Descripción enviada por el equipo del proyecto. El relanzamiento de una muy exitosa marca mexicana de más de 47 años no fue una tarea fácil, una marca enfocada a hacer que personas se sientan bien a través de sus productos naturales y de su increíble helado de yogurt. El reto de diseño comenzó al construir una cultura que promueva el espíritu de la marca de adentro hacia fuera, logrando que la gente se sintiera parte de este nuevo camino a recorrer. La abeja había sido su icónico símbolo desde sus inicios y aunque hacía perfecto sentido nunca los había conectado con sus raíces mexicanas. El trayecto comenzó fortaleciendo nuestro símbolo mediante el entendimiento de la fantástica abeja mexicana (Melipona Beechei) llamada Xunan-Cab por la cultura maya. Este sentimiento de pertenencia permea no solo por el entendimiento de nuestro pasado, si no también proyectando innovación y una clara visión del futuro de la marca.
Las estrategias de diseño se enfocaron en integrar la naturaleza gráfica de la abeja con el espíritu lúdico y policromático de los trompos y el uso de franjas multicolores hechas de materiales prístinos como mosaicos y terrazo, las cuales comunican frescura, bienestar, sabor, historia, modernidad y un verdadero espíritu neo-mexicano.
La redefinición del producto como una heladería natural enriquecida por deliciosos productos de calidad enfocados a mejorar tu vida, se convirtió en el corazón del proyecto: ¡Indulgencia Natural! Ahora la marca no solo será exitosa, sino que se convertirá en promotora de bienestar, conservación, calidad, sabor y de su meta principal… ¡Crear sonrisas!
Estereo(auto)scopio es una obra de arte público efímero co-creada por Esteban Pastorino y Nicolás Sáez, financiado por la beca “Residencias Chile - Argentina del Programa de intercambio de Artes Escénicas y Artes Visuales” del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, del Gobierno de Chile. En esta ocasión, la estadía creativa fue desarrollada en “Residencia Corazón” de la ciudad de La Plata, Argentina.
El proyecto se instaló primero en el centro de la Plaza Moreno, luego se traslado al Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha y finalmente se exhibió en Residencia Corazón con un conversatorio con los autores. El proyecto, con la colaboración de Diego del Pozo, Nahuel Bralo, Ismael Maldonado, Juan Pablo Ferrer y Rodrigo Mirto, propone una experiencia inmersiva al visitante mediante un artefacto que permite ver vistas aéreas de la ciudad, con fotografías estereoscópicas tomadas con un dron, que brinda la posibilidad de que el observador mire el lugar donde se encuentra desde lo alto y tome conciencia de las características urbanas.
Conoce el proyecto en detalle a través de unas palabras de sus autores, a continuación.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
La fotografía estereoscópica es reconocida popularmente por el clásico View Master y por variados visores modernos con fotografías estereoscópicas antiguas adquiridas en museos y galerías como souvenir. La visión binocular fue descrita por Euclides (300 a.c.) y desarrollada como instrumento de visualización, visor estereoscópico, en 1840. Dio comienzo al creciente consumo de tecnología 3D y que hoy ya ha entrado al mercado de la televisión.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
La estereopsis (de stereo que significa sólido, y opsis visión o vista) es un fenómeno propio de la percepción visual binocular donde nuestro cerebro se encarga de fusionar las dos imágenes provenientes de nuestros dos ojos que con una perspectiva ligeramente distinta percibe el mundo. Esto nos da una visión sólida, tridimensional.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
El visor estereoscópico permite recrear la experiencia binocular logrando ver en 3D a partir de imágenes planas 2D. Esta experiencia artificial inventada al paralelo de la invención de la fotografía inaugura los esfuerzos tecnológicos actuales de emular el preciado acto de ver a ojos desnudos… mientras nosotros, los consumidores, no nos damos el tiempo para ejercitar la simple acción de observar el mundo sin mediador.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
La fotografía es una imagen técnica (Flusser,1990) [1] que no puede ser más que un artificio. La fotografía es ficción, pese a su hegemónicos valores de documento y verdad heredados de su presencia masiva en la cultura moderna. La fotografía miente siempre, es su naturaleza, es el fotógrafo quién guía éticamente el mensaje visual hacia alguna verdad… “el buen fotógrafo es el que miente bien la verdad”. (Fontcuberta, 2010) [2]
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
Estereo(auto)scopio es un artefacto entendido como “Arte Público Efímero” que pretendió provocar una experiencia inmersiva al visitante que transitó por Plaza Moreno en ciudad de La Plata.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
El objeto es un visor estereoscópico que permite ver 16 vistas aéreas de la ciudad, fotografías estereoscópicas tomadas con un dron a unos 120 mts de altura, ocho desde el centro de Plaza Moreno, mirando hacia afuera y apuntando a las calles que se intersectan en este centro urbano, cruce de las calles 13 y 52, más las diagonales 73 y 74; y ocho desde las plazas colindantes que rodean a Plaza Moreno apuntando a este mismo centro. Desde las plazas San Martín, Italia, Paso, Azcuénaga, Malvinas, Yrigoyen, Máximo Paz y Plaza Dardo Rocha.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
El objeto-visor quedó geo-referenciado al realizar un calce entre estas imágenes 3D y la dirección del visor desde donde el visitante observó. La ciudad es mirada desde arriba y con un efecto “maqueta” otorgado por la síntesis visual que provoca la visión 3D estereoscópica. Como una especie de autoscopia [3] el visitante vio el lugar donde se encuentra desde lo alto y tomó conciencia del trazado urbano, su geometría, simetría y los elementos pregnantes que dan sentido cultural y político a esta ciudad… sus dos más grandes obras de arquitectura, el Palacio Municipal (1888) y la Catedral (1902), poder político y eclesiástico dispuesto uno frente al otro. Modelo dual de poder que fue exportado desde España a las ciudades coloniales y que hoy, al igual que muchas otras plazas en el mundo, son patrimonio tangible e identitario de cada ciudad.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
Si bien las plazas siguen siendo el espacio “abierto” donde los ciudadanos pueden escuchar y ser escuchados ¿Cómo el ciudadano percibe hoy estos espacios democráticos? A partir de un dispositivo artesanal de visualización de imágenes estereoscópicas que dio un panorama aéreo fragmentado de 360º para dar una síntesis visual del “plan” Urbano que jerarquiza este espacio político. Como una espacie de Imagoscopio [4] el artefacto intentó transportar al observador a una mirada interna sobre su posición actual.
Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez
1 FONCUBERTA, J. 2010. La cámara de Pandora. La fotografí@ después de la fotografía. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, SA. 2 FLUSSER, Vilém. 2014. Para una filosofía de la fotografía. La marca editora. Buenos Aires, Argentina. 3 La autoscopia (del griego antiguo αuτός ("yo") y σκοπός ("vigilante")) es la experiencia en la que el individuo, mientras cree estar despierto, ve su propio cuerpo desde una perspectiva fuera de su cuerpo. (Wikipedia) 4 El concepto de Imago (en latín significa «imagen»). Imago designa la imagen interna, aquella representación de una persona determinada que la mayor parte de la veces es inconsciente, y que incluso, tras el encuentro real con esa persona, permanece viva en la psique. (Wipipedia) / Scopio. Del lat. cient. -scopium, y este de la raíz del gr. σuοπεν skopeîn 'observar'. Significa 'instrumento para ver o examinar'. Telescopio, oftalmoscopio. (RAE)
Fotografías: EP: Esteban Pastorino / NS: Nicolás Sáez Exteriores:Plaza Moreno, La Plata - Argentina. Interiores: Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, La Plata – Argentina. Colaboradores: Diego del Pozo (realizador y piloto de drone) Nahuel Bralo (Laboratorio Hypo, revelado análogo) Ismael Maldonado (modelado 3d y gráficas isométricas) Juan Pablo Ferrer y Rodrigo Mirto (Residencia Corazón, en la gestión cultural y difusión).
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Las condiciones de localización del lote nos permitieron plantear el proyecto con un aspecto anónimo y escultórico desde la vía de acceso de la parcelación hacia la casa; esta condición nos dio la posibilidad de ir descubriendo el espacio interior a través del recorrido del proyecto con las diferentes visuales hacia el valle del Rio Villeta.
Dada la extensión del encargo decidimos diseñar el proyecto en cuatro volúmenes; dos de ellos (zona social y alcobas) integrados por una gran pérgola en estructura metálica generadora de sombra en el espacio principal de contemplación del paisaje. Los otros dos volúmenes adyacentes a la zona social albergan las caballerizas del proyecto y la casa de mayordomo.
