Descripción enviada por el equipo del proyecto. Los diseñadores de iluminación de Philips Lighting (Euronext Amsterdam ticker: LIGHT), un líder mundial en iluminación, han colaborado con la empresa automotriz Renault en un concepto de auto y en una casa inteligente presentados en el Salón del Automóvil de Frankfurt 2017 (del 14 al 24 de septiembre). El auto eléctrico autónomo SYMBIOZ no es solo un automóvil, es una extensión del hogar. La tecnología digital a bordo del vehículo lo convierte en un espacio interactivo y personalizado que conecta a sus pasajeros con otros automóviles, personas y tecnologías en el hogar inteligente, como la iluminación LED conectada a Philips.
Estacionado en el hogar inteligente, SYMBIOZ también funciona como una habitación modular extra, cómoda y móvil. Su interior se inspiró en el diseño de salas de estar. Como un elegante entorno abierto o cerrado, el automóvil se conecta con todo tipo de dispositivos y electrodomésticos en el hogar, por lo que es un espacio ideal para trabajar o relajarse. Su sistema operativo se muestra interactuando y controlando la iluminación del hogar inteligente.
Philips Lighting colaboró con Renault en el concepto. La casa, en el salón del automóvil junto con Philips Hue, en el salón y la cocina, se enciende automáticamente antes de que el automóvil se desplace hacia el camino de entrada. Cuando SYMBIOZ ingresa al nivel del suelo, las paredes se iluminan automáticamente, iluminadas por Philips Luminous Surfaces. El automóvil se sienta en una plataforma que lo eleva a la sala de estar o a la terraza. El cilindro de la pieza central de la casa que encierra la plataforma se ilumina con 5.368 puntos de luz dinámicos Philips Color Kinetics iW Flex que cambian su tono de blanco para ilustrar el estado de conectividad entre el automóvil y el hogar; por ejemplo, cuando el automóvil se está cargando o en modo de espera.
"Esta colaboración con Renault ilustra perfectamente cómo nuestra iluminación LED conectada está diseñada para interactuar con diferentes plataformas y dispositivos para simplificar y mejorar la vida de las personas", explica Pierre-Yves Panis, director de diseño de Philips Lighting.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Estos pequeños edificios están creados específicamente para el entorno en el que se encuentran. Todas las decisiones de diseño se han realizado para mejorar la experiencia del entorno o protegerse de él. El propósito de las cabañas es permitir que las personas que se alojen en ellas se acerquen a la naturaleza pero de forma cómoda.
Todas las cabañas están completamente fuera de la trama y ubicadas en una isla privada. La simplicidad era una necesidad, desde el punto de vista de la construcción, pero también para mantener el equilibrio entre la construcción y la naturaleza.
La estructura de madera está hecha del mismo tipo de árboles que crecen a su alrededor: abeto rojo. Los pilares levantan el piso como un signo de respeto por la naturaleza, por lo que la huella de este edificio es mínima.
El nombre, Cabaña 72h, refiere a la cantidad de tiempo que cinco personas permanecieron en ellas cuando participaron en un estudio que Karolinska Institutet realizó sobre el estrés. Todos los participantes redujeron sus niveles de estrés drásticamente
Vista Derecha
Todas las tablas, tanto las que están en las paredes como en el piso, están separadas unos milímetros entre sí, en parte debido a los movimientos dentro del material y en parte porque filtra la luz del sol de una manera hermosa, pero principalmente por la razón de la ventilación. Como hay mucho vidrio, la temperatura puede ser muy alta cuando sale el sol, pero debido a que las cabañas están bien ventiladas, la temperatura interior rara vez difiere mucho del clima exterior. Además, este no es un lugar para la actividad diurna: este es el lugar donde te acurrucas en la noche para mirar las estrellas.
La cubierta transparente es la característica principal de estas cabañas. No te arrastras a una tienda de campaña y cierras la naturaleza con el tirón de una cremallera: te subes a una cama cómoda y comienzas a contar las estrellas.
La cama domina básicamente el área del piso, tiene las mismas patas que las cabañas (pilares laminados con pegamento); esto proporciona un sector de almacenamiento por debajo. Las áreas alrededor de la cama se calculan cuidadosamente para que sean lo más pequeñas posible pero permitiendo que alguien se siente cómodamente en el borde de la cama o cambie las sábanas.
Las estanterías detrás de la cama son en realidad los elementos necesarios para atornillar las tablas de la pared, estas fueron deliberadamente hechas más grandes para hacer posible esta doble función.
Cualquiera que sienta la necesidad de alojarse en una de estas cabañas puede reservarlas en línea. Están disponibles en varios lugares diferentes a partir del 2018, pero la estancia original se encuentra en la isla Henriksholm. Para una experiencia continua, la empresa constructora que está detrás de ellos, Fridh & Hell Bygg, los venderá, pero solo a quienes los ubiquen en un lugar único y hermoso.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Construir en Cuba es un ejercicio complejo. Para un arquitecto es un desafío en ascenso, ya sea por la ausencia de materiales, por los costos elevados o por la negativa para emprender propuestas contemporáneas. Un arquitecto cubano es una figura utópica, su trabajo no es necesidad, ni estética ni conceptual. En medio de este contexto hostil Albor desafía la realidad porque cree que desde el interior de la crisis puede renacer la arquitectura por la que apuestan.
Concepto 01. Imagen Cortesía de Albor Arquitectos
Concepto 02. Imagen Cortesía de Albor Arquitectos
Asumir el diseño y culminación de una vivienda que cumpla con todos los requisitos, que sobresalga dentro del contexto y que utilice los materiales más accesibles, es un desafío; sobre todo porque, popularmente, dichos materiales provocan rechazo: son vistos como recursos para el pobre.
Este encargo en particular se propuso desde el inicio que el valor final del inmueble duplicara la cantidad invertida entre la compra del lote y su ejecución.
Concepto 03. Imagen Cortesía de Albor Arquitectos
Se consultó a varios gestores inmobiliarios para conocer los requisitos predominantes en las viviendas adquiridas últimamente. La indagación estableció como indicadores fundamentales la ubicación en el entorno del Centro Histórico, la existencia de garaje, al menos un dormitorio y baño en primer nivel, la unificación de espacios, un patio para múltiples usos y, con independencia de la cantidad de dormitorios y su ubicación por niveles, que cada uno contara con baño privado. Se demanda también que en la vivienda puedan convivir dos familias de manera autónoma y que la casa permita la ubicación de alguna actividad por cuenta propia.
Concepto 04. Imagen Cortesía de Albor Arquitectos
Para la consecución de estos objetivos se concibió un inmueble que —aunque no cumpliese con todas estas exigencias debido a las particularidades del lote (4x15metros)—, permitiese, en dependencia de las características del comprador, una fácil remodelación sin desarticular la edificación a partir de supuestos intereses.
Se utilizaron recursos como ubicar un acceso a doble altura, un lucernario en el centro del lote que atraviesa tres niveles y un patio al fondo para garantizar el confort ambiental de cada uno de los espacios de la casa. Al mismo tiempo se priorizó la materialización de una estructura que respondiera a los intereses iniciales, o a su posible remodelación, y que redujera los gastos por concepto de terminaciones. Para ello se emplearon estucos de cemento en baño y cocina, pisos de cemento, carpintería exterior de aluminio fundido artesanalmente y carpintería interior de cartón bagazo. Finalmente se proyectó y se terminó una vivienda de tres niveles que comprende una planta libre en el primero (donde se localiza la zona pública), una zona privada para dormitorios en el segundo y el tercero con doble funcionalidad entre terraza —con excelente vista— y cuarto de lavado.
Albor se vale de estos elementos —en un principio por necesidad— porque su manejo e implementación se han convertido en su opción estética para defender un estilo y una arquitectura viable y económica. Esta vivienda es una muestra de lo que hoy defiende y define a Albor.
Banco Holandés / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Los años 70 y 80 son testigos de la nueva imagen urbana de la capital ecuatoriana. Rafael Vélez Calisto se graduó en 1970, y desde entonces fue uno de sus más destacados y prolíficos arquitectos. Expresó su arquitectura para un país y una capital pujantes que ofrecían oportunidades únicas a los profesionales, como consecuencia de la explotación petrolera, el crecimiento de las esferas pública y privada, y el acelerado crecimiento urbano.
La capital cambió el perfil de sus ejes principales, se fue configurando como ciudad vertical. En la avenida Amazonas de Quito la imagen dominante de grandes casonas obras, aún con vida útil, fue desapareciendo reemplazada por la de edificios en altura (1); paisaje urbano que continuó por nuevas arterias hacia el norte.
En esos sectores destacan notables edificios de su autoría, contemporáneos y cosmopolitas.
El contexto, su formación y actuación profesional
Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de Revista Trama
Rafael Vélez Calisto fue conciente de los cambios periódicos que se producían en el país y de la responsabilidad de intervenir en cada momento (2). Su bagaje era su título de arquitecto, sus cursos de postgrado (3) y su amor por la arquitectura. Buscó desarrollar intereses afines incursionando en el arte (4). Estudiante destacado, trabajó como dibujante, en los estudios de reconocidos jóvenes arquitectos (5).
