbulencia para controlar el flujo de agua, mientras se dirige la luz cinéticamente animada por la fuente de agua  y el muro de contención exterior.

© Reid Freeman

El muro de contención está revestido con paneles de terracota blanco mate, lo que refleja la luz sobre la pared de cristal difuso. El sonido del agua burbujeante también activa la experiencia de tranquilidad espacial de los patios, creando una conexión fonética entre la ruta subterránea y el Jardín Noguchi. La fuente de agua activa la luz y el sonido, marca el camino de la entrada del museo a las galerías tanto sobre el nivel de terreno como en la Ruta por el subsuelo.

© Tim Hursley

JCDA trató de aprovechar el lenguaje existente, y reforzarlo para mejorar el nivel de los letreros de orientación y conexión con la arquitectura existente, el paisaje y el arte plasmado en el museo. Con la experiencia de acceder al museo, JCDA entiende que no sólo era importante reactivar el Paseo Carter, sino que sería fundamental extenderlo a la calle y volver a establecer la vista sin obstáculos desde la calle por todo el paseo marítimo. JCDA trabajó con el Museo de eliminar los servicios (venta de entradas, café y al por menor), ubicados previamente en el centro del museo y localizarlos en la entrada del museo. Al utilizar el método por el cual estos nuevos edificios de servicios se articulan, JCDA buscó crear una experiencia límite poderosa. En la tierra, las necesidades de los visitantes de entradas, información, restaurantes y tiendas se articulan en tres edificios separados, mientras que bajo tierra estos tres edificios constan de una sola planta sótano para el acceso, el almacenamiento y el apoyo. Mediante la combinación de este espacio ahora liberado con un módulo no construido incorporado en esta misma zona, fue posible ampliar un espacio de la galería y crear el Pabellón de Acceso en el corazón del complejo existente. El Pabellón de entrada Gallery es el centro organizador central del museo, lo que permite la exploración secuencial de los distintos departamentos del museo. La secuencia a través del cual se introducen los visitantes a las diferentes colecciones y exposiciones temporales ya está aclarada y organizada, enriqueciendo la experiencia general de cada departamento.

© Tim Hursley

Cada uno de los edificios modulares de Mansfeld se compone de una caja de concreto sólido cubierto por un paraboloide hiperbólico apoyado centralmente, flotando por encima de ella. Grandes ventanas ocupan el estrecho espacio entre la caja y el techo. Como resultado, las astillas de luz brillante ocupan los espacios relativamente oscuros. Su trabajo se centró en la talla y la vinculación de los espacios negativos creados por sus volúmenes modulares. Los espacios son autónomos y aislados de la escuela en general. JCDA adoptó un enfoque estrechamente relacionado, pero opuesto por la construcción al interior de todos los pabellones de vidrio con troncos de sombreado sintonizados. El resultado es una sensación de apertura y de conexión con el campus. La idea del museo para la renovación y expansión fue tocar la arquitectura y el paisaje existente del museo de forma ligera y preservar las fortalezas de la arquitectura del museo. JCDA ha entretejido colecciones enciclopédicas del Museo y su extraordinario campus, implementando la luz al articular el paso de los visitantes a través del campus, lo que aumenta la experiencia y el descubrimiento de las cualidades efímeras de la luz de Jerusalén.

Planta General

© Omar Faúndes

Arquitectos: John Saffery Gubbins
Ubicación Prototipo: Carlos Casanueva 0335, Providencia, Santiago, Chile
Materiales: Pino radiata, contrachapado 12 mm., tablero OSB 6 mm., tablero Smart Panel 11,1 mm.
Área: 27.3 m2
Año Proyecto: 2013
Fotografías: Omar Faúndes

El proyecto VED corresponde a una nueva propuesta de Vivienda de Emergencia que surge como una investigación de Magister a raíz de la observación de que la “mediagua” tradicionalmente usada como respuesta a las catástrofes, se usa durante un tiempo mayor al que le corresponde en relación a su calidad constructiva. Esto deriva en un esfuerzo económico tanto por parte del gobierno como de los habitantes, que da pie a un sentimiento de arraigo de las personas hacia su hogar provisorio.

© Omar Faúndes

Manteniendo la madera como material constructivo esencial, dadas sus cualidades frente a los movimientos sísmicos, se diseña un sistema constructivo de paneles y pilares que permite ampliar la vivienda, pudiendo remover paneles y reubicarlos sin la necesidad de desarmar gran parte de la estructura.

Plantas 1:50

La propuesta también tiene como objetivo poner a prueba una nueva medida en la conformación de los espacios de estas viviendas: se trata de los 2,44 mts de largo que tiene un tablero de madera estructural (contrachapado u OSB). De esta manera se propone una modulación que se basa en las medidas de estos materiales.