La permeabilidad de las visuales, la contigüidad en los espacios interiores, la búsqueda constante de sombra, la ausencia total de elementos de vidrio, la ventilación cruzada, y la implementación de texturas ancestrales (cielo raso en “matamba” y las mamparas reticuladas de madera) fueron valores y preocupaciones constantes en el planteamiento arquitectónico y en todo el proceso de diseño del proyecto.
Superstudio y Archigram fueron los pioneros de las utopías que tuvieron su auge en 1960, fecha en donde se vivió una crisis que desgarró las economías mundiales, posicionando a Italia en un momento histórico de auge y caída que albergaba los sueños y la desesperación.
Este es un punto clave para el surgimiento de las utopías porque sólo en momentos de desesperanza, la esperanza se fortalece. Tanto Superstudio como Archigram fueron despachos que contribuyeron con sus investigaciones a la crítica arquitectónica desmantelando el adoctrinamiento de la profesión y el hábito del consumo irrelevante por lo que de forma radical imaginaron nuevos futuros para el mundo que se habitaba; estos futuros se re escriben hasta nuestros días para retomar los anhelos más humanos e imaginar un mundo libre.
En arquitectura, la actividad crítica siempre ha estado conectada con el concepto de utopía, las utopías no son un modelo alternativo, no resuelven problemas sino que los plantea, los busca, los expone. Se podría decir que el concepto principal de las utopías son la esperanza, las utopías son el arranque de todo proyecto ya que en ellos sucede la vida. La tarea de las utopías es hacer una crítica directa al mundo que habitamos porque solo de esta forma se le devuelve dignidad mediante un análisis racional.
Diversos despachos han retomado estas ideas para diseñar sus proyectos pero ¿sabías que estas utopías también están inscritas en el lenguaje musical? Hemos recopilado 10 videos musicales que aluden a las utopías de los años 60's y hablan de los anhelos que contrario a disolverse, se refuerzan con las nuevas generaciones. ¿Los conocías?
1. Fire - Justice
Es un video que pertenece a su tercer LP 'Woman', la dirección se llevó a cabo por Pascal Teixeira y fue producido por Iconoclast. Aquí se puede apreciar una estructura blanca y cuadriculada similar al 'Monumento Continuo' de Superstudio, además en el minuto 2:32 podemos ver a Susan Sarandon bailando en un patio que nos recuerda al Pabellón de Barcelona diseñado por Mies Van Der Rohe en 1970.
2. Arrullo de Estrellas - Zoé
La banda mexicana presenta en 2014 este video de su álbum 'Prográmaton' dirigido por el vocalista León Larregui, quien estuvo a cargo también del concepto gráfico en colaboración con el director Phil Vinall. Este video habla de la esperanza y plasma una historia que trasciende dimensiones, tal como las utopías.
3. Bad Romance - Lady Gaga
La famosa cantante Lady Gaga es conocida además por su acercamiento a las artes plásticas y al performance. El video de "Bad Romance" lanzado en el año 2009 y dirigido por Francis Lawrence no es la exepción, ya que desde el minuto 0:01 expone en su totalidad un cuarto idéntico a los espacios propuestos por el despacho Superstudio.
4. Veridis Quo - Daft Punk
Este video dirigido por el dúo francés en el año 2006, parece como muchos de su autoría, como si hubiese sido dirigido y editado por el mismo Natalini (miembro de Superstudio) para ilustrar uno de sus 'Twelve Cautionary Tales for Christmas'.
5. The Weekend - I feel It Coming ft. Daft Punk
Dirigido por Warren Fu y producido por Raffi Adlan en 2017. El set es una mezcla de rocas espaciales construidas a medida y algunas piedras colocadas frente a la pantalla que proyectan las puestas de sol y los cielos inspirados en las cintas de Stanley Kubrick muy parecidos a los paisajes que retrata Superstudio en sus textos utópicos.
6. Derezzed - Daft Punk
Este video y el disco completo es la banda sonora de la película 'Tron: Legacy' filmada de 2008 a 2010 y dirigida por Joseph Kosinski. Este es el primer aporte del dúo a la producción cinematográfica.
... si el diseño no es más que una forma de consumo, entonces debemos rechazar el diseño; si la arquitectura es meramente la codificación de los modelos burgueses de propiedad y sociedad, entonces debemos rechazar la arquitectura; si la arquitectura y el urbanismo no son más que la formalización de las actuales divisiones sociales injustas, entonces debemos rechazar el urbanismo y sus ciudades ... hasta que todas las actividades de diseño estén destinadas a satisfacer las necesidades primarias. Hasta entonces; el diseño debe desaparecer, podemos vivir sin arquitectura ...
SUPERSTUDIO, The Continuous Monument: An Architectural Model for Total Urbanization, 1969
7. House Call - Boston Bun
Es un video dirigido por Boston Bun, lanzado en el año 2012 que pertenece a su EP ED066. La banda retoma imágenes de la ciudad y las sobrepone tal como si se tratara de un collage inspirado en las ciudades utópicas de Archigram.
8. Jamie XX- Gosh
Dirigido por Romain Gavras, producido por Iconoclast a cargo de Roman Pichon Herrera en 2016, "Gosh" representa una crítica hacia una sociedad estandarizada y militarizada que se materializa a través de las utopías del movimiento moderno.
9. Ariana Grande - No Tears Left to Cry
Lanzado en el año 2018, 'No Tears Left to Cry' es un video dirigido por Dave Meyers y producido por Nathan Scherrer que retrata una ciudad utópica que rebasa las leyes gravitatorias para generar planos rotatorios. Aquí se retoman las ideas del "Monumento Continuo" mostrando una ciudad infinita y cambiante.
10. Hans Zimmer - Time
Dirigido por Christopher Nolan es sin duda este es un video que se ha vuelto un clásico debido al manejo espacial que expone con fragmentos de la película 'El Origen' filmada en el año 2010 en Estados Unidos.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El proyecto consiste en renovar una antigua granja. Además del clásico programa de una casa, los clientes querían una sala de música y un estudio.
Proponemos preservar el aspecto original de la granja y devolverle su aspecto perdido después de varias intervenciones en el tiempo. Las aberturas se crean para iluminar los espacios interiores. Los espacios de vida y la sala de música están en la planta baja, junto con el dormitorio principal. Las habitaciones y el estudio están en el primer nivel. Separamos todo el piso de las paredes periféricas creando un aspecto de caja de madera, lo cual permite dobles alturas en los espacios habitables.
El muro de piedra es visible desde el exterior y en el interior se cubre con tierra para beneficiarse de la inercia térmica de esta. Finalmente, los marcos de las ventanas están hechos de concreto para mantener el aspecto mineral del exterior.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Restaurante Casa Carmela. “Des de 1922 a llenya”. Allá por los años 20, el bisabuelo del actual gerente de este restaurante familiar de comida tradicional, recorría todos los días de verano la huerta valenciana para dar servicio a los turistas madrileños que se acercaban a la costa. Casa Carmela comenzó como una barraca que daba servicio de cambiador a los bañistas de la playa de la Malvarrosa.
Planta
Fue a partir de 1922 cuando se registró la empresa con el nombre de su esposa, Carmen. Con el tiempo el pequeño negocio fue creciendo, dando cobijo y comida a los huéspedes del mediterráneo.
La segunda generación al cargo de Casa Carmela tomo el relevo de esta empresa familiar criando sus propios animales de granja, con un corral en la trasera del restaurante. Estos productos de corral se unían además a unas verduras de temporada y del huerto familiar, sirviendo siempre producto de temporada y de calidad.
Entre los clientes habituales del restaurante se encontraba el –eminente- propietario de la villa contigua a Casa Carmela, Vicente Blasco Ibáñez. El escritor y político, que despertaba inquietud entre los habituales del restaurante reflejaba así el ambiente que se respiraba en Casa Carmela entre los años 50/60:
“Tranvía a la Malvarrosa” “Por la tarde nos fuimos paseando hasta el final de la playa. (…) Pasando la línea de los chalets al final de la playa estaba Casa Carmela junto a una villa pompeyana que era del escritor Blasco Ibáñez. Bajo el cañizo de Casa Carmela sirviéndose de una silla de enea como caballete Julieta comenzó a pintar y juntos tomamos unos caracoles de mar y mejillones.” Vicente Blasco Ibañez.
Cuando años más tarde tomó el relevo familiar la tercera generación de Casa Carmela, se reformó el establecimiento, se ampliaron las barras, se intervino también en la cocina y se construyeron paelleros de leña. Ganando la fama como casa de comidas especializadas en arroces, en paellas cocinadas al fuego de la leña, con el “socarrat” ahumado, crujiente y una capa de arroz muy fina.