Comenzó su práctica profesional creando en equipo (6) la firma Arquitectura y Consultoría y el diseño de la sede que obtuvo Premio al Ornato Municipal (7). Más tarde, formó su propia oficina RVC Arquitectos y abordó una extensa obra en diferentes tipologías funcionales. Hace más de una década se incorporó como socio el arquitecto Rafael Vélez Mantilla, su hijo (8); por su formación rigurosa y la relación entre ambos, los procesos enriquecieron su vasta experiencia con el aporte de nuevos conocimientos que valora como oportunidad de reforzar ideas, precisar rumbos y desarrollar objetivos y lenguaje común ante los continuos desafíos.
Se dedicó a la gestión de proyectos y diseño con arquitectos asociados y equipos interdisciplinarios. “Enfoca la organización de su oficina como una empresa en la que se organiza la recepción de múltiples consultorías y asesorías especializadas” ampliando el panorama de trabajo profesional. Tuvo activa participación en defensa del medioambiente (9), lo que se traduce en el énfasis puesto en el entorno de sus obras.
Dictó conferencias en universidades y asistió a encuentros internacionales (10), participó en el Colegio de Arquitectos (11) y fue Jurado de concursos nacionales e internacionales. Ganó concursos, obtuvo premios y distinciones al Ornato Municipal por veintiún edificios (12); su obra ha sido publicada en el país y el exterior y distinguida por la Bienal de Arquitectura de Quito(13).
Edificio Banco Popular / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Arquitectura y entorno, escenario de la vida
Edificio Mantilla / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Rafael Vélez Calisto reflexiona sobre el efecto de la arquitectura en la ciudad a la que define como “la casa grande”, y en ella el compromiso del arquitecto va más allá del que asume con el cliente que solicitó la obra. Cuando la diseña está pensando en su entorno urbano y paisajístico. Desde su “experiencia acumulada”, el arquitecto debe asumir la participación en su construcción, como una manera de retribuir parte de lo que recibió. Reconoce que las obras más que pertenecer al diseñador, son parte de la ciudad, y “eventualmente pertenecen a la historia”. Eso explica su mirada a la “relación entre espacio, volumetría y entorno” y la importancia que el arquitecto perciba el entorno en todos los aspectos que lo conforman y se manifiestan en él, porque con cada obra forma parte del proceso de “ir haciendo la ciudad" (14).
Frente a la demolición de obras valiosas advierte cuánto esos cambios han afectado al entorno e insiste en que “el patrimonio no sólo es el edificio como tal, el patrimonio es el entorno" (15). En su visión, el espacio público es protagónico en la ciudad, aunque no resulta de normativas que respondan a un concepto total ni nacen de la preocupación por el peatón. En el interés por conformar el espacio urbano, concibe cada proyecto como parte del entorno y como expresión de su tiempo. Se empeña en armonizar las expectativas de promotores, inversionistas y agentes inmobiliarios para entregar más espacios a la ciudad, uno de sus mejores logros.
Edificio Forum 300 / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Sus obras de vivienda para sectores de clase media y alta responden a su interés de conseguir “diseños que incentiven la comunicación y la convivencia familiar” conjugando “la integración con el espacio exterior y la relación con la topografía” para generar “espacios exteriores enmarcados por la organización de volúmenes a la vez que trata de desarrollar expresiones plásticas en base a sistemas constructivos ya probados" (16).
Proceso de diseño
Edificio Vivaldi / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Ha tenido una amplia y sostenida producción de reconocida calidad en la que relativiza el rol de la creatividad inicial y valora la importancia de alimentarla, con perseverancia y constancia. El respeto al ambiente cultural y natural, es auto exigencia que aborda en un estudio decantado y responsable. Por eso la idea primigenia es trabajada desde el conocimiento y “lectura del entorno, de la historia, de la tecnología, de los aspectos socioeconómicos y antropológicos”. Para el arquitecto la inspiración está en todas partes, en especial en las “propias vivencias del espacio”, no reniega de las emociones pero insta a “depurarlas para no caer en abismos como el postmodernismo" (17). Impulsa a su equipo a “vivir y soñar con la arquitectura” siempre presente como escenario de la vida.
Formula ideas del espacio que plasmará con el dibujo en formas y espacios concretos y comunicará las tres dimensiones en perspectivas y maquetas. Las nuevas tecnologías harán más dinámicos y ágiles los procesos de diseño y la comunicación del proyecto, y permitirán incrementar el tiempo dedicado a la creación y al proceso crítico que le posibilita perfeccionar cada una de las instancias del proceso y el producto mismo.
Edificio IBM / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Al ponderar la vinculación del país con el exterior y la incidencia de los procesos científicos y tecnológicos internacionales “mantiene una estrecha relación con los centros de producción de arquitectura y tecnología internacional, aunque considera necesario seleccionar los materiales y tecnologías de acuerdo a los recursos locales, a la capacidad artesanal y a la conveniencia del uso de mano de obra intensiva" (18). Persiste en adaptar los adelantos técnicos a las condiciones locales y buscar la contemporaneidad de sus obras en relación a su propio contexto sin tener una dependencia inevitable con las tendencias internacionales.
El lenguaje, volumen y forma
Edificio Forum 300 / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Su atención a la realidad nacional y a la incidencia de la arquitectura internacional, le llevan a reconocer la adopción de sus expresiones formales como “una modernización del consumo" (19), desprovistas de las motivaciones “conceptuales y filosóficas” que las impulsaron. En su obra identifica un proceso evolutivo lógico impulsado por la búsqueda de contemporaneidad. Utiliza materiales y lenguajes que considera adecuados a la función y escala. En la vivienda individual, destaca el trabajo en hormigón y ladrillo, opción que no aplicó en obras de gran magnitud donde reside su más visible aporte. En la vivienda colectiva la escala urbana y la expresión volumétrica tienen vigorosa presencia (20).
Parqueadero / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
El arquitecto, para aportar al espacio urbano, es firme en buscar respuestas que excluyen la “invención”. Recurre a una mirada evaluativa de su producción y del entorno y su arquitectura referencial, privilegiando más que la obra en sí, el aporte al entorno, más que la magnitud la calidad. Trasciende lo funcional o lo estructural, para explorar la expresividad, sin concebir una solución o fórmula única, particularidad de su dilatada trayectoria. “Cada cliente y cada obra tienen el derecho a la originalidad, en ese sentido no busca su propio estilo en el conjunto de sus obras, sino que busca el estilo para cada proyecto”. Decisión que se explica por los destinatarios de sus obras que requieren de identificación “acorde con su prestigio empresarial y el impacto que desean producir en los usuarios de sus servicios” y productos. (21)
La volumetría, preocupación primordial, es el medio por el que su arquitectura se expresa en la ciudad. La dinámica y dirección de sus límites enriquecen el espacio interior y exterior. Es interesante la confluencia en el volumen de los elementos de la estructura de hormigón armado en su carácter expresivo más que estructural. En ocasiones, el protagonismo es del plano y la línea que aportan al sentido horizontal o vertical, en otras es el juego volumétrico. Son las condicionantes propias de cada proyecto las que guían la elección, ya que no existe “una cualidad ineludible sino la ratificación de conceptos buscando en cada opción su propia expresión". (22)
Su huella en la ciudad
Conjunto City Plaza / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
En respuesta a las características urbanas y los requerimientos institucionales, algunos de sus edificios poseen una “escala monumental”. A través de “la potencialidad visual de una macroestructura” que desdibuja los pisos, hace del edificio del Banco Popular un todo. La fuerza y riqueza volumétrica del edificio IBM es captada desde diversos ángulos, se despliega en pocos pisos y varios volúmenes interconectados generando múltiples espacios. Icónicos son también el edificio Mantilla, el conjunto City Plaza y el Forum 300. Todos son ejemplos notables de la búsqueda de una escala significativa al exterior y al interior que connote las aspiraciones institucionales y aporte con su expresividad al entorno (23). Resaltan los sitios de encuentro y uso colectivo en el entorno urbano y en el interior, donde conforma espacios de varios pisos de altura. El tratamiento volumétrico es una constante como lo es la fuerza expresiva del material principal de sus obras, el concreto.
Con sus numerosos edificios configuró el entorno de sectores urbanos importantes. Muchas son sus resoluciones para la arquitectura administrativa, turística, comercial e industrial, en todas ellas ratificó el criterio de “otorgar personalidad propia a cada edificio, la búsqueda de una escala de significación al exterior e interior que connote las aspiraciones de los comitentes”.
Desde ese enfoque, aportó con su arquitectura a la imagen urbana, lo que adquiere más trascendencia al carecer la ciudad de una concepción urbanística. Todas sus obras poseen singularidad, síntesis formal, articulación, continuidad y contrastes en una cuidadosa concreción que le otorgan reconocida calidad, cualidad sorprendente en una magnitud tan evidente de obras significativas.
Evelia Peralta es arquitecta y subdirectora de la revista ecuatoriana TRAMA.
Banco Amazonas / Rafael Vélez Calisto. Image Cortesía de J. Paredes para Rafael Vélez Calisto
Emprendimientos impulsados por la modernidad y la obtención de mayor renta del suelo.
“El país hasta los años 60 era un país, entre el 60 y el 90 era otro país, y desde el 90 hasta nuestras fechas y no sé por cuántos años más va a ser otro país” dijo en Rafael Vélez Calisto. Entrevista e Investigación, noviembre de 2011.