© Omar Faúndes

La vivienda se configura en una planta de 2,44 x 8,54 mts. donde se incorpora un espacio habitable que, en su desarrollo, alcanza dos pisos de altura, un baño (con acceso desde el exterior), una terraza de acceso techado y un espacio de almacenaje entre el baño y el recinto habitable.

© Omar Faúndes

El baño se adosa al espacio habitable en el punto de menor altura, por lo que el techo sobre él se desarrolla con una pendiente encontrada en forma de “V”, lo que también aporta al carácter arquitectónico de la casa. Este último corresponde a uno de los objetivos principales del proyecto, consistente en la búsqueda de un carácter arquitectónico de la vivienda que se alejara del paralelepípedo o container.

© Omar Faúndes

Como paquete constructivo, se diseñan los paneles de muro con sistema de cámara ventilada exterior de manera que los distanciadores de cámara colaboren estructuralmente, aumentando la escuadría soportante de las cargas verticales de 2×2” a 2×3”, permitiendo proyectar una construcción de más de un piso de altura. Además los tableros se traslapan con los paneles de piso para disminuir las filtraciones en la línea de unión.

Corte A 1:50

Finalmente, para los paneles de techo se diseña un panel tubular que genera una membrana ventilada, lo que resultaría en un gran beneficio para el comportamiento térmico de la vivienda. Además su conformación deriva en un peso muy reducido, cosa que facilita mucho su colocación durante el montaje de la vivienda.

Axonométrica Explotada

El prototipo fue prefabricado por el autor (prácticamente sin ayuda de terceros) en un período aproximado de un mes y medio y el montaje se realizó en un día y medio. Esta construcción fue posible gracias a la colaboración de las empresas ChileMaderas en la donación de maderas y LP Chile en la donación de tableros OSB y Smart Side Panel.

© Gabriela Aznar

Apoyado en las estructuras geométricas que dibujan los nenúfares, el diseñador español con sede en Chile Ignacio Hornillos, busca, en su abstracción y regulación, el diseño de una mesa actual mediante inspiraciones naturales. Al elegir los rasgos fundamentales del objeto referencia, se eliminan las connotaciones naturalistas y se potencian las estructuras intrínsecas que darán carácter al diseño final.

El concepto de la unión de circunferencias genera un sistema flexible con posibilidad de construir la mesa en diferentes disposiciones y con distintos diámetros; generando más un concepto de mesa que un diseño terminado en sí mismo.

© Gabriela Aznar

Hecha en madera, metal y vidrio, se construye gracias a las propiedades de sus uniones. Estos puntos son la clave donde reside la sistemática del diseño, consiguiendo la rigidez del conjunto a partir de la unión entre los radios que conectan las diferentes circunferencias.

Cortesía de Ignacio Hornillos Design Studio

La manera en que el acero y el metal se configuran, le dan el carácter necesario al conjunto evidenciando los puntos clave y cómo funciona la estructura.

La familia de piezas metálicas concentra en su material y textura, toda la fuerza del diseño, consiguiendo la expresividad ellas mismas de manera casi escultórica.

Cortesía de Ignacio Hornillos Design Studio

La mesa está destinada a ser objeto y referencia dentro de un espacio, pudiendo servir tanto de mesa baja ayudando al sofá o como de objeto decorativo en tiendas y escaparates.

Planos

La mesa está hecha con madera, acero y metacrilato. Las diferentes piezas triangulares que van formando los radios se agrupan en familias que corresponden al diámetro de los 4 círculos que configuran la geometría final de la mesa. Esta mesa está disponible en diferentes tamaños y organizaciones debido a la flexibilidad de su sistema.

El Colegio de Arquitectos de Chile os invita el próximo día 6 de junio a asistir y participar de la mesa redonda “TENDENCIAS Y TECNOLOGÍAS DE LA ARQUITECTURA DE HOY” que, auspiciada por EPSON tendrá lugar en el Centro Cultural Gabriela Mistral [GAM], en la capital chilena.

Dicha mesa redonda pretende abrir al público una conversación que expondrá los últimos cambios de la disciplina de la arquitectura. Para ello se hará testigo a los asistentes de “los mejores expositores y referentes de la Arquitectura”. De este evento formarán parte profesionales como Juan Sabbagh, Marco Polidura, Sergio Andreu Matta y Alberto Montealegre.

Para asistir, sólo tenéis que dirigiros el día 6 de junio a las 19:30 horas a la Sala de Conferencias del GAM, en la Avenida Libertador Bernardo O’Higgins 227, previa inscripción vía email. Datos de contacto, a continuación:

• email: actividades@colegioarquitectos.com
• teléfono: 2 353 2321

Título: Mesa Redonda: Tendencias y tecnologías de la Arquitectura de hoy / GAM Santiago
Sitio Web: http://www.gam.cl/
Organizadores: Colegio de Arquitectos de Chile, EPSON
Desde: Thu, 06 Jun 2013 19:30
Hasta: Mon, 06 May 2013 21:30
Lugar: Centro Cultural Gabriela Mistral [GAM]