Esta gran reforma sumada a una última que llegó en 1989 incorporaba una terraza, la modernización de los paelleros y la cocina, y un recubrimiento con cerámica tradicional de Manises típicamente valenciana.
En la actualidad, Casa Carmela llega a los 170 cubiertos, excluyendo la terraza interior al aire libre. La decoración mural de la mayoría de las estancias, revestidas de azulejos valencianos con motivos marineros y frutales, donde abunda la naranja y las pequeñas embarcaciones de vela latina, recuerdan la tradición ceramista valenciana.
Cortes Longitudinales
En 2017 el restaurante vivió una nueva actualización. En esta ocasión, nihil estudio es el encargado de renovar, desde el respeto, este espacio de características mediterráneas donde reverbera el olor a mar, la arena y la luz, convirtiéndose éstas en las pautas de un restaurante donde la historia cuenta con voz propia.
Desde el respeto a las intervenciones anteriores, nihil estudio es capaz de aunar tradición y modernidad en este negocio familiar que representa el paso de cuatro generaciones.
Este restaurante de herencias generacionales necesitaba de una nueva actualización de la zona de barra. Con la premisa de recuperar el azulejo existente, modernizar, agilizar el espacio e incrementar la entrada de luz, nihil estudio interviene con cuidado consciente de la importancia de mostrar el detalle de los productos de primera calidad.
Es así como la entrada a Casa Carmela se abre ahora al exterior, permitiendo la entrada de luz natural hasta prácticamente el patio interior y facilitando al comensal disfrutar de las vistas al paseo, abriéndose al mismo tiempo a la mirada del viandante.
Sin perder la esencia de “bar” con la que se caracteriza la barra de Casa Carmela, la intervención de nihil estudio muestra el producto fresco con el que se cocina, recupera el azulejo valenciano tradicional existente y aligera el espacio, incorporando unos elementos en hierro que sirven de apoyo a la barra. Estos elementos sirven de frente de luz artificial y a su vez permiten al visitante apreciar la rehabilitación en el techo desde donde se respetaron las viguetas, dotando de falsos lucernarios al espacio para incrementar la sensación lumínica. Creando una continuidad entre la luz natural exterior y el espacio interior.
La materialidad escogida parte del respeto hacia los materiales encontrados. En la barra, nihil estudio se dispone a recuperar los azulejos encontrados. Un ejercicio que implicó retirar estas piezas cuidadosamente durante la obra para volver a incorporarlas una vez finalizada. Permitiendo así mostrar a través de un lenguaje contemporáneo el logo de Casa Carmela, embutido en microcemento junto a las piezas cerámicas.
Destacando así la labor artesana de los renombrados ceramistas de Manises, como los denominados socarrats -placas de barro cocido decoradas generalmente en tonos rojizos o amarronados y negruzcos, de origen medieval, típicos de la alfarería de la Corona de Aragón- que se revaloran ahora gracias a una intervención respetuosa que además incorpora los usos de un mobiliario discreto de Capdell, destacando el carácter familiar y ciertamente hogareño de Casa Carmela.
El pavimento de barro se extiende desde la entrada, buscando una continuidad con el revestimiento del resto del restaurante. Para ello se buscó el mismo proveedor que realizó la última reforma en el 89, esquivando así la sensación de un “salto temporal” dentro de Casa Carmela.
Se dota también de una vinoteca al espacio que sirve a las zonas de servicio, ampliando el espacio y dando servicio y unificando los ambientes. La elección del material de esta vinoteca parte del lenguaje común entre los elementos preexistentes y las nuevas incorporaciones, apareciendo aquí la madera en un acabado similar al de las zonas de comedor, unificando materialidad y abriendo al mismo tiempo visual y funcionalmente los accesos del comensal y las zonas de servicio.
En la barra, unos barriles en frío se llevan, mediante un tubo enterrado en el suelo, la cerveza hasta llegar al tirador, donde se vuelve a enfriar. Es así como esta zona de servicio, caracterizada por un servicio más rápido y directo con el cliente, asegura que el producto se sirva con las condiciones óptimas.
Cortes Longitudinales
Comprender lo que ha sido y en lo que se ha convertido Casa Carmela pasa por respetar la aparición de su cocina de calidad. Con presencia en medios tales como la Via Michelín o la Guía Repsol. La paella en especial y el resto de su producto fresco se convierten en los protagonistas de este restaurante. Es así como se abrió la cocina al pasillo, pudiendo ver la labor del paellero y se brindó a la barra un espacio de mostrador para el producto fresco. Tradición, respeto y buen hacer priman en esta intervención de nihil estudio donde se valora el conocimiento de la materia prima, yendo más allá de los términos puramente constructivos.
"Deja que la ciudad florezca" Es una centro de intercambio cultural construido en frente de la estación de Ota en la prefectura de Gunma. Ota City tiene una población de aproximadamente 220,000 personas, y la cantidad de usuarios de la estación supera las 10,000 personas en un día. Pero pocos de ellos caminan frente a la estación, las calles comerciales son tranquilas. Para revertir esta situación, la construcción se propone devolverle la vida al frente de la estación de Ota.
Axonométrica
Por lo tanto, para que sea un lugar atractivo tanto para caminar como para pasar por allí, optamos por una arquitectura donde la ciudad continué hacia el interior.
Específicamente, diseñamos un camino, con bordes de marcos de acero, que permite rodear en pendiente las cinco cajas programáticas. La gente puede caminar en cada piso como camina por la ciudad.
Además, para permitir que personas de diferentes grupos de edad y entornos encuentren sus propios lugares, tratamos de coexistir tridimensionalmente con espacios de diferentes características. Al igual que el sistema de arrecifes de coral.
Planta
Ojalá que la arquitectura al igual que una flor nacida frente a la estación (que fue diseñada con la participación de un gran número de ciudadanos y partes interesadas) deje florecer la nueva revitalización de la ciudad.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La casa flota en el dosel de un denso robledal en las estribaciones de las montañas de Santa Cruz, al oeste de Silicon Valley.
La idea conceptual era clara y vino rápidamente: hacer flotar una caja de vidrio en las hojas de los árboles en dos columnas parecidas a troncos, interrumpiendo la menor cantidad posible de robles. El dosel denso del árbol ofrece la oportunidad de construir una casa completa con paredes de vidrio, protegida de los rayos directos del sol, pero llena de luz solar moteada.
Un puente de reja de acero conecta el grado con la azotea de los pastos nativos. Una plataforma de observación se encuentra en el campo de hierba junto con un garaje de paneles de zinc y espejo de vidrio. La luz del sol se canaliza a través del vestíbulo hacia el nivel de vida. La sala de estar principal está en voladizo en el dosel del árbol, mientras que las habitaciones, baños, servicio y almacenamiento se encuentran detrás de una larga pared de gabinetes a lo largo de la ladera. Los espacios diferenciados (la sala de estar, la oficina y la cocina) se delinean espacialmente en el plano abierto hundiéndolos en el piso de concreto.
Estos espacios están delineados por un solo material. En la oficina sumergida, todas las superficies (pisos, escritorios y armarios) se muelen de una sola losa de pistacho chino. La sala de estar hundida, de 144 pies cuadrados se completa con los componentes del sofá "Tufty time" de B&B Italia. En la cocina/comedor, un mostrador de 22 pies de largo compuesto de cuarzo blanco continúa la superficie de trabajo de la cocina en la mesa del comedor. En el techo, las tiras de LED montadas al ras impiden estas zonas. Las fuertes líneas geométricas de luz, que recuerdan a una escultura de Dan Flavin, son claramente visibles desde el exterior mirando hacia arriba a través de las hojas.
En el imaginario poético de Luis Barragán, el color desempeña un papel tan importante como la dimensión o el espacio. Las texturas ásperas y los reflejos del agua aumentan el impacto de la luz del sol en sus coloridos edificios. Pero, ¿de dónde proviene esa vitalidad y cómo se ve reforzada por la arquitectura misma?
Las paredes en la arquitectura de Barragán no solo enmarcan cuidadosamente las vistas, sino que también proyectan sombras o representan el juego de las sombras por los árboles. Sus composiciones incluyen paredes con texturas rugosas y suaves. La textura áspera se origina en el mortero de guijarros y grava aplicado a los ladrillos y crea patrones vívidos e irregulares y acentúa una dimensión táctil. Por el contrario, la textura suave proviene de una superficie regular de mortero y forma un paisaje silencioso y abstracto, ofreciendo un lienzo contemplativo para los rayos de luz que se mueven a través de la pared. Si bien la estructura general de sus paredes se mantiene minimalista, el elemento de textura y color crea una experiencia poética. Esta relación fue explorada recientemente en una instalación del artista estadounidense Fred Sandback, como se ve en las imágenes que acompañan al artículo.