Arquitecto, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCE, Quito. Estudios de métodos Económicos de Construcción, Diseño y Factibilidad Económica en EEUU y Puerto Rico. Viajes de estudio a Colombia, Chile, México, Brasil, EEUU, varios países de Europa y Japón.
Clases de pintura con el maestro y profesor Oswaldo Viteri.
Trabajó en los estudios de Luis Oleas, Oswaldo de la Torre, Ramiro Pérez y Carlos Velasco, en Moya Peralta Rómulo, Rafael Vélez Volumetrías dinámicas y continuidad espacial, en Arquitectos Iberoamericanos siglo XXI TII, Fomento Cultural México, Banamex, 2006.
Formó equipo con Renán Mora y Andrés Peñaherrera, crearon la firma en 1975, compartió oficina y diseñó en equipo la sede de la firma.
Publicado en Trama Revista de Arquitectura No. 2, junio 1977, en “Comentario sobre los Premios Municipales” de Rolando Moya Tasquer, Quito, 1977.
Rafael Vélez Mantilla realizó su formación en Bogotá y Nueva York.
Desde Fundación Natura, organización pionera en el medio nacional, de la que fue miembro del directorio en dos períodos (1985 y 1990) y Presidente (1991 y 1993).
Universidad Central del Ecuador, Universidad San Francisco, Universidad Católica y Universidad SEK. Participó en reuniones Medio Ambiente, Ecología y Asentamientos Humanos (1887, 1990). Conferencia Arquitectura y Medio Ambiente, Bienal Quito, 1992.
Fue miembro del Directorio del CAE- Pichincha en cinco períodos (1972-74-77-78-97).
CV de RVC. Municipio de Quito. Ed. “Rocafuerte” 74’. Mención de Honor Ed.”Proinco Calisto” 76’. Premio Ornato Ed. “Condominio Profesional” (en equipo) 77’. Mención de Honor “Centro de Educación Especial y Rehabilitación” 79’. Mención de Honor “Banco de Londres” 79’. 1er premio concurso remodelación urbana “El Ejido” 81’. Mención de Honor Ed. “Comandato” 82’. Mención de Honor Ed. “Pinzón” 83’. Mención de Honor Ed. “Epsilon” 85’. Premio Ornato Ed. “IBM” 87’. Mención de Honor Dptos “Angel Morán” 88’. Premio Ornato Ed. “Corma” (Coca Cola) 89’. Premio Nacional Arq. Bienal Quito 90’. Premio Ornato Edificio “Punta Norte” Bahía de Caráquez 90’. Premio Ornato Ed. “Banco Holandés” 91’. Mención de Honor “Casa Monique” 91’. Premio Ornato Ed.”Forum” 92’. Premio Ornato “Centro Adm. Aveproca” 93’. Mención Premio Ornato “Ed. Cosideco” 95’. Premio Ornato “Ciudad Comercial El Recreo” 97”. Premio Ornato “Ed.Citiplaza” 98’.
Obtuvo con el edificio del Banco Popular, 1989, en Av. Amazonas, el Premio Bienal Nacional en 1990, actualmente ocupado por el Ministerio de Educación.
Rafael Vélez Calisto, Entrevista realizada por Rómulo Moya Peralta, inédita.
Reconoce que la expresión formal adoptada no es lo más trascendente y en su valoración junto a Wright, Mies y Le Corbusier, incorpora nuevos referentes como Rudolph, Tange y Pei. Idem 5.
En los últimos diez años realizó nueve edificios de vivienda y siete conjuntos habitacionales en Quito, un conjunto en proceso en Pedernales, dos en Guayaquil, uno en Lima, Perú, y cinco en la costa (Bahía, Salinas, Playas)
Uno de los iniciativas en boga hoy en día respecto al espacio público, diseño participativo y activismo en la ciudad es el llamado urbanismo ciudadano o urbanismo táctico. El planteamiento propone detonar, por medio de intervenciones acotadas y de bajo costo, cambios a largo plazo en el espacio público, es decir, short-term action, long-term change (Street Plans, 2013).
La estrategia utilizada es crear escenarios temporales que visibilicen un problema específico y la formación de intervenciones puntuales para solucionarlo, buscando incorporar a la comunidad para otorgarle relevancia y fomentar su sostenibilidad en el tiempo y, de esta manera, levantar la discusión sobre los beneficios de los proyectos para la calidad de vida en el contexto en que se insertan.
A partir de este modo de operar, y para facilitar su implementación, es que han desarrollado guías de intervención en que entregan instrucciones de diseño, materialidad y ejecución, de manera de conducir y operacionalizar el proceso completo, desde que se gesta hasta que se construye. La primera guía de urbanismo táctico surge en 2012 en Estados Unidos a cargo del planificador Mike Lydon y el arquitecto Tony García. Posteriormente se han incorporado nuevas publicaciones relacionadas a casos en Australia, Nueva Zelanda, Italia y Latinoamérica. Tan sólo en 5 años se han realizado 10 publicaciones en inglés y español, recopilando ejemplos de intervenciones urbanas a lo largo del mundo. (Street Plans & Ciudad Emergente, 2013).
En términos de su implementación, se trata de una propuesta que, por medio de vistosas intervenciones temporales, busca detonar cambios en la vida urbana. Resulta cuestionable, e incluso iluso, pensar que la solución a los problemas relativos al espacio público, los conflictos de movilidad o la necesidad de servicios y equipamiento en las ciudades latinoamericanas se puedan resolver mediante la pintura de un pavimento, asientos de pálet o un manual con instrucciones de aplicación. En la mayor parte de los casos estas intervenciones se sustentan sobre la base de lugares de alta concurrencia y sin problemas de activación. Al operar en un campo de acción reducido y privilegiado, cuya imagen de éxito está asegurada, el impacto de acciones continúa sin beneficiar a los sectores más vulnerables de la ciudad.
Como iniciativa privada podría ser válida en tanto articulación de intereses particulares con capacidad de recuperar y mejorar espacios públicos o espacios privados de uso público (POPS). Sin embargo resulta dudoso cuando el organismo público decide financiar y poner énfasis en intervenciones urbanas que benefician a pocos en sectores privilegiados respecto de su situación urbana. Esta situación se contradice con la idea de promover ciudades más democráticas y equitativas para todos, ya que son precisamente las comunas vulnerables, alejadas del centro o sin equipamiento, las que precisan ser intervenidas.
Más allá de la posible discusión respecto a los recursos económicos asociados a estas intervenciones, es relevante detenerse en su alto impacto mediático, en tanto desplazan la atención pública y crean una falsa imagen de que se están abordando y resolviendo los conflictos urbanos, cuando la realidad no es tal. Aún por sobre el éxito de algunas de estas intervenciones sobre sus entornos específicos, la noción de que los problemas urbanos se están abordando puede resultar nociva para un desarrollo equitativo de las ciudades.
Esta forma de operar —limitada a acciones puntuales, diseñadas bajo una visión monosectorial, propia del organismo público, en que se abordan los problemas desde una única dimensión— se traduce ulteriormente en soluciones parciales y de bajo impacto. Amparados en modas urbanas y comerciales del momento, que perpetúan un modelo de Estado subsidiario, en que el espacio público, el transporte y los servicios son concebidos como bienes de consumo y producto de su alta tracción mediática han hecho de estas operaciones un atractivo para una cartera política que piensa antes en votantes que en ciudadanos.
Un diseño urbano que busca recuperar espacios público a baja escala demanda de una visión global que considere los múltiples factores que inciden en la calidad de vida en la ciudad, para evitar soluciones parciales que no articulen la complejidad del escenario urbano. Por tanto, por más acotadas que sean las intervenciones, es fundamental que estas respondan a una estrategia y proyección mayor, aun cuando puedan ser materializada en fases o etapas, como lo hace, por ejemplo, la denominada acupuntura urbana (Lerner, 2003).
Respecto ala inclusión de la sociedad civil en estos proyectos, la cual el urbanismo ciudadano declara realizar (Street Plans & Ciudad Emergente, 2013), no queda claro si existe realmente una metodología para su incorporación y da la impresión de que se trata más bien de un proceso consultivo y de animación vecinal que de involucramiento, reduciendo esta participación a su entendimiento como un espectáculo en la ciudad (Lefebvre, 1947) y en que el organismo público ha propiciado una relación clientelista con los ciudadanos en que estos últimos piden y el primero da (Auyero, 2004). Relaciones de este tipo arriesgan la inhibición de la organización social en la medida que la participación de la ciudadanía es entendida como un fin en sí mismo por sobre una herramienta de producción del espacio y democratización en la toma de decisiones.
Resulta paradójico empoderar a la comunidad con los beneficios de un proyecto dado si estas iniciativas son originadas desde la autoridad o por agentes externos en un proceso top-down que no contempla el involucramiento activo de las personas.
Existen casos en que este tipo de proyectos tiene sentido y vale la pena, en tanto se enmarca en una situación y contexto determinado, sin fines políticos o abuso mediático. En ese caso habría que entender el urbanismo táctico como lo que es: no un modelo para el desarrollo urbano integral, sino una forma de operación parcelada de construir ciudad como respuesta ante intereses particulares, fundamentalmente comerciales, de intervenir en el espacio público y que no es sostenible si se quiere abordar la ciudad como un derecho.
Consuelo Araneda es Licenciada en Arquitectura de la Universidad de Chile (UCH), Ayudante del departamento de Urbanismo UCH y parte del área de gestión urbana de Fundación Urbanismo Social.
Bibliografía
Kayden, Jerold S., New York City Department of City Planning and Municipal Art Society of New York. Privately Owned Public Space: The New York Experience. Willy & Sons. Nueva York, 2000.
Auyero, J. (2004). Clientelismo Político. Las caras ocultas. Buenos Aires.
Lefebvre, H. (1974). La producción del espacio. (E. M. Gutiérrez, Trad.) Capitán Swing.
Lerner, J. (2003). Acupuntura urbana.. Rio de Janeiro.
Schlack, E. (2015). POPS El uso público del espacio urbano. El carácter público a través de la normativa. Editorial ARQ.
Street Plans + Ciudad Emergente. (2013). Urbanismo Táctico 3.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El Califa es ya un referente gastronómico al hablar de las mejores taquerías en la Ciudad de México, no sólo por la calidad de sus ingredientes sino también por su servicio y ambiente. En 2017, la marca inició un proceso de expansión y abrió una nueva sucursal en una de las arterias más transitadas de la Ciudad de México, Avenida de los Insurgentes.
Encontramos nuestra fuente de inspiración en la tortilla y su traducción geométrica al círculo, en su repetición, su partición y sus variantes. La tortilla es parte importante de la vida de las personas en México desde la época prehispánica, cuando nuestros antepasados la usaban como plato, comida y cuchara. Hoy cada uno de nosotros encuentra maneras ingeniosas de usarla, plasmando un toque personal en la manera de preparar, doblar y sostener un taco.
Fachada 01
Partiendo de las diferentes maneras de doblar una tortilla generamos un nuevo concepto para reinterpretar la esencia de las taquerías tradicionales en México.
La identidad El lenguaje de la marca es intuitivo y evidente. Mantuvimos el espíritu desenfadado de la marca y lo potenciamos para que por medio de la nueva gráfica El Califa cuente su esencia, misma que se ha formado naturalmente a través del tiempo.
Como mexicanos hemos crecido rodeados de la riqueza gráfica y cultural de los rótulos, mismos que evocan el espíritu desenfadado, honesto e inclusivo de la comida urbana. Es en la destreza caligráfica del rotulista que encontramos la referencia para reinterpretar las nuevas proporciones y expresión de las letras que integran el icónico nombre de El Califa. Los elementos gráficos, sutilmente lúdicos y traducidos de la gráfica de manteles de fondas y taquerías, fueron una respuesta a la carga urbana y popular dentro de la cual El Califa y su cocina son protagonistas.
El espacio Por medio de una cocina abierta enaltecimos la preparación de los tacos y al mismo tiempo acercamos al comensal a la tradicional “barra de taquero”. Con éste gesto se genera no sólo un vínculo entre el comensal, el taquero y los tacos, sino que dignificamos la cocina, ocasionando cierto tipo de admiración hacia la elaboración de los platos.
El tradicional mosaico de las taquerías fue reinterpretado en el espacio para generar una expresión contemporánea que se convirtió en el elemento espacial identificador de El Califa, un mosaico que nos habla ingeniosamente a través de un juego de volúmenes de uno de los elementos más básicos en nuestra cocina mexicana: la tortilla.
En contraste con la estética simple del mosaico, el suelo fue cubierto por la sensación urbana del terrazo complementado con una cuadrícula XXL de círculos dorados. Finalmente la atmósfera se vio sumergida por la cálida iluminación proveniente de las bombillas que evocan la iluminación desenfadada de las taquerías.
El mobiliario y la vajilla del restaurante fueron desarrolladas especialmente para el proyecto, lo cual nos permitió ser capaces de seguir la línea formal que originan el interiorismo e identidad de marca, fortaleciendo su discurso.
Cortesía de Esrawe Studio
Insistiendo en la representación geométrica de los pliegues de la tortilla al hacer un taco y partiendo de la expresión de las forjas encontradas en las calles de México, se construyó una piel exterior, una celosía como transición entre el restaurante y la ciudad, una retícula de círculos que forma la guía de la cual se desprende la línea gráfica y formal que caracterizan al nuevo El Califa.
Si hablamos de Latinoamérica y España, el listado vuelve a cambiar respecto a 2017: una universidad mexicana se cola entre las cinco mejores, mientras España crece en participación a costa de instituciones brasileñas. Además, dos universidades se incorporan al ránking regional de esta edición. ¡Conoce las mejores instituciones a continuación!
1. Universitat Politècnica de Catalunya (ETSAB) / España
Ránking mundial de Arquitectura 2018:28° Ránking mundial de Arquitectura 2017: 35° Ránking mundial de Arquitectura 2016: 37°
Arquitectos destacados: Angelo Bucci, Andrade Morettin (Marcelo H. Morettin, Vinicius Hernandes de Andrade), Piratininga (João Paulo Beugger, José Armênio de Brito Cruz, Marcos Aldrighi y Renata Semin), Marta Moreira y Milton Braga.
Ránking mundial de Arquitectura 2018:31° Ránking mundial de Arquitectura 2017: 50° Ránking mundial de Arquitectura 2016: 51°-100°
Arquitectos destacados: Rafael Moneo, Alejandro de la Sota, Fuensanta Nieto, Andrés Jaque, Izaskun Chinchilla, Juan Navarro Baldeweg, Alejandro Zaera Polo, Rafael Manzano Martos, Félix Candela.
Hoy miércoles 08 de marzo Quacquarelli Symonds (QS) ha presentado la edición 2017 de su tradicional ránking de las mejores universidades del mundo. En el campo de la arquitectura, el Massachusetts Institute of Technology (MIT) de Estados Unidos vuelve a liderar el listado por tercer año consecutivo.
Hace unos días, publicamos el ránking preparado por la QS con el listado de las 100 mejores universidades y escuelas de arquitectura en todo el mundo, liderado nuevamente por el MIT de Estados Unidos. En esta ocasión, ahondamos en el listado y conoceremos las 8 universidades de Latinoamérica y España que fueron destacadas por la institución internacional.
Notas
1. En el ránking mundial de Arquitectura, la QS únicamente publica el ránking exacto de las 50 universidades más destacadas. Si bien el resto de los seleccionados son reunidos en grupos de a cincuenta instituciones (51°-100°, 101°-150°, etc.), les asigna una posición que es respetada en el presente ránking.
2. Los arquitectos marcados (*) egresaron de la Escola Nacional de Belas Artes, la cual en 1931 se integró a la Universidade do Rio de Janeiro. En 1965 se transformó en la Escola de Belas Artes, incorporándose a la actual Universidade Federal do Rio de Janeiro.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El proyecto nace como un encargo inmobiliario, con la intención de trabajar en el centro de Santiago, Barrio Yungay, y poder aportar a su recuperación y puesta en valor. Se opta por trabajar en un terreno eriazo, en un entorno céntrico y patrimonial. Se propone un edificio de líneas modernas, de tipología Town House, de una escala mediana, de 3 pisos, manteniendo la continuidad de fachadas y alturas del entorno mediato, un elemento neutro que configure la esquina, un elemento que no rompa la escala del barrio ni tampoco lo sature.
Plantas 1
El proyecto consiste en la construcción de un edificio de estructura de hormigón armado a la vista de 8 viviendas en un total de 744 mt2. Como estrategia se trata de dejar liberado lo más posible el piso 1, de manera de poder incorporar una pequeña área de jardín y de estacionamientos, se trabaja tomando el concepto del conventillo, y sus patios interiores común, por el cual se accede a las casas. En este patio común protegido del exterior se da la vida colectiva, interna del condominio.
A partir del segundo nivel se debía construir la máxima ocupación posible, de manera de poder recuperar el espacio regalado a área común en el piso 1, es por esto que el piso 2 y 3 sobresalen en volado con respecto al piso 1; generando hacia la calle una marquesina protegida, iluminada donde el peatón se puede resguardar de la lluvia y del sol, dándole de esta manera, al espacio público, también otra cualidad a ese lugar, antes inhóspito e inseguro.
Hacia el patio interior, esta marquesina también da protección al área de circulación para ingreso de las casas. El volumen que alberga el piso 2 y 3 se trabaja generando llenos y vacíos que dan una cualidad singular a las fachadas, se genera además un espacio de doble altura, en la fachada hacia calle Cueto, como contrapunto a la continuidad. En la parte superior se proponen terrazas que nos ayudan a apreciar el barrio y a situarnos en medio de éste, además nos permiten la identificación de hitos Patrimoniales lejanos de Santiago Antiguo.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La estructura espacial de este proyecto se basa en cómo combinar un techo con forma de paraguas que se eleva sobre una piscina que se asemeja a un cuenco. Estos dos elementos se parecen más o menos tanto en planta como en corte.
Diagram
Un techo cubre el área pública de la villa que se ha ubicado intencionalmente en el piso superior. En la planta inferior, se puede encontrar una terraza que se asemeja a una cubierta que proporciona a los residentes un área abierta.
En otras palabras, el proyecto es un cubo que se ha inflamado bajo la influencia de eventos que ocurren dentro de sí mismo, y esta inflamación que ha surgido de la estrategia funcional y la planificación del proyecto ha puesto tipológicamente el proyecto en el límite entre el techo inclinado y villas en forma de cubo.