Especialmente en regiones con cielos sin nubes, las personas buscan áreas sombreadas para evitar la luz solar cálida y directa. Las paredes que proporcionan sombra y las ventanas más pequeñas o protegidas contribuyen a crear un ambiente confortable en estas áreas. Esta estrategia espacial es evidente en muchos de los proyectos de Barragán, como la capilla de las Sacramentarias Capuchinas o la Casa Gilardi, donde minimiza cualquier vista directa al cielo. Criticó los diseños sin áreas oscuras: "Los arquitectos están olvidando la necesidad de los seres humanos de la luz indirecta, el tipo de luz que impone una sensación de tranquilidad, tanto en sus salas de estar como en sus dormitorios. Alrededor de la mitad del vidrio que ahora se usa en tantos edificios -hogares y oficinas- tendría que eliminarse para obtener la calidad de la luz que le permita a uno vivir y trabajar de una manera más concentrada y con más gracia. Deberíamos tratar de recuperar la tranquilidad mental y espiritual y aliviar la ansiedad, la característica sobresaliente de estos tiempos agitados, y los placeres de pensar, trabajar y conversar aumentan por la ausencia de luz deslumbrante y perturbadora ".
Moritz Bernoully, fotógrafo y arquitecto alemán, confirma esta actitud después de visitar varios proyectos: "Cómo Barragán juega con la luz se volvió más esencial para mí que los llamados colores mexicanos". En lugar de grandes ventanas para espacios luminosos, Barragán reduce la luz natural a un mínimo. La luz se filtra con un vidrio opaco amarillo en el pasillo de la Casa Gilardi o las ventanas se mueven incluso a la misma esquina de las habitaciones de su propia casa ".
El encuentro con el paisajista francés Ferdinand Bac abrió los ojos de Barragán a la belleza de los jardines. Barragán se sintió profundamente inspirado por la relación de Bac con los jardines y sus puntos de vista, citando las palabras de Bac en su discurso de aceptación del Premio Pritzker de 1980: "el alma de los jardines alberga la mayor suma de serenidad a disposición del hombre". Después de ver fotografías de las casas de Barragán, Bac envió su libro Les Colombières sobre el jardín en Menton en la Riviera francesa con la inscripción: "Al señor Luis Barragán, a quien me gustaría llamar mi ahijado por la comprensión perfecta que tiene de mi renovación en un estilo mediterráneo-español ".
Como explicó Barragán en su discurso de aceptación de Pritzker, la combinación de misterio y serenidad era algo que consideraba de vital importancia en sus obras. Su imaginación corrió libre en las haciendas y jardines de México, inspirando los diseños espaciosos y coloridos a lo largo de su carrera.
Cuando se le preguntó sobre el esquema de color de Barragán, muchos críticos se refieren a los colores brillantes de los edificios indígenas en México. Para el arquitecto japonés Yutaka Saito, es claro que los colores se derivan de las flores de su entorno de vida: "Por lo tanto, su rosa proviene de la bugambilia, su color rojo óxido se extrae de las flores de tabachin, y la luz púrpura es el color de las flores de jacaranda. El azul es el color del cielo y el ocre amarillo el de la tierra. Qué revelación cuando tomé las flores y verifiqué la coordinación con los edificios: coincidían perfectamente. "Estos colores crean un fuerte contraste con los árboles y las plantas verdes. A veces Barragán también usaba paredes azules para extender el cielo sin nubes en patios o espacios interiores. Pero los colores intensos no pueden darse por sentados. La intensa luz del sol en México requiere que las paredes sean repintadas periódicamente para preservar la calidad del espacio.
El legado de Barragán radica en crear un conjunto de contrapuntos a las aspiraciones claramente blancas de los modernistas. La desviación más significativa de sus pares fue que, a medida que los modernistas buscaban resaltar los avances en la construcción de acero con grandes extensiones de vidrio, redujo el tamaño de las ventanas para protegerlas de la luz solar directa. El segundo aspecto se deriva de su paleta de colores que posee una reflectancia mucho más baja que los cubos blancos modernistas típicos de la época. Finalmente, las paredes toscamente texturizadas de sus estructuras generaron patrones de sombras finamente matizadas, cambiando y evolucionando a lo largo del día.
Los tres elementos están cuidadosamente dispuestos: el diseño único de color y textura de Barragán introduce una dimensión poética para equilibrar sus conjuntos monumentales de paredes.
Para lectura adicional: Proyectos Monclova (Redactor), Daniel Garza Usabiaga, Federica Zanco, contribuciones de Roger Duffy, Amavong Panya, Lilian Tone, Edward Vazquez: Luis Barragán, Fred Sandback. Las propiedades de la luz. Hatje Cantz, Berlín. 2018.
Light matters, una columna sobre la luz y el espacio, está escrita por el Dr. Thomas Schielke. Con sede en Alemania, está fascinado por la iluminación arquitectónica y trabaja como editor para la empresa de iluminación ERCO. Ha publicado numerosos artículos y es coautor de los libros "Light Perspectives" y "SuperLux". Para más información, visita www.erco.com, www.arclighting.de o síguelo a @arcspaces.
Times Higher Education (THE) ha revelado su ranking de las mejores universidades de Latinoamérica y el Caribe, basado en los 13 mismos indicadores de su ránking global, pero con ciertas modificaciones para "reflejar mejor las características de las universidades latinoamericanas", según explica la organización.
La edición 2018 de este ránking regional incluye 129 universidades de 10 países, ponderadas en las categorías de enseñanza, investigación, transferencia de conocimiento y perspectivas internacionales. Cabe señalar que esta medición es global a nivel de universidad y no mide cada carrera por separado, como sí lo hace QS en su ránking anual.
En una ocasión ampliamente dominada por Brasil, les presentamos las 10 mejores universidades latinoamericanas que imparten arquitectura, según THE.
1°. Universidad Estatal de Campinas (UNICAMP)
Ubicación: Campinas, Brasil Puntaje: 86,5 Posición Global: 401-500
2°. Universidad de São Paulo (USP)
Ubicación: São Paulo, Brasil Puntaje: 86,0 Posición Global: 401-500°
3°. Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC)
Ubicación: Santiago, Chile Puntaje: 85,7 Posición Global: 501-600°
4°. Universidad Federal de São Paulo (UNIFESP)
Ubicación: São Paulo, Brasil Puntaje: 83,6 Posición Global: 501-600°
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Como todo el mundo sabe, todos los arco iris terminan en Irlanda. Y, como también se sabe, al final del arco iris hay una olla de oro custodiada por un duende atento. Cambie el duende por la recepción de la estación y la olla de oro por el SPA y tendrá una idea de la magia que implica la experiencia de pasar unos días en Finn Lough.
Situación
Con un poco de suerte, el día dará la bienvenida al viajero con el sol tímidamente atravesando la niebla, revelando árboles que por unos instantes podrían confundirse con gigantes en ciernes, parados. A medida que la niebla se despeja, el lago emerge, surgen colinas que delinean el paisaje y los volúmenes que conforman el SPA. Son el resultado de la experimentación creativa aplicada a este cubo con su tejado a cuatro aguas que inspiró la composición de sus diferentes elementos.
El exterior de los volúmenes está recubierto por una lámina corrugada cuyo tratamiento oxidativo está destinado a acelerar su envejecimiento. De su actual tonalidad dorada, se convertirá en un color pardusco que se integrará fácilmente entre los árboles circundantes. Los lados del cubo que fueron rediseñados en su interior están cubiertos de madera quemada, contribuyendo a disfrazar los volúmenes dentro de la naturaleza que los recibe.
Siguiendo la trayectoria, a lo largo de la cual se pueden disfrutar de todas las instalaciones del SPA, reencontramos a lo largo del recorrido los distintos volúmenes retirados del cubo original. La organización, color e iluminación de cada espacio es diferente y específica, reflejando la personalidad terapéutica de cada uno de ellos. Y aparecen como versos de un poema cuyo significado -como todos los buenos poemas- es distintivo cada vez que se lee.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Teniendo puentes entre el presente y el futuro del arte, el nuevo estudio David T. Beals III de Arte y Tecnología en el Instituto de Arte de la ciudad de Kansas, crea un entorno de aprendizaje y trabajo flexible y rico en tecnología que respalda la creación de prototipos y el desarrollo de proyectos innovadores para estudiantes.