El sótano de la construcción alberga áreas tales como un estacionamiento, un estudio de conserjes, salas de almacenamiento y una bodega. La planta baja cuenta con el apartamento principal, un dormitorio y un apartamento separado adicional, y el primer piso incluye la sala de estar, una piscina (para dos temporadas) y un gimnasio.
Section
El acceso principal al edificio es a través de escaleras flotantes situadas fuera de la construcción, con la forma de un objeto sólido y hueco, similar a una estatua, conectado a la construcción con un puente, que también introduce la vía principal hacia el piso superior (es decir los espacios públicos de la villa). Vale la pena señalar que la planta baja también está conectada por separado al espacio al aire libre.
Desde el momento en que entran al edificio, los espectadores se encuentran con numerosos puntos de vista; desde el callejón con un lado abierto, hacia el callejón con dos lados cerrados, desde la escalera a la entrada principal con techo bajo, y a los espacios públicos del proyecto que progresivamente se ven, donde se experimentan múltiples contracciones y expansiones de espacios.
Esta exposición se titula Archivo(s) Centro SCOP y rescata la memoria del antiguo Centro SCOP (inaugurado en 1954 y actualmente la sede de la Secretaría de Comunicaciones y Transportes SCT) así como el futuro de su patrimonio artístico y arquitectónico tras los sismos del 19S. A mediados de la década de los 1950, el Centro SCOP (hoy sede fue uno de los proyectos públicos de arquitectura más ambiciosos y emblemáticos del “milagro mexicano”. Este edificio, revestido con 6,000 m2 de murales y conjuntos escultóricos firmados por artistas de la talla de Juan O’Gorman, José Chávez Morado y Rodrigo Arenas Betancourt, cristalizó las ambiciones y aspiraciones de su época, bajo el mando del arquitecto Carlos Lazo, director de la SCOP de 1952 hasta su muerte prematura en un accidente aéreo en 1955.
Seriamente afectado por los sismos del 19 de septiembre de 1985 y 2017, hoy el futuro de este icono de la modernidad en México –y su patrimonio artístico– es incierto. La tercera exposición de la serie Archivo(s) busca rescatar la memoria de este proyecto así como especular, desde la práctica artística contemporánea, en torno al sentido y la importancia de la conservación y el rescate del patrimonio moderno en una coyuntura de crisis.
Archivos(s) Centro SCOP parte de una coyuntura excepcional y apremiante para accionar –en forma de respuestas rápidas– una reflexión urgente en torno a preguntas complejas y problemáticas relacionadas con el patrimonio moderno afectado por los sismos del 19S, así como una reconsideración de los principios tradicionales de conservación patrimonial frente a un estado de excepción. La muestra ofrece distintas lecturas sobre la herencia del modernismo en México, desde la perspectiva del arte contemporáneo, con obra de Isauro Huizar, Pablo López Luz, Pedro Reyes, Tercerunquinto y Virginia Colwell.
Cortesía de Archivo Diseño y Arquitectura
A su vez, el despacho de arquitectura FR-EE Fernando Romero Enterprise, a partir de una conversación con el artista Pedro Reyes, imagina una posible solución de diseño para conservar los murales y esculturas: reubicarlos al Nuevo Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, acercándolos a 70 millones de pasajeros cada año y asegurando su lugar en la historia del arte y arquitectura en México en el siglo XXI.
Cortesía de Archivo Diseño y Arquitectura
Archivo(s) Centro SCOP se presenta en Archivo Diseño y Arquitectura (General Francisco Ramírez 4, Col. Ampliación Daniel Garza) hasta el 28 de abril.
Arquitectos A Cargo: GEWOBA, Architect Dipl.-Ing. Corinna Bühring
Equipo: LIN Architects Urbanists; Giulia Andi, Finn Geipel, Philip König, John Klepel (Project Management), Tobias Schlimme, Mattis Krebs, Maja Lesnik, Ines Dobosic, Bruno Pinto da Cruz, Daniel Nissimov, Jan-Oliver Kunze, Anna Heilgemeir, Veljko Markovic
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Bremen al igual que muchas ciudades alemanas, se enfrenta a una creciente escasez de viviendas y un aumento en la demanda de viviendas asequibles.
En respuesta a esto, la asociación de viviendas de Bremen, GEWOBA, ha tomado prudentemente una extensión suplementaria de 45.000 viviendas.
En 2011, en el marco de la competencia "ungewöhnlich Wohnen" (Habitabilidad inusual), se eligieron cinco terrenos ejemplares de un área de viviendas de posguerra para investigar la adaptabilidad del área. Las propuestas consideraban las demandas contemporáneas de viviendas asequibles y flexibles que podrían ofrecer múltiples configuraciones. Estas áreas de viviendas en Gartendstadt Süd, ofrecen generosas áreas verdes abiertas formadas por bloques homogéneos de cuatro pisos.
Fachada
Casa cúbica
La alta adaptabilidad y multiplicidad del sistema modular de madera prefabricada hace que el Bremer-Punkt sea un proyecto piloto para extensiones adicionales a la vivienda social a escala urbana.
Cortesía de Lin Architects Urbanists
Los nichos urbanos se activan mediante la integración puntual de cubos de madera de cuatro pisos. Con una superficie de tan solo 13,35x13,35 metros, las casas de cubo reaccionan con sensatez a los edificios existentes, lo que garantiza el carácter de los espacios verdes abiertos de la propiedad para mantener su apariencia.
Los nuevos edificios están diseñados como un sistema modular prefabricado de madera. Este sistema permite posibilidades de diseño flexibles para las necesidades específicas del sitio y responde a las demandas individuales. Las casas se pueden adaptar a las diferentes combinaciones de apartamentos, área de superficie, circulación, fachada y requisitos de forma de construcción.
Sistema de construcción
Prototipo
En febrero de 2017, se completaron los tres primeros "Bremen-Cubes" en Gartenstadt Süd.
Con una superficie habitable de 44 a 58 metros cuadrados (dos a tres habitaciones), estos apartamentos más pequeños logran proporcionar viviendas asequibles con un nivel de vida más alto que el promedio, sistema de construcción de madera, generosas aberturas de ventanas, amplias áreas privadas al aire libre y orientación suroeste optimizada.
Los nuevos edificios presentan una actualización de las viviendas y el área local, y ofrecen a los inquilinos la equidad intergeneracional existente, específicamente para aquellos que requieren soluciones de diseño sin barreras. Un proyecto de vida colectiva se encuentra en el tercer Cubo de Bremer, agregando nueva energía al área.
Desde la idea conceptual hasta la tipología de vivienda en serie terminada y final, se ha aplicado un proceso de diseño intensivo.
Corte A-A
El conocimiento del proceso de planificación para el prototipo fue evaluado y desarrollado con respecto a los métodos de construcción, el desarrollo del sitio y la optimización de la eficiencia espacial de las nuevas restricciones.
El Bremen-Cube se ha trabajado como una multiplicidad de tipologías de viviendas en serie, pues realiza mezclas de viviendas contrastantes con diseños de apartamentos predeterminados de diferentes tamaños y organización. La nueva adición ofrece más variabilidad de diseño y espacio habitable más utilizable. La envolvente de construcción optimizada proporciona al edificio una buena relación superficie-volumen eficiente de energía.
Actualmente hay siete Bremen-Cubes en planificación y realización en los distritos de Neustadt, Kattentum y Schwachhausen, seguidos de más edificios por implementar.
Diagrama isometrico
Diagrama isometrico
Kit de planta
Los Bremen-Cubes pueden acomodar hasta once apartamentos por edificio. El kit del plano de planta muestra un catálogo de veintidós tipologías de apartamentos, que tienen la posibilidad de combinarse entre sí en más de sesenta variaciones.
La tipología de construcción en serie complementa las viviendas existentes con nuevos planos de planta flexibles y sin barreras. El tamaño de los apartamentos varía desde un apartamento de una habitación de 30 metros cuadrados, hasta un apartamento de seis habitaciones con 138 metros cuadrados.
Patrones de habitabilidad
La multiplicidad y la personalización de las configuraciones de los apartamentos aseguran que cada sitio pueda ofrecer una propuesta individual a diferentes grupos de usuarios. Todos los apartamentos son sin barreras y dos de las tipologías son totalmente accesibles para sillas de ruedas.
El diseño de plano abierto permite modelos de vida multifacéticos; vivir y trabajar son igualmente concebibles, como lo son muchas posibilidades de constelaciones familiares, hogares individuales o formas de vida colectivas.
En el contexto de las actuales demandas de vivienda asequible y las discusiones sobre los requisitos de espacio habitable, Bremen-Cube ofrece propuestas flexibles y específicas para el sitio para modelos financiados con fondos públicos o privados, proporcionando una alta mezcla social y equidad intergeneracional. Diecinueve de las veintidós tipologías de apartamentos cumplen los requisitos de los "Bremer Wohnraum-Förderungsprogramms" (consejo de financiación de viviendas de Bremen). El tercer Bremen-Cube se realizará en cooperación con el "Martinsclub Bremen e.V." como un proyecto ejemplar de vivienda comunitaria.
El proyecto busca albergar una mezcla heterogénea de jóvenes y ancianos, discapacitados, refugiados, y personas y familias de bajos ingresos. GEWOBA ha cumplido con un catálogo de planos de las posibilidades de combinaciones versátiles de las tipologías de viviendas.
Concepto de color
Calidad de vida
Una logia acristalada de altura completa se conecta con la cocina, creando una extensión espacial, que se convierte en una parte integral de la sala de estar.
Esta combinación de logia y cocina crea un espacio de vida de alta calidad, donde la cocina, la comida, el juego y la jardinería son posibles. La calidad de vida verde se acentúa en una variedad de escalas a través de la colocación cuidadosa de los cubos, así como con las aberturas de fachada grandes con su conexión inmediata a la vegetación exterior.
El balcón de circulación abierta es un punto de encuentro para los habitantes y forma un nodo entre el interior y el exterior. La segunda generación ofrecerá una mayor flexibilidad para diferentes tipologías y tamaños de apartamentos. Mediante el uso de puertas correderas grandes, las salas se pueden cerrar, dividir o ampliar según las necesidades.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La Casa HKS se encuentra en una colina en un barrio residencial tranquilo en Visakhapatnam. Los propietarios querían un hogar con espacios privados claramente delineados para la familia y un bloque separado para hospedar invitados y realizar eventos. Por lo tanto, el edificio se concibe como dos volúmenes programados que se mantienen unidos por un corredor-puente, patios ajardinados y terrazas sombreadas.
En la planta baja, los propietarios pueden estacionar, encontrarse con los visitantes en una oficina en casa y organizar espectáculos en la galería. Los invitados son llevados a una escalera de entrada a la terraza, o hacia el césped del norte para una celebración. El volumen norte también tiene una sala de estar formal, una terraza cubierta para almuerzos y un baño con bañera de hidromasaje, para los niños y sus invitados. Juntos; el patio hacia el oriente y el puente, forman el eje de la casa. Es abierto y cerrado, y ofrece diversos grados de interacción entre las áreas privadas y públicas del edificio. Los puentes (en el primer y segundo piso) están cubiertos con un gran piso artesonado que forma un receso en la fachada, causando una zona de baja presión, forzando el norte del este a través del núcleo de la casa.
El segundo volumen incluye cinco dormitorios grandes a lo largo del borde sur, todos se extienden para capturar vistas o vientos de la Bahía de Bengala. En el nivel uno, los viejos y jóvenes se reúnen en el salón familiar y la terraza oeste. Este bloque también incluye un comedor formal de doble altura, cocinas, espacios de servicios públicos y alojamiento para el personal.
La Casa HKS tiene voladizos profundos, bordes gruesos y envolventes verdes, destinados a mantener un gran volumen interno lo más frío posible. Las caras exteriores se renderizan en blanco liso y gris granular (paneles de yeso de cemento); texturas suaves para atenuar los efectos del aire salino y el polvo de carbón del puerto cercano.
Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900—Madrid, 1998) fue arquitecto, pintor y escultor. Estudió en la Escuela de Arquitectura de Madrid (1921-1927) donde tuvo la oportunidad de conocer, a través de sus maestros, la arquitectura del movimiento moderno. De esta manera, pudo ser testigo de cómo la arquitectura industrial constituía una rica fuente de inspiración para arquitectos como Walter Gropius o Le Corbusier y establecía un prometedor ámbito de actuación para la aplicación de los principios y conceptos racionalistas.
Joaquín Vaquero Palacios trabajando en los relieves del acceso a la Central de Miranda, h. 1962.. Image Cortesía de Archivo Vaquero
Sus profesores en la Escuela fueron los primeros en alentarle hacia la ruptura de los límites tradicionalmente establecidos entre los géneros creativos y a encaminarse en el sendero de la fusión de las artes. Dando continuidad a su formación en Nueva York, Vaquero tomó contacto con los arquitectos de los rascacielos Art Déco. En 1928 se casó en San Salvador (El Salvador) con Rosa Turcios, sobrina de Rubén Darío, lo que conducirá su vida por toda América y hará que incorpore temas exóticos a sus pinturas.
En la década de los cuarenta, Vaquero se inclina hacia un personal historicismo, acometiendo proyectos como el del Mercado de Santiago de Compostela (1938-1942) y la Casa Baladrón en Puente Maceira, La Coruña (1940-1942). Primero como Subdirector y luego como Director de la Academia Española, en 1950 se traslada a Roma, donde reside hasta 1965. Proyecta en este periodo obras como el Pabellón de España en la Bienal de Venecia (1952) y un diseño para el concurso de la Catedral de El Salvador (1953), en colaboración en este último con Luis Moya.
Sin embargo, las cinco centrales hidroeléctricas que se muestran en la exposición que recibe el Museo ICO son las que supusieron para el arquitecto cántabro un campo abierto a la innovación y a la experimentación formal, estructural y estética. Estas obras surgidas como fruto de treinta años de colaboración con la empresa Hidroeléctrica del Cantábrico fueron la oportunidad de conseguir alcanzar la anhelada alianza de las artes donde, pintura, escultura y arquitectura quedaban integradas globalmente a la perfección.
En este sentido, Joaquín Vaquero Palacios defendió la integración de la arquitectura, la pintura y la escultura como una parte fundamental de la disciplina de la construcción y no como meros complementos estéticos y decorativos. Una cita del propio arquitecto, presente en la muestra del Museo ICO, define esta relación:
Desde que el hombre puso sus pies sobre la tierra y hubo de guarecerse al cobijo de algo, la integración ha tenido lugar. […] La arquitectura para vivir, la arquitectura para los muertos, para los cultos religiosos, ya integraron desde siempre la pintura y la escultura. El fenómeno continúa sin detenerse, ha venido la industria y hoy la integración es una absoluta necesidad
Por lo tanto, no es sorprendente comprobar como la central hidroeléctrica de Salime (1945-1955) es una demostración ejemplar de esta fusión e integración de las artes, convirtiéndose en uno de los mejores ejemplos de arquitectura industrial española adscrita al Movimiento Moderno. Además, la Central ha sido incluida en el Plan Nacional de Patrimonio Industrial con el objetivo de tomar las medidas necesarias para su protección, conservación y activación y así contribuir a su apreciación social para poder transmitir sus valores y su importancia histórica.
El Salto de Salime constituye una obra titánica: en los trabajos de integración realizados por Vaquero uno de los principales problemas a los que tuvo que hacer frente fue el de la escala, la propia monumentalidad del elemento industrial sobre el que había que actuar. Joaquín Vaquero responde con piezas de tamaño considerable a las dimensiones de la obra.
En la pared aguas arriba se sitúa un gran mural figurativo proyectado por Vaquero Palacios y su hijo, Joaquín Vaquero Turcios, quien también ejecutó la obra. Su diseño exigió la visión directa y el conocimiento del lugar por parte de los Vaquero y de la marcha de los trabajos de construcción. El resultado es un impresionante friso narrativo, a gran escala, que exige una lectura continua con el fin de entender el sentido global de la obra, en la que se representa la laboriosa experiencia constructiva de la central.
Además de la central hidroeléctrica de Salime, la exposición permite descubrir la obra artística realizada por Vaquero Palacios en otras cuatro centrales hidroeléctricas: Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) y Tanes (1980).
De la central de Miranda destaca el uso que el arquitecto hace de la luz artificial (incluyendo ingeniosas ventanas artificiales) y los colores para conseguir minimizar la sensación de soterramiento y así humanizar y dignificar el espacio de trabajo. En Proaza, la fuerza y potencia de su fachada facetada además de conseguir una magnífica integración paisajística hace de esta central hidroeléctrica un ejemplo único de arquitectura brutalista de España. Al igual que hiciera en Salime, Vaquero Palacios diseñó las pinturas murales, los relieves escultóricos, el mobiliario y las vidrieras, consiguiendo de nuevo integrar todas las artes bajo el amparo de la arquitectura.
En el exclusivo catálogo publicado con motivo de la exposición, Rafael Moneo escribe:
Joaquín Vaquero Palacios ha pasado a ser para mí un artista enigmático que, más allá de ser inevitable hijo de su tiempo, escapa cualquier posible y clara clasificación, al resistirse a ser encerrado en los límites que siempre imponen las escuelas [...]. En estas centrales eléctricas asturianas que en esta exposición se presentan, Joaquín Vaquero acepta el reto de integrar en ellas, dada su dimensión, todas las artes plásticas, obligándole la citada dimensión a medirse con la naturaleza al convertirse inmediatamente en paisaje, a un tiempo que explorar la nueva iconografía que traía consigo la técnica
Juan Navarro Baldeweg, también arquitecto y artista, afirma en otro texto del catálogo:
Su forma de integrar las artes no consistió en deducir unos elementos menudos como las plantas de De Stijl; es más cercana a la de Le Corbusier, haciendo uso de las artes en su naturaleza específica
A través de maquetas, planos 90 fotografías de Luis Asín y un trabajo audiovisual de Juan Vaquero exclusivo para esta muestra, "Joaquín Vaquero Palacios. La belleza..." es una oportunidad única y necesaria para descubrir a un arquitecto que consiguió transformar su trabajo y pensamiento en obras de artes totales prácticamente desconocidas y de un gran valor patrimonial contemporáneo.