Planta de ubicación
Reconociendo la necesidad del Instituto de un espacio que ayude a los estudiantes a usar las tecnologías de fabricación digital para comunicar sus ideas, Gould Evans respondió diseñando un volumen versátil, abierto e iluminado durante el día para proporcionar la máxima flexibilidad, tanto como espacio de trabajo diario como programación educativa y desarrollo de la tecnología.
El estudio es un recurso central compartido por todas las 13 especialidades del Instituto, desde cerámica y escultura hasta fibra y cine. La nueva adición de 5.000 pies cuadrados al Edificio Volker del Departamento de Escultura cuenta con una sala de galería y crítica donde los estudiantes pueden presentar, revisar y exhibir su trabajo, y un laboratorio de fabricación equipado con tecnología de punta.
El laboratorio incluye pantallas táctiles interactivas para colaboración digital, cortadoras láser, grabadores, ocho tipos diferentes de impresoras 3D, enrutadores de control numérico por computadora (CNC), cámaras, escáneres y un telar digital.
Corte
El campus KCAI es tradicional, aunque ecléctico, con edificios que rodean una propiedad histórica y su mansión original, Vanderslice Hall, que ahora es el centro administrativo del Instituto. Diseñado como un contrapunto al edificio Vanderslice de 1896, el estudio Beals expresa el equilibrio de modernidad y tradición de KCAI. Reutilizando la estructura existente del edificio Volker, que es un proyecto anterior realizado por Gould Evans, la fachada de paneles de metal negro mate y la forma de cobertizo simple del estudio contrastan suavemente con el edificio histórico, contribuyendo a la riqueza del campus.
Al mismo tiempo que la construcción del nuevo edificio, Gould Evans también diseñó una nueva entrada para el campus, jardines y una plaza pública que integra el Beal's Studio con Vanderslice y el resto del campus.
¿Eres cat lover o dog lover? En ArchDaily sabemos que eres amante de los animales tanto como nosotros, ya que nos inspiran, nos dan compañía, y en el caso de la fotografía arquitectónica, nos dan una idea de la escala de los espacios. En la versión anterior de este artículo, hicimos una recopilación de Gatos protagonizando sesiones fotográficas de arquitectura, y no queríamos olvidar a los amantes de los perros que se hacen presentes en nuestro sitio. Es por eso que traemos para ti una recopilación de fotografías en donde los perros son el centro de atención.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El proyecto de Jeddo Road tiene sus raíces en una localidad anteriormente conocida como 'Soapsuds Island', debido a la prevalencia de lavanderías que dominaron el vecindario, situado en una zona de South Acton.
Con un tamaño de 1.100 metros cuadrados y una construcción de 2,6 millones de euros, la hábil remodelación de IBLA conserva la colorida historia y características originales del sitio, con amplias incorporaciones diseñadas a propósito para hacer crecer visualmente la original, de una manera limpia y contemporánea.
Los edificios originales comprendían una casa y parte del antiguo edificio de Jeddo Works, los cuales databan de la década de 1870. IBLA tomó la decisión de regresar a los elementos victorianos y eliminar las adiciones de baja calidad del siglo XX.
Los arcos oxidados de doble altura de Jeddo Works fueron cuidadosamente despojados de pintura blanca para exponer sus ladrillos de color rojo oscuro. La casa original se revivió con la instalación de una nueva extensión de armazón de hormigón y el nuevo exterior coincide con la proporción de los arcos y edificios adyacentes, finalizando con terminaciones en ladrillo rojo industrial similar y zinc patinado.
Como un desarrollo de uso mixto, la nueva construcción contiene oficinas y apartamentos. En la planta baja, una oficina de planta abierta está ocupada por otra práctica arquitectónica, con techos de doble altura que acomodan un nivel de entresuelo para un moderno espacio de trabajo.
Los pisos superiores tenían como objetivo contrastar con la herencia del exterior y, como tales, están equipados con una palmeta de materiales tranquilos que incluyen hormigón visto, vigas de acero y madera. Estos interiores están iluminados con abundante luz natural desde todos los lados. El ático que se encuentra en la parte superior de Jeddo Road se beneficia de un balcón envolvente que ofrece vistas espectaculares del centro de Londres.
Un pasadizo revestido de madera conduce a un tranquilo patio y jardín compartido por todos los usuarios de Jeddo Road. El patio da acceso a dos nuevas mansiones de tres pisos en la parte trasera del sitio, construidas en el espacio estrecho entre las paredes de la antigua lavandería.
Estas casas medievales, livianas y modernas, están revestidas de acero blanco. La madera da al patio común que tiene jardines privados hundidos, balcones y amplias terrazas que se conectan con los espacios habitables del primer piso. La estructura enmarcada en acero, que recuerda a los balcones con dosel georgianos tradicionales, proporciona espacio exterior adicional y media entre las casas y el patio.
Como una pieza arquitectónica del siglo XXI, Jeddo Road está diseñada para ser sostenible y sensible al medio ambiente e incluye una gama de medidas que superan los requisitos del Código para hogares sostenibles de nivel 4. La estructura del edificio se diseñó para minimizar la pérdida de calor mediante altos niveles de aislamiento y hermeticidad.
Los jardines de invierno con orientación sur en el bloque principal explotan la calefacción solar pasiva y, combinados con los sofitos de hormigón expuestos, contribuyen a la masa térmica del edificio, mejorando aún más la eficiencia energética. Los productos y materiales se obtuvieron de manera sostenible y local, y las telas se reutilizaron.
El director de IBLA, Patrick Inglis, dijo sobre el proyecto:
Jeddo Road es una gran remodelación en escala, pero como todos nuestros proyectos queríamos que el resultado final estuviera imbuido de un verdadero sentido de 'arraigo' en su contexto y herencia. Al devolver el sitio a su aspecto y sensación victorianos, tuvimos espacio en la parte posterior para construir casas y una oficina livianas, de alta calidad y contemporáneas. El contraste es excelente y estamos encantados de lo mucho que trajimos y sacamos del sitio
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El estado existente del apartamento pertenecía a un modo de habitar incompatible con los requerimientos del nuevo propietario. Estos nuevos requerimientos, aun partiendo de la convencionalidad doméstica, dejaban la suficiente libertad para tratar la nueva vivienda de una manera menos encorsetada. Por lo tanto, la nueva propuesta parte del derribo total de la situación preexistente, respetando únicamente el sistema estructural (por motivos técnicos y económicos, se descartaron intervenciones estructurales).
La propuesta implanta dos elementos en forma de L que engloban aquellas funciones que el nuevo propietario, un hombre soltero, requería con una cierta independencia: una primera L orientada hacia el acceso acoge la zona de cocina, y una segunda L alberga los espacios de dormitorio con baño en suite. El resto del espacio se pretende que fluya libremente por el interior, para potenciar al máximo la sensación de espacialidad y abolir los límites entre habitaciones: por ejemplo, tanto el dormitorio, como el baño de invitados, se cierran con grandes puertas pivotantes sobredimensionadas, de suelo a techo, sin marcos perimetrales. Esto hace que los cerramientos no sólo se interrumpan al llegar a las puertas (no hay dinteles), sino que al abrirse, la comunicación es total y el espacio se cuela a su través, extendiendo los espacios comunes a estas estancias cuyo uso se prevé ocasional, evitando por lo tanto que permanezcan cerradas y residuales.
De igual manera, la zona de estudio es un espacio ambiguo que se conecta a los espacios comunes a través de una nueva puerta pivotante, similar a las anteriores, pero esta vez de vidrio, que a su vez se conecta con el dormitorio mediante dos grandes puertas correderas que tampoco llegan al techo, y que en su despiece de distintos tipos de vidrio dibujan figuras superpuestas que difuminan los ejes dominantes de las habitaciones.
Este tratamiento espacial de desdibujar los límites es el mismo con el que se tratan los ámbitos de las dos L mencionadas anteriormente: la cocina se enfoca hacia la entrada, pero a la vez se separa de ella con un tabique independiente, recorrido por un gran espejo que desdibuja el paso más estrecho hacia la cocina; y simultáneamente se abre hacia el salón-comedor a través de una isla que sobrepasa sus límites. Igualmente, el dormitorio se ha deshecho en varias estancias; la antesala del mismo es la zona de estudio, comunicada con la zona de cama (separada por las correderas de vidrio pero comunicada por la parte superior de las mismas), y del dormitorio se accede al baño en suite, espacio éste más recluido y privado.
El tratamiento material acompaña el concepto espacial, insinuando la posición de cada uso en estancias que por lo demás no tienen límites definidos. Si bien la cocina está alojada en una estancia más o menos reconocible, su color es el negro, y apuntes dorados en latón (el grifo, el fregadero) contrastan las superficies negras; las grandes puertas pivotantes de las estancias de invitados son lacadas en negro, y sus tiradores de nuevo de latón, marcando la interrupción de los paramentos blancos; el baño suite es completamente negro, mezcla de cerámica, granito, microcemento y esmalte negro, y con grifos, lavabos y demás accesorios todos en negro.
Por el contrario, el baño de invitados tiene el tratamiento opuesto, aquí el granito, el microcemento y los esmaltes son blancos, aunque los sanitarios y grifos se mantienen en negro. Las correderas y puertas pivotantes de hierro y vidrio reciben despieces que desdibujan los ejes, pero también marcan zonas de privacidad y zonas más visibles. Las luminarias juegan alternando blancos y negros; los muebles diseñados son de madera lacada blanca y todos los tiradores son negros. Incluso el nuevo pavimento de la terraza exterior, cuyos paramentos tuvieron que conservar el color original, marcan una banda perimetral de microcemento blanco que en su interior recibe un despiece fragmentado de cerámica negra, a modo de alfombra exterior.
Dos bandas de latón recubren los cantos de las dos paritciones en L que organizan el interior, marcando su importancia espacial, y su independencia respecto al resto de paramentos.
Cortesía de Naoomi Kurozumi Architectural Photographic Office
Normalmente, los espacios de una vivienda están distribuidos en áreas comunes, habitaciones, cocina y baños. Sin embargo, a veces el mandante exige agregar otros programas relacionados a su trabajo, hobbies o aficiones, complejizando el diseño eficiente y la distribución espacial cotidiana. Como arquitectos, nos vemos enfrentados a un interesante desafío: fusionar la vida privada de sus habitantes con programas más públicos y abiertos, generando en su conjunto increíbles espacios mixtos.
Si buscas cómo diseñar viviendas híbridas, conoce 26 casas que presentan notables incorporaciones, como tiendas, canchas de fútbol, graneros, invernaderos y hasta skateparks.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El Edificio de oficina yellow box sirve como una oficina de ventas para un proyecto de construcción en Ahmedabad. El edificio fue concebido como una herramienta de marca distintiva para llamar la atención sobre el proyecto a través de su diseño e instalación portátil. El edificio es de naturaleza temporal y se puede desmontar y reutilizar en situaciones similares en un sitio diferente.
El Edificio de oficina yellow box desafía el patrón convencional de construir oficinas de bajo presupuesto, estéticamente pobres y temporales en la India, que invariablemente se demuelen una vez que han cumplido su propósito. Diseñado como un espacio flexible, reutilizable y transformable, el Edificio de oficina yellow box resuelve los problemas de desperdicio de tiempo, dinero, material y energía ofreciendo una solución sostenible y estética para edificios temporales.
Este edificio móvil tiene dos cajas principales que albergan los espacios programáticos y una caja amarilla inclinada como una unidad de escalera que se conecta con el nivel superior. El primer cuadro primario se encuentra en el suelo y está dedicado a las funciones administrativas. La segunda caja, llamada lightbox, levita arriba para mantener las funciones ejecutivas.
Manteniendo la ocupación a corto plazo para un proyecto en particular, el edificio se construye con contenedores y unidades flexibles y prefabricados que son fácilmente transferibles y transformables y que requieren una intervención mínima para la instalación. Las unidades de construcción están preinstaladas en la fábrica, se despliegan por carretera hasta el sitio y se introducen en el lugar. Una vez que se cumple el propósito, las unidades se pueden mover y reinstalar en otro lugar.
Esto permite que el edificio sea recuperado, reconfigurado, reubicado y reutilizado múltiples veces, a la vez que tiene un impacto mínimo en el medio ambiente. Las unidades están diseñadas para ser lo suficientemente flexibles para cualquier actualización programática y modificaciones que puedan requerirse en otro lugar según las condiciones del sitio. El edificio toma solo un cuarto de tiempo para prepararse en comparación con lo que una oficina convencional llevaría en construirse.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El nuevo centro juvenil ECHO por puerstl langmaier architekten reemplaza el antiguo edificio en Mühlgang y crea un lugar protegido con una variedad de oportunidades de desarrollo para los jóvenes. Rodeado de naturaleza, este enorme edificio de madera ofrece un lugar seguro para intercambiar tanto externa como internamente.
Los centros juveniles son lugares de trabajo juvenil que proporcionan espacio para el encuentro, la adquisición de habilidades sociales y contenido educativo, donde los jóvenes encuentran inspiración y apoyo y además pueden usar una amplia gama de oportunidades recreativas significativas.
El centro juvenil de Leuzenhofgasse, cerca del Fröbelpark en Graz-Lend, está inmerso en un oasis verde urbano. Para la mayoría de los alumnos, esta es un área urbana desconocida. El entorno inmediato consiste en áreas verdes boscosas, una zona para perros y el paso del molino.
En 2007, ECHO reemplazó al centro juvenil INSEL y continúa siendo operado por la asociación JUKUS. El grupo objetivo son jóvenes de 12 a 19 años, siendo de 16.3 años la edad promedio de los visitantes.
Para el diseño del centro juvenil, ECHO realizó una competencia en la que los principales requisitos fueron hacer visibles las zonas interiores y exteriores, y cumplir con el presupuesto de 550.000 euros.
En lugar del antiguo edificio que no pudo rehabilitarse, se creó una construcción en madera, que sugiere tanto las fachadas de vidrio como las zonas libres en la apertura sur, así como también la materialidad, el entorno inmediato y distribución espacial de seguridad y protección.
En vista de estos aspectos, el diseño de los arquitectos Bernd Pürstl y Herwig Langmaier también enfatizó la orientación del centro. La estructura principal se encuentra con su orientación longitudinal en el borde norte del terraplén, creando una generosa área al aire libre hacia el sur. El sitio crece fuertemente hacia el oeste y está cubierto de árboles densos. Por parte de la planificación urbana, se dio una distancia de diez metros al Mühlgangverlauf, ya que hay una zona para perros. Esto resultó en el posicionamiento en el borde oriental del sitio de construcción.
En términos de planificación, hay áreas claramente definidas con relaciones mutuas. El enfoque principal está en la visión de las áreas interiores y exteriores a través de la sala principal. El acceso se proporciona a través de un área de entrada cubierta que conecta el taller y el área principal. La estructura del edificio da como resultado una formación de corte con el edificio principal, la zona de paso y el área del taller. Las habitaciones laterales están ubicadas en Mühlgangseite y el lado norte, incluida una gran sala grupal sin áreas de tráfico con una barra central, miradores hacia el exterior, un espacio activo y otro creativo.
Para incluir los aspectos culturales, se planificó un área protegida para niñas, que ahora cuenta con una función abierta debido al nuevo grupo objetivo. El área de descanso principal tiene retiros bien organizados entre el campamento y las zonas sanitarias, así como entre las cajas de creativos activos y el área de backstage. El techo se levantó en la sala de estar principal (cafetería, salón de actos) para obtener la altura deseada de la sala.
Corte
El Centro Juvenil ECHO es una construcción de madera pura, que consiste en paneles BSP y vigas laminadas con columnas de acero en una losa de hormigón armado. El edificio está aislado térmicamente con encofrado de alerce aserrado y una junta abierta. El borde del techo estaba terminado con tejas Eternit en negro. En lugar de las ventanas de alerce planificadas originalmente, se instalaron ventanas de plástico con montajes de aluminio, con calidad estándar y reinstalación visible. Una bomba de calor de aire en combinación con calefacción por suelo radiante garantiza el calentamiento del objeto. Los usuarios del centro participaron en el diseño de la instalación creando el interior en cooperación con "Caritas-Tagwerk".
'Soy de Azteca' es un proyecto fotográfico de Zaickz Moz que busca replantear las expresiones de comunidad e identidad de la periferia de la Ciudad de México que cada vez es más difusa y se desborda fuera de sus límites geográficos. El objetivo de este proyecto es replantear las expresiones de comunidad e identidad de los vecinos de Ciudad Azteca (Estado de México) manifiestas en los espacios privados, públicos y urbanos, a través de una serie fotográfica que aborde temas como la apropiación y modificación del espacio habitable, el desarrollo urbano y el sentido de comunidad en el barrio de Ciudad Azteca.