Sus murales, esculturas, mobiliario, diseño industrial –en solitario o con la colaboración de su hijo– y, en algunos casos, incluso la arquitectura, convierten a Vaquero Palacios en un hombre renacentista que fue capaz de transformar las enormes estructuras de estas centrales eléctricas en auténticas catedrales industriales del siglo XX.
Agradecimientos a Museo ICO.
Joaquín Vaquero Palacios (1900-1998). Image Cortesía de Archivo Vaquero
Título: Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954-1980 Comisarios: Joaquín Vaquero Ibáñez Lugar: Museo ICO, C/ Zorrilla, 3, 28014, Madrid Valor: Entrada gratuita. Fecha: del 15 de febrero al 6 de mayo de 2018. Horario: martes a sábado, de 11 a 20 h.; domingo y festivos, de 10 a 14 h; cerrado: los lunes
Descripción enviada por el equipo del proyecto. En el emblemático barrio del Raval de Barcelona, los arquitectos encontraron un tesoro arquitectónico que estaba oculto dentro de muros que subdividían el espacio. Las transformaciones que sufrió la vivienda a lo largo del tiempo , ocultaron elementos arquitectónicos valiosos que tanto caracterizan las construcciones típicas de Barcelona.
Planta
Courtesy of Croma Arquitectos Constructores
La rehabilitación tenía como objetivo convertirlo en un piso diáfano con una conformación lineal que cumpliera con las necesidades del cliente y devolverle toda su esencia mediante la recuperación de las vigas de madera, lo pavimentos hidráulicos, las paredes de piedra y las grandes bóvedas originarias.
Courtesy of Croma Arquitectos Constructores
Aprovechando al máximo el espacio, en el lugar de transición entre la zona de día y la de noche, se diseñó un armario que al abrirse se transforma en un pequeño despacho y se le dió gran importancia a la cocina que es el punto central de vivienda que integra el comedor y el salón.
Courtesy of Croma Arquitectos Constructores
Se usaron materiales nobles y claros para conformar una vivienda vitál, cálida y acogedora para sus habitantes y que al mismo tiempo aprovechara la poca luz natural que llega desde la calle.
Cortes
Courtesy of Croma Arquitectos Constructores
El presidente de la Bienal de Venecia, Paolo Baratta, y las directoras Yvonne Farrell y Shelley McNamara –en videoconferencia– presentaron la propuesta curatorial oficial de la Dirección Artística para la 16. Muestra Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia.
Ayer se reunieron las curadoras y comisarias de los pabellones nacionales que participarán en la exhibición. Gabriela Gil y Gabriela Etchegaray, comisaria y curadora del Pabellón de México, presentaron “Echoes of Land” que reúne el imaginario colectivo y geográfico de la arquitectura mexicana y su territorio. La propuesta curatorial incluye el trabajo de Atelier ARS, Isaac Broid + PRODUCTORA, Juan Carral Arquitectura, Manuel Cervantes Céspedes-CC Arquitectos, Comunal: Taller de Arquitectura, Estudio ALA, Estudio MMX, Estudio Macías Peredo, Escobedo Soliz, Carlos González Lobo, GDU: Grupo de Diseño Urbano, Oscar Hagerman + CANO VERA, Alberto Kalach, Enrique Lastra, Javier Muñoz, Mario Peniche, Augusto Quijano, Alejandro Vales, Jorge Carlos Zoreda, Enrique Norten-TEN Arquitectos, S-AR, JSa Javier Sánchez + Aisha Ballesteros, Hugo Sánchez, Taller 6A, Taller Héctor Barroso, Alonso de Garay -Taller ADG, Taller de Arquitectura: Rocha-Carrillo, Carlos Zedillo.
Cortesía de Pabellón de México
En este evento, organizado por la Bienal, se anunciaron los 71 participantes que integrarán exhibición central curada por la Dirección Artística y dividida en dos secciones: “Close Encounter” y “The Practice of Teaching”. La primera contará con una serie de reuniones, foros y conferencias en los que se mostrarán trabajos que se originan a partir de una reflexión sobre edificios conocidos del pasado; y la segunda recogerá proyectos desarrollados como parte de las experiencias de enseñanza y transmisión de conocimientos vinculadas a la práctica arquitectónica.
Cortesía de Pabellón de México
Con respecto a estas secciones, los curadores explicaron que han descubierto “la invención y la creatividad en los edificios históricos de micro y macro escalas liberados por la inteligencia de los arquitectos; edificios olvidados re-visitados y traídos a la vida; tipologías transformadoras de habitación; las necesidades de infraestructura se traducen en instalaciones públicas y cívicas”. Además, que “la práctica de la enseñanza es un componente clave para atender la continuidad de la tradición en la arquitectura. Muchos de los practicantes invitados participan activamente en la enseñanza. El mundo de la fabricación y la construcción se funde con el mundo imaginativo que se destaca en la exposición”.
Cortesía de Pabellón de México
Además del pabellón nacional, México tendrá presencia en la muestra general con la participación de Rozana Montiel (Rozana Montiel Estudio de Arquitectura) como uno de los 71 invitados por parte de las directoras artísticas. La muestra tendrá lugar del 26 de mayo al 25 de noviembre de 2018 en El Arsenal de Venecia
Con más de 11.000 seguidores en Instagram, el diseñador industrial Juan Cristóbal Lara(@eljuancri) ha convertido su cuenta en un ensayo fotográfico de Santiago, Chile. Sus protagonistas son la cordillera de los Andes, el cerro San Cristóbal y el río Mapocho, todos bañados por la amplia gama de colores con que el cielo tiñe el pasar de las horas.
En esta ocasión les invitamos a conocer su trabajo más a fondo, además de sus intereses personales y su visión de la ciudad que fotografía. "En los cerros de Santiago te puedes dar cuenta de la magnitud de donde vives, te entregan la verdadera escala de lo que cada uno es en la ciudad", comenta Lara.
En mi segundo o tercer año de carrera recuerdo que pedí de regalo una cámara point-and-shoot, para llevar registro de mis trabajos, realizar fotomontajes y guardar los momentos de viajes y paseos con los amigos. Desde ahí mi interés por la fotografía fue siempre en aumento y gracias a mi formación universitaria fue tomando peso y relevancia como herramienta.
Santiago es una ciudad de cerros islas: cuando vivía cerca del Cerro Calán un día me pregunté por qué nunca lo había visitado. Fui con mi celular al atardecer y quedé maravillado con las vistas que se lograban desde ahí. Es muy diferente a estar en el piso treinta de un edificio, porque todo adquiere mayor valor y dimensión visual.
Aparte de funcionar como trípode para mis imágenes, en los cerros de Santiago te puedes dar cuenta de la magnitud de la ciudad en la que vives; te entregan la verdadera escala de lo que uno es en la ciudad, donde claramente lo más predominante es nuestra Cordillera de los Andes.
En Santiago mis lugares favoritos para fotografiar son el Parque Metropolitano —se mezcla muy bien lo urbano, las grandes vistas panorámicas y el paisaje—, el Cerro Calán y cualquier lugar en donde se puedan ver los colores del atardecer en la cordillera. De todas formas, creo que a cualquier lugar se le puede encontrar un punto de vista diferente que lleve a una fotografía única. A mí me interesa dimensionar el contraste de escala entre el paisaje urbano y la naturaleza; entre las obras construidas por la sociedad y la grandiosidad de nuestro entorno natural. Siempre son vistas que —espero— sorprendan y enseñen composiciones de un entorno que pasa desapercibido, o bien, no se le ve el valor que realmente posee.
De todas mis fotografías, creo que la más difícil de capturar ha sido la lluvia de estrellas Gemínidas en la noche del 14 de diciembre pasado: estando en Santiago tenía que buscar un lugar con la menor contaminación lumínica posible, por lo que Farellones, un centro de esquí a pocos minutos de la ciudad, era una excelente opción.
Esa noche la luna estaba en su fase nueva y no saldría durante toda la noche entregando mejores posibilidades de observación y captura. Eso sí, había que encontrar un lugar que apuntara hacia la constelación de Géminis —donde se dirigirían las estrellas, de ahí viene su nombre— y encontrar el encuadre en medio de la oscuridad, antes de que la constelación apareciera sobre los cerros. Así llegué al Mirador de los Tres Valles, desde donde se ven el cerro Altar y el Glaciar La Paloma.
Después la cosa era relativamente sencilla: encuadrar, exponer la cámara correctamente y capturar 80 imágenes, una cada 45 segundos durante una hora. Si bien pasaron muchas estrellas alrededor de nuestra posición, no todas estaban dentro del encuadre, por lo que el resultado fue la mezcla de solo 5 de las 50 capturas. Pero lo entretenido fue la edición, buscaba imagen por imagen si había alguna estrella. Todo esto se convirtió en una fotografía que, a través de los cerros del valle del estero Yerba Loca, se distingue la Vía Láctea.
A fines de 2017 publiqué un timelapse de un atardecer de Santiago, en pleno verano, Fue un proyecto ofrecido a la compañía Nikon, como embajador de uno de los modelos de la marca durante noviembre y diciembre pasado. Era mi primer intento de timelapse, pero igual conocía mis capacidades y las de la cámara, así que decidí ofrecerlo como una publicación importante. Pasé varios atardeceres en mis lugares favoritos para retratar la ciudad —el cerro Calán y el San Cristóbal—, intentando capturar el paso del tiempo desde el atardecer al anochecer.