Las características particulares de una comunidad les otorgan a los habitantes un sentido de identidad, de pertenencia. ¿Esto sucede en cualquier lugar habitado? Al observar que la historia de Ciudad Azteca existe siempre en relación con la Ciudad de México, cabe preguntarse si han surgido rasgos de identidad propios entre los habitantes de Ciudad Azteca. Como en otras zonas de la periferia capitalina, es posible observar en este grupo de colonias ubicado en el municipio de Ecatepec la capacidad de los locales para construir y transformar un espacio en una variedad de formas de hábitat urbano.
Sin embargo, como ha sido evidente desde hace varios años con el desarrollo tecnológico, la formación de comunidades no está restringida a los grupos poblacionales que comparten un espacio físico y temporal. Debe considerarse también que en gran medida las comunidades se conforman a partir de las diferencias que se mantienen con otras. Estas ideas van apuntando hacia la siguiente pregunta: ¿cómo se ha ido construyendo la cultura de identidad en Ciudad Azteca? Para muchas personas que habitan la zona metropolitana de la Ciudad de México existe la idea de que Ciudad Azteca es un “punto rojo” en el mapa: un foco geográfico de violencia. Pero, como en todos los casos en los que existe una reducción simplista, la imagen no es completa, pues hay poca representación de las expresiones de comunidad propias de Ciudad Azteca.
Hacer un proyecto sobre Ciudad Azteca, sobre sus símbolos y las relaciones entre sus habitantes, ayuda a replantear los elementos de identidad, a fortalecerlos y constituir o reconstituir a la propia comunidad. El modo en el que se busca representar el sentido de comunidad (si existe) que se plantea en este proyecto es la fotografía: una pausa en el movimiento constructor de símbolos de ritos, de un mundo. Además, al pensar que una comunidad constituida puede transformar sus condiciones de vida, crear nuevos significados y desplegar sus expresiones simbólicas a través de los proyectos artísticos, esta serie fotográfica abrirá la posibilidad de que las personas de Ciudad Azteca se encuentren, reflexionen sobre sí y tengan una más amplia comprensión de su realidad.
El trabajo de Zaickz Moz se enmarca en la fotografía arquitectónica y urbana, enfocándose en la series fotográficas, buscando generar una reflexión colectiva y no de un evento aislado, documentando la capacidad innata del ser humano para apropiarse del espacio y los objetos que contiene, con el fin de llamarlos “nuestros”.
Mapear la ciudad a nivel de suelo no es sencillo, es por eso se acude a la fotografía aérea para continuar con la serie 'El barrio' desde otra perspectiva. Estos apuntes aéreos permiten relacionar cada punto de inflexión y entender la conexión con otras colonias. Así como identificar las vías de acceso y enlace entre las tres secciones de Ciudad Azteca. Aunque las tres comparten centros comerciales, panteones, mercados, iglesias, avenidas principales y rutas de transporte, cabe preguntarse si al existir esta división, con la cual cada sección cuenta con sus propios servicios, se ha formado una interrelación entre los colonos y habitantes.
Esta es la serie inicial del discurso fotográfico sobre Ciudad Azteca, se busca trazar un mapa de las tres secciones de esta colonia a través de mostrar las personas o lugares que los colonos reconocen o identifican como puntos de inflexión dentro de una rutina laboral o doméstica, mercados, iglesias, tienditas de la esquina, taquerías, bazares, locales, parques, centros culturales, etc. Son los puntos de inflexión marcados y construidos por la misma comunidad donde convergen, puesto que son evidentes, es posible andar sin rumbo, sin una traza, entre las calles de la colonia, retratando personas para mapear la colonia a través de la fotografía.
Serie con la cual nos adentramos a las entrañas de la colonia Ciudad Azteca para retratar y entrevistar a los vecinos, con el objetivo de observar y platicar sobre las condiciones de vida. La historia de cada uno dentro de Ciudad Azteca y las modificaciones que han presenciado a través del tiempo en tanto en sus viviendas como en su entorno. Entablar un diálogo sobre los elementos de identidad y comunidad que observan los colonos y los que no es el propósito de esta serie, creo que con estas imágenes es posible que un habitante de Ciudad Azteca se replantee su relación con la colonia y sus vecinos, así como su noción de pertenencia a la comunidad.
El sentido de apropiación es una cuestión latente desde hace unos 50 años en México: el ciudadano o usuario busca cubrir una necesidad, modificando el espacio para satisfacerla, no hay mejor ejemplo que las viviendas de los colonos en azteca, mi intención con la elaboración de un registro tipológico de la vivienda es resaltar los cambios que generación tras generación se han venido haciendo dentro y fuera de su espacio habitable. Una de las principales cuestiones por la que los colonos han hecho modificaciones es la inseguridad, Ciudad Azteca es un punto rojo en el mapa, por lo tanto, los vecinos han respondido a ella por medio de instalaciones permanentes en el interior de sus viviendas, en fachadas o hasta en la vía pública.
La historia de Rusia en el desarrollo de viviendas colectiva se puede dividir en varios períodos distintos, cada uno manifestado por su propio tipo específico de edificio residencial. Estas viviendas revelan qué estilo de vida, nivel de comodidad, costo de construcción y rasgos distintivos se consideraron preferibles en cada década. Cada nueva etapa vio sus propios experimentos y tuvo sus propios logros, que juntos se pueden considerar como una línea de lecciones, descubrimientos y experiencias, que ayudan a comprender un carácter específico de la vivienda estándar rusa.
Cortesía de Strelka KB
1917-1930: Primeros esfuerzos, primeros experimentos
La Revolución de Octubre provocó una serie de cambios en las políticas de vivienda de Rusia, definiendo su desarrollo durante muchos años. Dos decretos de 1918, sobre "la abolición de la propiedad privada en las ciudades" y sobre "la socialización de la tierra", dieron lugar a los llamados departamentos comunales. La propiedad estatal comenzó a representar una mayor proporción del total de viviendas y proyectos de construcción del país; el régimen soviético también asumió la tarea de asignar viviendas entre las personas.
En la década de 1920, comenzó a tomar forma un nuevo tipo de vivienda masiva de bajo costo. El Comité de Construcción de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia fue el primero en la historia del país en embarcarse en el desarrollo de un modelo de casa estándar de acuerdo con los requisitos modernos y con el uso de un enfoque científico. Entre otras cosas, las autoridades habían organizado una serie de concursos, y estas medidas finalmente dieron lugar a la creación de un tipo de casa bastante novedosa, que iba desde casas comunales a las llamadas ciudades jardín.
Barrio residencial Shabolovka, Moscú, 1929. Imagen Cortesía de pastvu.ru
Según el plan, un residente local podría haber pasado toda su vida en este barrio sin sentir la necesidad de salir de él: este lugar tenía tiendas, guarderías, escuelas, un instituto con dormitorios, fábricas e incluso un crematorio. La zona de viviendas de Khavsko-Shabolovsky era una parte importante del distrito. Sus trece edificios estaban situados en ángulo recto entre sí y en un ángulo de 45 grados con respecto a las calles principales. Esta característica proporcionó una buena iluminación y creó un sistema de patio cerrado. Los balcones y las salas con mala vista se enfrentaron a las fachadas meridionales, mientras que las cocinas y los baños se diseñaron para mirar hacia el norte. Cada fila de casas tenía su propio esquema de color. El edificio público se colocó en el centro del distrito.
1935-1955: Buena decoración y techos altos: el encanto indiscreto del edificio Stalinka
A principios de la década de 1930, un concurso público para el proyecto del Palacio de los Sóviets y un nuevo plan maestro de la ciudad de Stalin en Moscú (1935) marcaron un cambio arquitectónico hacia la explotación del legado clásico. La ciudad de Moscú fue la primera en enderezar, ampliar y construir sus avenidas con conjuntos de viviendas, y luego muchas ciudades rusas siguieron el ejemplo. Las características artísticas en los edificios, y para el vecindario en general, se convirtieron en una prioridad. Después de la Segunda Guerra Mundial, la tendencia aumentó; los edificios de varios pisos se hicieron menos comunes, mientras que la construcción en madera recuperó su relevancia.
Dominar una tecnología de fabricación de elementos de estructura en la fábrica (en lugar de hacerlos bien en el sitio de construcción) es un gran avance de este período. Pero muchos proyectos todavía se estaban llevando a cabo con su propio diseño personalizado único, y esto aseguró la diversidad de la arquitectura de la vivienda de la época.
En 1949 se introdujo la llamada planificación estándar: este enfoque descarta por completo la idea de un diseño separado para cada proyecto, y abarca exactamente lo opuesto a eso: un concepto de diseño que implica trabajar sobre tipos de vivienda estandarizados y planos en serie.
En la calle Tverskaya, Rusia había probado por primera vez una tecnología de construcción de vía rápida (industrializada): varios equipos de trabajadores con diferentes habilidades que cambiaban de un objeto a otro en rotación, cada uno a cargo de su propia tarea.
Como resultado del exitoso experimento, la casa número 4 en Gorky Street se había integrado perfectamente en el terreno montañoso de la carretera: en las tres secciones, las unidades residenciales ocupaban cinco pisos, pero la altura de las plantas bajas, reservadas para almacenes y lugares para comer, eran diferentes. El sótano y el portal eran con granito pulido, paredes residenciales, con baldosas prefabricadas; la decoración interior presentaba molduras y esculturas.
1955-1960: Fórmula de Khrushchev: vivienda compacta y la llegada de "micro-distritos"
Tras el histórico discurso de Nikita Khrushchev de 1955 y el decreto sobre "la liquidación de los excesos en planificación y construcción", la industria de la vivienda rusa comenzó a cambiar a una arquitectura mucho más simple, menos asertiva y a una construcción más barata. Además, se decidió utilizar terrenos baldíos para barrios residenciales de bajo costo, es decir, micro-distritos, en lugar de proceder con costosas construcciones en el centro de la ciudad.
Como la tecnología industrial que avanzaba rápidamente sugería uniformidad en la construcción, la planificación personalizada había tenido que ser prácticamente abandonada. En 1959, la Rusia soviética estableció su primera DSK - Fábrica de construcción de viviendas integradas, y más de 400 de esas plantas llegarían en el futuro.
Para cumplir con la promesa "¡Para cada familia, apartamento separado!", La URSS tuvo que construir lo más simple y compacto posible; al mismo tiempo, se estimó que la esperanza de vida de esas estructuras era de alrededor de 20 años.
La línea de la casa K-7 entregó el primer y masivo edificio de cinco pisos; solo tomó 12 días construir tal vivienda. Por supuesto, este tipo de vivienda tenía sus desventajas, como las salas de recorridos y no tenía balcones. Estos problemas se han revisado y solucionado para las versiones posteriores de K-7.
9na cuadra del distrito de Noviye Cheryomushki (1956-1958). Imagen Cortesía de John William Reps, Fine Arts Library, Cornell University
En 1956, la URSS había organizado un concurso nacional para los mejores proyectos de departamentos rentables. Se planeó el 9no bloque experimental en el distrito de Novye Cheryomushki y un sorteo de las soluciones presentadas para esta competencia. La construcción de un vecindario nuevo tomó 22 meses; el área había servido como campo de pruebas para 14 tipos de edificios (cada uno de ellos utilizaba diferentes materiales y planificación) y tiene hasta cinco pisos de altura.
En un esfuerzo por compensar los departamentos pequeños, se hizo gran hincapié en los espaciosos jardines. Estos espacios estaban equipados con zonas de esparcimiento, áreas de juegos para niños, áreas verdes, áreas para golpear alfombras y piscinas para niños. La planificación arquitectónica de los micro-distritos excluía cualquier tránsito, y cada bloque tenía su propia guardería, jardín infantil, escuela, cantina, tiendas, cine, edificios de servicios, central telefónica y garajes.
1960-1980. Hogares de la era Brezhnev: la misma tendencia, mayor comodidad
Durante este período, se había puesto mayor énfasis en la construcción de edificios de gran altura, así como en la introducción de tipos de viviendas mejoradas. Esta era dio lugar a apartamentos con 1-5 habitaciones aisladas, que proporcionaban alojamiento a diferentes tipos de familias. Además, ciertas series permitieron diseños flexibles de apartamentos.
A fines de los años 70, la agenda de políticas de vivienda abarcó la tarea de reconstruir y renovar el parque inmobiliario de antes y después de la guerra. Los hoteles y dormitorios representaron una gran parte de estos nuevos proyectos. Sin embargo, los problemas de vivienda siguieron siendo una gran preocupación y un problema urgente. En 1986, con el objetivo de abordar este serio desafío, el gobierno adoptó un programa especial llamado "Vivienda-2000", pero nunca se implementó por completo.
Distrito de Severnoye Chertanovo. Imagen Cortesía de glokaya_kuzdra / lori.ru
Este vecindario estaba formado por edificios residenciales de 9 y 16 pisos. Para lograr una infraestructura accesible y cómoda, los arquitectos decidieron organizar entradas a todas las instalaciones de servicio al consumidor en los vestíbulos, o al menos a poca distancia. Los edificios estaban conectados por pasillos en la planta baja, por lo que era posible moverse casi sin salir del bloque. Con pasajes internos reservados exclusivamente para taxis y ambulancias, cada casa tenía su propio estacionamiento subterráneo. El proyecto también ofreció opciones integradas de mobiliario, con uno de los edificios intentando realizar un experimento de apartamento dúplex.
1991—2018. Era moderna: el retorno del diseño personalizado y la adopción de una escala mayor
Esta fase vio la formación y el desarrollo del mercado inmobiliario ruso. El país ha sido testigo de un glorioso regreso de los proyectos de desarrollo individual y el uso generalizado de la decoración. Existe una búsqueda constante de diseños de edificios y apartamentos nuevos (estudios, proyectos con áreas comunes, etc.), —mientras que algunos conjuntos de viviendas ya ofrecen opciones para una posible replanificación.
Gracias a la privatización, los rusos han recuperado su derecho a adquirir y poseer sus propias viviendas. Este drástico cambio es responsable de una nueva e importante tendencia en el mercado inmobiliario ruso. Hoy, más del 85% de los hogares son propiedad de ciudadanos privados.
Cortesía de Strelka KB
En la década de 1990, la construcción de viviendas ha tomado formas bastante erráticas y no sistemáticas. La industria, dominada en gran medida por los planes de desarrollo de relleno, experimentó un aumento significativo en la proporción de viviendas privadas y de lujo. Luego, la década del 2000, durante un período de intenso crecimiento económico, ha dado lugar a algunos proyectos de urbanización integral a gran escala para nuevos territorios.
En 1997, junto con una nueva reforma de la vivienda en Rusia, se creó la Agencia para préstamos hipotecarios para la vivienda. Un año después, el estado presentó una base legal para los préstamos hipotecarios. El 2016, DOM.RF (antigua agencia de préstamos hipotecarios para la vivienda) y Strelka KB comenzaron a elaborar un documento titulado "Pautas para el desarrollo integral de las áreas": ambas partes se guían por su compromiso de introducir y garantizar un entorno urbano confortable en Rusia. Una de las ideas clave de estas directrices es abandonar el desarrollo de micro-distritos a favor de las manzanas.
Zonas residenciales de Yuzhnoye Butovo y Severnoye Butovo. Imagen Cortesía de Alexey Mikheev / lori.ru
Inicialmente, los distritos de Yuzhnoye Butovo y Severnoye Butovo estaban formados por edificios de modelos anteriores, y estas viviendas estaban destinadas y otorgadas principalmente a hogares de listas de espera o familias beneficiarias de asistencia social. Paso a paso, el desarrollo de la construcción privada ha ido avanzando y expandiéndose — el proceso acompañado de la introducción de un nuevo modelo de planificación modernizada. Además de eso, a mediados de la década de 1990, Butovos se adaptó a los primeros prototipos de una casa adosada de nuestro país.
Debido a su ubicación lejos del centro de la ciudad y, por lo tanto, a un viaje de larga distancia de los residentes a sus lugares de trabajo, el distrito de Butovo se ha convertido en un símbolo y un término genérico para los llamados "suburbios de dormitorios", junto con una carga de problemas distintivos: migración de pasajeros, falta de áreas públicas, subdesarrollo del comercio ambulante en pequeña escala, opciones de ocio limitadas, etc.
© The Raws
© The Raws
Planta
© The Raws
© The Raws
© The Raws
© The Raws
SCOPIO_PLATAFORMA2.jpg?1532035701 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
SCOPIO_PLATAFORMA4.jpg?1532035762 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
SCOPIO_PLATAFORMA3.jpg?1532035750 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
SCOPIO_PLATAFORMA5.jpg?1532035795 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
SCOPIO_PLATAFORMA6.jpg?1532035811 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
SCOPIO_PLATAFORMA11.jpg?1532035680 "Cortesía de Esteban Pastorino y Nicolás Sáez")
_daici_ano.jpg?1530935614 "© Daici Ano")
_daici_ano.jpg?1530935623 "© Daici Ano")
_daici_ano.jpg?1530935517 "© Daici Ano")
_daici_ano.jpg?1530935630 "© Daici Ano")
_daici_ano.jpg?1530935337 "© Daici Ano")
.jpg?1530742013 "Jardim Paulistano House / GrupoSP. Image © Nelson Kon")