Después de realizar las tomas, vino el revelado de cada imagen para que tuvieran el sello personal. Después de eso, se procesan en un programa para edición de videos, y si bien las imágenes daban para un video sobre 90 segundos, decidí dejarlo en 60, coincidiendo con el tope de tiempo de Instagram.
El video final fue compartido por ustedes en ArchDaily, además de las redes sociales de SantiagoAdicto. La verdad es que nunca me lo esperé y fue una gran noticia para difundir a nuestra ciudad. Por ahora, espero seguir evolucionando en mi trabajo, puliendo mi propia visión de la fotografía.
Sería muy interesante fotografiar otras ciudades de Chile, en especial hacia el sur o en la Cordillera de los Andes. Me encantaría poder realizar imágenes para más marcas bajo mi sello y seguir mostrando el potencial de esta nueva generación de fotógrafos chilenos.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La casa se ubica en un desarrollo al norte de la zona conurbada de la ciudad de México, en un terreno de mucha piedra el cual tiene un desplante de 18 x 32 metros y presenta una pendiente del 50%. El programa arquitectónico se resolvió en tres niveles, el primer nivel semi-encajado en donde se ubican los servicios, el segundo nivel se encuentra a nivel del jardín y es ahí donde se encuentran los espacios públicos de la vivienda, por último el tercer parece flotar por encima del resto de los volúmenes.
Al fondo del terreno junto al jardín se levanta una pared de piedra de 15 metros de altura y fue el perfecto escenario para rematar las vistas interiores de la casa hacia el entorno inmediato.
El volumen general se plantea con una doble intensión; por un lado en la fachada frontal se levantan una serie de cajas superpuestas con mínimas aperturas con la finalidad de brindar la mayor privacidad posible, por el otro, en la fachada posterior se buscó dar la mayor transparencia posible hacia el gran muro de piedra.
Debería existir una palabra para ese tipo de películas que se encuentran a medio camino entre secuela y reboot —reinvención—, pero como no la hay, solo lo llamaremos Blade Runner 2049, o mejor, 2049. Esta cinta es quizás más sutil en la forma en que se refiere al clásico distópico de Ridley Scott, que otros reboots como Star Wars: The Force Awakens, pero no es necesario hacer la comparación.
Por ejemplo, es fácil ver guiños de personajes de la Blade Runner original en 2049: el detective privado Rick Deckard es ahora el estoico K; la femme fatale Rachael es Joi, un acompañante holográfico que se balancea en la línea entre lo robótico y lo humano; el loco Roy Batty es ahora la asesina Luv. Además, no debemos dejar de mencionar la manada de replicantes que se hacen pasar por humanos y policías con segundas intenciones. De hecho, uno de los pocos personajes que no se repite el plato es la ciudad de Los Angeles, cuya arquitectura está sorprendemente disminuida en comparación con el primer film. El resultado final está desprovisto de un alma cívica, por decirlo de alguna forma, pero quizás ése es el punto.
Los Angeles en Blade Runner era una paradoja: una ciudad muerta, pero vibrante; sucia, pero siempre bajo la lluvia; superpoblada, pero en constante proceso de quedar abandonada. Es una patrimonio complejo que pertenece tanto a la ciudad como a la cinta. Los Angeles ha servido de telón para muchas películas y su arquitectura única ha sido invocada por cineastas e historiadores del arte. La ciudad tiene un papel tan importante en la historia del cine, que películas como Kiss Me Deadly (1955) pueden ser consideradas recuerdos de una arquitectura que ya no existe.
Un ejemplo destacado es el edificio Bradbury, un hito arquitectónico en el centro de Los Angeles que ha sido registrado tanto en películas de cine negro —D.O.A., Marlowe, Chinatown— como en aquellas de ciencia ficción y fantasía —The Outer Limits, The Night Strangler—, por lo que se dio por hecho que también tomaría un papel relevante en Blade Runner.
De hecho, la batalla final de Blade Runner en el Bradbury es probablemente el rol más importante del edificio. Que haya participado en películas de la década del 40 y en distopías del siglo XXI, sugiere su naturaleza atemporal y refleja la ecléctica arquitectura de su edificio.
En consecuencia, Los Angeles de Blade Runner no es tan diferente de Los Angeles de Chinatown. Ambos filmes entienden que Los Angeles, como ciudad, nos habla sobre el potencial del espacio vacío y del interés en el espacio densificado. Comparen a Deckard haciéndose paso entre personas y animales en las calles de Los Angeles en el club de Taffy Lewis (Hy Pyke) con la gente que repentinamente rodea a J. J. Gittes (Jack Nicholson) al final de Chinatown. Cada escena logra que un espacio urbano abarrotado parezca extrañamente ingrávido: Blade Runner gracias a la técnica de slow motion, mientras Chinatown lo logra gracias a una aireada fotografía.
Ambas películas también entienden la naturaleza siniestra y gótica de los edificios de la ciudad estadounidense: lo que era arquitectura neocolonial española en Chinatown se convierte en academicismo francés en Blade Runner. Además, uno podría postular que Blade Runner trata el tema central de esta última cinta: el agua y su importancia para la civilización.
La bien cuidada propiedad de Evelyn Cross Mulwray (Faye Dunaway) en Chinatown está a una sequía de distancia de parecerse a la zona desértica del Río Porciúncula, donde Gittes se encuentra con tierra agrietada, muebles abandonados y un niño solitario montado en un burro. Si hubiera estado lloviendo, la escena podría ser de Blade Runner.
Esta distinción surrealista ha sido restada de 2049: la narración no se queda en Los Ángeles, la película incluso se abre más allá del límite norte de la ciudad. Y estas ubicaciones lejanas carecen de identidad. No hay estructuras históricas. La sede central del Departamento Policial de Los Angeles (LAPD, por su sigla en inglés) en el centro de la ciudad realmente no parece tan diferente de las granjas de California o de los depósitos genéricos de San Diego. Tampoco hay mucha variación dentro de las escenas. Mientras que Blade Runner se llenó de luces y sombras contrastantes, 2049 tiene una paleta monocromática, prácticamente en mayúsculas: las tierras de cultivo son GRISES; Las Vegas es ANARANJADO; una noche en la playa es NEGRA. Es como si el color fuera un sustituto de la arquitectura.
De hecho, si hay algún vestigio de un paisaje local notable, es la ubicuidad de los anuncios públicos (y no únicamente por la forzada "maldición de Blade Runner"). En nuestra era, las vallas publicitarias de Sunset Boulevard en Hollywood tienen una omnipresencia que se acerca a lo chillón. En el futuro de Blade Runner, las corporaciones multinacionales bombardean a una población cada vez más desilusionada con deslumbrantes imágenes. Mientras en 2049, los comerciales son aún más invasivos. En el final de la película, K se encuentra con una valla publicitaria enorme (MORADA) con el holograma de Joi mientras camina por las calles de la ciudad. Ella es a la vez familiar e indistinguible de la Joi de cualquier otro hombre solitario, un gigante que se extiende a lo largo de la costa, evitando la individualidad. Abrumado, K se derrumba.
El futuro es ahora homogéneo, un desafortunado efecto colateral de la globalización. Cuando la cultura global es la cultura local, Los Angeles se parece a San Diego, entonces ¿por qué Sunnyvale, California, no debería parecerse a Qingdao, China? Además de la contaminación y el crisol urbano, el futuro retratado en 2049 puede no ser tan distinto desde el punto de vista arquitectónico como antes, pero no es menos aterrador e impresionante desde el punto de vista cinematográfico que en Blade Runner.
Colin Newton es un escritor freelance en Los Angeles. Su trabajo ha sido publicado en diarios locales y blogs, y cubre temas relacionados a arte y cultura. Escribe sobre cine, filosofía y más en IdolsAndRealities.wordpress.com.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El encargo consistió en el diseño de un exclusivo Restaurante-Bar japonés ubicado en un nuevo edificio de usos múltiples en la ciudad de Lima. Este nuevo espacio debía reflejar la simplicidad y elegancia de la comida japonesa con un lenguaje arquitectónico contemporáneo y con la posibilidad de ofrecer al cliente diversos usos. Los comensales tendrían la posibilidad de ir por una cena privada o tomar unos cocteles en un ambiente más relajado.
De esta forma el espacio se desarrolla con un juego de alturas y volúmenes que permiten una variedad de usos, dándonos la posibilidad de tener en un mismo ambiente un área de Sushi bar, un área de mesas y el área del bar que se complementa con la terraza exterior.
La continuidad de una celosía de madera nos lleva al volumen del segundo piso que, a manera de caja flotante, sirve de salón privado. Siendo este el espacio más íntimo del restaurante, pero que a su vez goza de un registro visual privilegiado hacia el patio interior del edificio a través de la misma celosía.
El diseño interior, propuesto por Taeya Konishi, complementa el lenguaje arquitectónico con la detallada elección de piezas de escultura, diseñadas por la artista japonesa Michiko Aoki, así como con la propuesta de mobiliario, luminarias y elementos colgantes de gran carácter. A esto se le suma la elección del muro verde, el cual crea la sensación que el jardín exterior ingresa al interior del local.
© Fernando Guerra | FG+SG
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Planta nivel de suelo
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Corte longitudinal 02
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